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무라카미 하루키가 소설을 쓰는 13가지 방식

로드365 — Mon, 23 May 2016 12:54:25 +0900

국내외 어마어마한 팬덤을 형성한 것도 모자라 해마다 노벨문학상 후보로 거론되는 일본 소설가 무라카미 하루키는 그러나 정식으로 문학수업을 받은 적 없고, 스물 아홉 살이 되어서야 처음으로 소설을 쓰고 데뷔한 작가입니다.

스물 아홉의 그는 재즈 바를 운영하고 있었습니다. 수많은 재즈 음악을 들으며 일찍 결혼한 아내와 함께 사는 생활도 행복했지만 그는 나이를 먹어감에 따라 장래에 대해 고민이 많아졌습니다. 어느날 그는 사람 없는 야구장 관중석에 혼자 앉아 있다가 문득 “나는 소설가가 될 것이다”라는 계시를 받았다고 합니다. 그는 이를 ‘에피파니(epiphany)’라고 표현하고 있는데요. 그날 바로 몽블랑 만년필을 사들고 원고지에 소설을 쓰기 시작했고 그 작품이 바로 첫 소설 <바람의 노래를 들어라>(1979)입니다.

하루키는 최근 펴낸 에세이 <직업으로서의 소설가>에서 자신이 소설을 쓰게 된 계기와 방법에 대해 이야기하고 있습니다. 그가 이 책에서 밝힌 소설 창작론을 요약해봤습니다.

1. 외국어로 쓴 뒤 번역해 나만의 문체를 만든다

그는 첫 소설 <바람의 노래를 들어라>를 200자 원고지 400장 정도 분량으로 썼지만 만족스럽지 않았습니다. 무엇보다 본인 스스로 재미있다는 생각이 들지 않았습니다. 이때 그는 남들과 다르게 써야겠다고 생각합니다. 일본문학에 대해 잘 몰랐고 러시아 문학과 미국 소설을 읽으며 자란 그에게 일본어 문장력으로 승부를 본다는 것은 경쟁력이 없다고 판단한 것입니다.

그는 소설을 영어로 다시 쓰기 시작합니다. 그는 이렇게 한 것이 영어 실력이 뛰어나서는 아니라고 말합니다. 오히려 영어로 쓰면 어휘가 제한되어서 짧은 문장, 평이한 문장을 쓸 수밖에 없는데 이렇게 쓴 문장을 다시 일본어로 ‘번역’하니 지금까지와 전혀 다른 문장이 나와 이것을 자신의 문체로 삼기로 결정합니다. 하루키 특유의 번역투 문장이 시작된 것입니다.

그는 이렇게 말합니다.

“내가 그때 발견한 것은 설령 언어나 표현의 수가 한정적이어도 그걸 효과적으로 조합해내면 그 콤비네이션을 어떻게 풀어나가느냐에 따라 감정 표현, 의사 표현이 제법 멋지게 나온다는 것이었습니다. 요컨대 ‘괜히 어려운 말을 늘어놓지 않아도 된다’, ‘사람들이 감탄할 만한 아름다운 표현을 굳이 쓰지 않아도 된다’라는 것입니다.” (50쪽)

소설의 세계는 역사적으로 문장의 대가들이 수많은 작품을 남겨온 전형적인 ‘레드오션’입니다. 이런 곳에 들어가려면 문장력으로 역사 속 천재들과 정면승부를 펼치기보다는 하루키처럼 나만의 문체를 찾아서 독창성을 발휘하는 것도 하나의 방법이 될 수 있습니다.

2. 오리지널리티는 마라톤이다

하루키는 오리지널리티란 단기간에 알 수 있는 것이 아니라고 말합니다. 비틀스나 비치 보이스처럼 등장과 동시에 새롭다고 각광받는 경우도 있지만 대개의 경우 기존의 틀을 깨는 작품이 탄생하면 처음에는 외면받다가 나중에 재평가가 이루어집니다. 스트라빈스키나 말러, 혹은 피카소의 그림이나 나스메 소세키의 문체 역시 그런 과정을 거쳤습니다. 처음에는 기성세대로부터 불쾌하다는 반응을 얻었지만 지금은 고전으로 추앙받고 레퍼런스로서의 기능을 합니다.

그는 이렇게 말합니다.

“내가 아무리 ‘내 작품은 오리지널입니다!’ 하고 소리쳐본들 그런 소리는 대부분 바람에 날려가 사라져버립니다. 무엇이 오리지널이고 무엇이 오리지널이 아닌가, 그 판단은 작품을 받아들이는 사람=독자와 ‘합당한 만큼 경과한 시간’의 공동 작업에 일임하는 수밖에 없습니다. 작가가 할 수 있는 일은 자신의 작품이 적어도 연대기적인 ‘실제 사례’로 남겨질 수 있도록 전력을 다하는 것밖에 없습니다. 즉 납득할 만한 작품을 하나라도 더 많이 쌓아 올려 의미 있는 몸집을 만들고 자기 나름의 ‘작품 계열’을 입체적으로 구축하는 것입니다.” (100쪽)

소설가라면 꾸준하게 소설을 써나가 작품 계열을 이룰 정도가 되어야만 나중에 그의 작품세계가 독창적이었다고 인정받을 수 있다는 이야기입니다. 단순히 ‘한 방’을 노리고 쓴 작품 한 편으로는 독창성을 평가할 수도 없다는 것입니다.

하루키의 이 문장을 읽고 조금 뜬금없지만 미국의 극사실주의 화가 존 캐시어(John Kacere)가 떠올랐습니다. 그는 여성의 엉덩이 그림을 실제보다 훨씬 큰 사이즈로 그렸습니다. 그가 젊은 때의 치기로 이런 그림을 그리다 중단했다면 그는 한 번 튀어보려한 화가로 금세 잊혔을 것입니다. 하지만 그는 평생 동안 여성의 엉덩이만 그린 끝에 결국 그 분야의 대가로 오리지널리티를 인정받았습니다. 결국 오리지널리티란 번뜩이는 아이디어가 아니라 그 아이디어를 손에 들고 달리는 마라톤입니다.

국내 번역된 하루키의 책들. (출처: recordable.co.kr)

3. 더하지 않고 뺄 때 나만의 글이 나온다

하루키는 뉴욕타임스가 2014년 초기 비틀즈에 대해 언급했던 문장을 인용해 오리지널리티를 다음과 같이 정의합니다.

“신선하고, 에너지가 넘치고, 그들 자신의 것” (113쪽)

그는 자신만의 문체나 화법을 발견하기 위해서는 ‘나에게 무엇을 플러스해간다’는 것보다 ‘나에게서 무언가를 마이너스 해간다’는 작업이 필요하다고 말합니다. 정보 과잉 시대에 필요없는 콘텐츠를 쓰레기통에 던져버려야 머릿속이 좀 더 자유롭게 움직인다는 것입니다.

그렇다면 무엇을 빼야 할까요? 하루키는 그 기준은 자기 자신만이 알고 있다고 말합니다. ‘그것을 하고 있을 때, 당신은 즐거운가’라는 기준을 갖고 가슴 설레는 기쁨이 찾을 수 없는 일이라면 미련 갖지 말고 깨끗이 몰아내라고 말합니다. 더 많이 버릴수록 더 많은 여유를 찾을 수 있습니다.

또 ‘나는 무엇을 추구하는가’보다 ‘뭔가를 추구하지 않는 나 자신은 원래 어떤 것인가’를 머릿속에 그려보라고 말합니다. ‘나는 무엇을 추구하는가’라는 문제를 정면에서 곧이곧대로 파고들면 이야기는 불가피하게 무거워지고 문장은 힘을 잃어버립니다. 어깨에 힘을 빼고 자유롭게 쓸 때 나만의 글이 나온다는 것입니다. 그는 이렇게 말합니다.

“’뭔가를 추구하지 않는 나 자신’은 나비처럼 가벼워서 하늘하늘 자유롭습니다. 손바닥을 펼쳐 그 나비를 자유롭게 날려주기만 하면 됩니다. 그렇게 하면 문장도 쭉쭉 커나갑니다.” (110쪽)

출처: 2015년 무라카미 하루키 블로그

4. 느긋하게 마음 먹고 쓰는 것을 즐긴다

‘작가의 블록’은 번아웃되어 아무 것도 할 수 없는 상태를 말합니다. 하루키는 소설을 써온 35년 동안 단 한 번도 슬럼프를 겪지 않았다고 합니다. 그는 그 비결로 자유로움을 꼽습니다. 쓰고 싶은 마음이 샘솟지 않을 때는 쓰지 않고, 오직 쓰고 싶을 때만 소설을 쓴다는 것입니다.

“첫 소설을 쓸 때 느꼈던, 문장을 만드는 일의 ‘기분 좋음’ ‘즐거움’은 지금도 기본적으로 변함이 없습니다. ‘자, 이제부터 뭘 써볼까’ 하고 생각을 굴릴 때 정말로 행복합니다. 소설이 안 써져서 고생한 경험은 없습니다. 만일 즐겁지 않다면 애초에 소설을 쓰는 의미 따위는 없습니다. 소설이라는 건 기본적으로 퐁퐁 샘솟듯이 쓰는 것이라고 생각합니다.” (57쪽)

하루키는 소설을 쓰는 것은 효율로만 따지자면 미련하고 비효율적인 행위라고 말합니다. 같은 이야기를 수없이 반복해서 표현하는 시간낭비라는 것입니다. 소설가는 이런 행위에 도전하는 사람입니다. 따라서 소설을 쓰려면 성격이 느긋해야 합니다. 비효율적인 일이라도 감당할 수 있어야 합니다.

성급하게 생각하고 판단하는 사람은 소설을 쓰기 힘듭니다. 아무도 알아줄 것 같지 않은 한 줄 표현을 더 잘 쓰기 위해 계속해서 문장을 고치고 다듬는 과정을 반복하려면 마음을 느긋하게 먹고 그 과정 자체를 즐길 수 있어야 합니다. 재능은 있지만 이 과정을 견디지 못하는 사람들은 대개 한두 권의 소설을 남기고 떠납니다. 하루키가 35년 넘게 소설가라는 직업으로 살고 있는 가장 큰 비결은 아마도 그의 이런 성격과 태도 덕분일 것입니다.

5. 글감을 머릿속 캐비닛에 저장한다

“소설가를 지망하는 사람이 할 일은 재빠른 결론을 추출하는 게 아니라 재료를 최대한 있는 그대로 받아들이고 축적해나가는 것이라고 생각합니다. 그런 원재료를 많이 저장해둘 ‘여지’를 자기 자신 속에 마련해둘 일입니다.” (122쪽)

글을 쓰려면 글감이 필요합니다. 하루키는 장편소설을 쓰기 전에 차곡차곡 재료를 모읍니다. 그 재료를 노트하는 게 아니라 머릿속에 저장합니다. 그가 모으는 글감은 논리적인 사건보다는 뭔가 이상한 것들, 미스터리하고 고개를 갸웃거리게 되는 것들입니다. 그는 이런 사건이나 생각들을 채집해 간단한 라벨(날짜, 장소, 상황)을 붙여 머릿속에 보관해둡니다. 잊어버리면 어떻게 하느냐고요? 하루키는 이렇게 말합니다. 어차피 잊어버릴 거라면 별로 중요하지 않은 것이니 그냥 놓아두라고요.

캐비닛이 가득 차면 서랍을 열어서 글감을 소설로 조립합니다. 그는 이 과정을 이렇게 묘사합니다.

“뇌 속 캐비닛에 보관해둔 온갖 정리 안 된 디테일을 필요에 따라 소설 속에 그대로 조립해 넣으면, 거기에 나타난 스토리는 나 자신도 놀랄 만큼 내추럴하고 생생하게 살아납니다.” (125쪽)

그렇다면 하루키의 머릿 속은 방대한 수의 서랍이 달린 캐비닛으로 가득 찬 공간일 것입니다. 하루키가 생각하는 소설가란 머릿속에서 서랍을 열고 재료를 꺼내 글이라는 ‘매직’으로 만들어내는 마술사입니다.

“만일 당신이 소설을 쓰기로 마음먹었다면 주위를 주의 깊게 둘러보십시오. 세계는 따분하고 시시한 듯 보이면서도 실로 수많은 매력적이고 수수께끼 같은 원석이 가득합니다. 소설가란 그것을 알아보는 눈을 가진 사람을 말합니다. 그리고 또 하나 멋진 것은 그런 게 기본적으로 공짜라는 점입니다. 당신이 올바른 눈만 갖고 있다면 그런 귀중한 원석은 무엇이든 선택 무제한, 채집 무제한입니다. 이런 멋진 직업, 이거 말고는 별로 없는 거 아닌가요?” (140쪽)

무라카미 하루키 원작, 트란 안 훙 감독의 <노르웨이의 숲>(2010) 포스터

6. 하루에 원고지 20매씩 규칙적으로 쓴다

하루키는 새벽에 일어나 주방에서 커피를 데워 큼직한 머그잔에 따르고 그 잔을 들고 책상 앞에 앉아 컴퓨터를 켜고 소설을 씁니다. 이 과정을 매일 반복합니다.

하루키는 장편소설을 쓸 경우, 하루에 200자 원고지 20매씩 규칙적으로 쓴다고 합니다. 그는 이 작업이 기계적이라고까지 표현합니다. 좀 더 쓰고 싶더라도 20매 정도에서 딱 멈추고, 오늘은 뭔가 좀 잘 안된다 싶어도 어떻든 노력해서 20매까지는 쓴다는 것입니다.

“쓸 수 있을 때는 그 기세를 몰아 많이 써버린다든지, 써지지 않을 때는 쉰다든지 하면 규칙이 깨지기 때문에 철저하게 지키려고 합니다. 타임카드를 찍듯이 하루에 거의 정확하게 20매를 씁니다.” (150쪽)

장편소설을 쓰는 데는 1년가량 긴 시간이 필요합니다. 한 가지 이야기를 머릿속에 담고 1년을 살아가려면 페이스를 유지할 수 있어야 합니다. 마라톤을 뛸 때 아무리 힘들어도 왼발과 오른발을 규칙적으로 내뻗어야 하는 것처럼, 또 초반에 아무리 힘이 있어도 너무 무리하면 안 되는 것처럼, 장편소설을 쓰는 과정도 규칙적일 필요가 있습니다.

7. 소설 쓸 땐 소설에만 집중한다

하루키는 소설 쓰는 기간에는 소설 이외의 것은 하지 않습니다. 장편소설을 쓸 경우엔 가장 먼저 책상 위에 있는 것을 깨끗이 치웁니다. 만일 그때 에세이를 연재하는 중이었다면 거기서 일단 중지합니다.

그는 <양을 둘러싼 모험>(1982)의 집필에 착수하면서 그때까지 운영하고 있던 재즈 바를 정리하고 도쿄를 떠납니다. 한적한 곳에서 오로지 장편소설에만 집중하기 위해서입니다. 그는 이때 상황을 이렇게 설명합니다.

“당시는 아직 문필 활동보다 가게 수입이 더 많았지만 마음을 굳게 먹고 그것을 버리기로 했습니다. 약간 과장해서 말하자면 퇴로를 끊어버린 것입니다. 주위 사람들은 하나같이 반대했지만 나는 전혀 망설임이 없었습니다. 예전부터 ‘뭔가 하기로 들면 내 손으로 철두철미하게 하지 않고서는 성이 차지 않는’ 면이 있었습니다. ‘가게는 다른 사람에게 맡겨놓고’라는 어중간한 짓은 성격상 못 합니다. 여기가 내 인생의 중요한 고비다. 마음을 굳게 먹고 결단을 내려야 한다. 아무튼 단 한 번이라도 좋으니 내가 가진 능력을 모조리 쏟아부어 소설을 쓰고 싶다. 안 된다면 뭐, 그때는 어쩔 수 없다. 다시 처음부터 새로 시작하면 된다. 그렇게 생각했습니다.” (264~265쪽)

오로지 소설에만 집중해 규칙적으로 작업하는 것이 지치지 않고 오랫동안 작업을 할 수 있는 비결이라고 하루키는 말하고 있습니다.

8. 고칠 곳이 없을 때까지 고친다

하루키는 하와이 카우아이 섬의 노스쇼어에서 <해변의 카프카>(2002) 초고를 6개월 동안 썼습니다. 이후 다 쓴 원고를 뜯어고치는 수정 작업을 수도 없이 하는데 그는 태생적으로 이 과정이 적성에 맞다고 말합니다.

우선, 이야기의 큰 그림과 일관성을 맞추는 1차 수정을 하고, 일주일 정도 쉰 뒤 묘사와 대화를 조정하는 2차 수정을 합니다. 다시 며칠 쉰 다음에 소설 전개 흐름의 나사를 조이고 푸는 3차 수정을 거칩니다.

이후 한 달 정도 여행을 다녀오면서 머리를 식힙니다. 하루키는 이 과정을 ‘양생’이라고 말합니다. 그냥 가만히 놔둬 바람을 쐬게 하면서 내부가 단단히 굳도록 한다는 것입니다. 그렇게 하면 글도 머리도 새로운 상태가 됩니다. 그 다음 철저한 고쳐쓰기에 들어갑니다. 그러면 전에 보이지 않던 결점이 또렷하게 보입니다.

다음 단계는 제3자의 의견입니다. 하루키는 가장 먼저 아내에게 보여줍니다. 이때 한 가지 규칙이 있습니다. 그것은 ‘트집 잡힌 부분이 있다면 무엇이 어찌 됐건 고친다’는 것입니다. 비판을 수긍할 수 없더라도 어쨌든 지적받은 부분이 있으면 그곳을 처음부터 다시 고쳐 씁니다. 방향성이야 어찌 됐든, 다시 자리를 잡고 앉아 그 부분을 고쳐 쓴 다음에 원고를 재차 읽어보면 거의 대부분의 경우 이전보다 좋아졌다는 것을 깨닫게 됩니다.

그렇다면 대체 다시쓰기는 언제 끝나는 걸까요? 하루키는 레이먼드 카버를 인용해 이렇게 말하고 있습니다.

“한 편의 단편소설을 써내고 그것을 찬찬히 다시 읽어보고 쉼표 몇 개를 삭제하고, 그러고는 다시 한 번 읽어보고 똑같은 자리에 다시 쉼표를 찍어 넣을 때, 나는 그 단편소설이 완성되었다는 것을 깨닫는다.” (164쪽)

즉, ‘이 정도가 한계다. 이 이상 더 고치면 도리어 맛이 사라질지도 모른다, 라는 미묘한 포인트에 도달할 때까지’ 하루키는 교정지가 새카맣도록 지우고 다시 쓰기를 반복합니다.

무라카미 하루키 책 영문판 표지들

9. 퇴고 단계에선 자존심을 버린다

공들여 쓴 글에 대한 제3자의 비판을 듣는 것은 정신적으로 힘든 일입니다. 반박하고 싶고 내 의도를 몰라준 그가 야속하기만 합니다. 하지만 하루키는 글 쓰는 과정에서라면 제3자의 의견을 반드시 수용해야 한다고 말합니다. 자존심이나 자부심 따위는 최대한 내던져버리라고 말합니다.

“장편소설을 다 쓰고 난 작가는 대부분 흥분 상태로 뇌가 달아올라 반쯤 제정신이 아닙니다. 왜냐하면 제정신인 사람은 장편소설 같은 건 일단 쓸 리가 없기 때문입니다. 그러니까 제정신이 아닌 것 자체에는 딱히 문제가 없지만, 그래도 ‘내가 어느 정도 제정신이 아니다’라는 건 자각하지 않으면 안 됩니다. 그리고 제정신이 아닌 인간에게 제정신인 인간의 의견은 대체적으로 중요한 것입니다.” (162쪽)

따라서 하루키는 제정신인 인간이 지적한 부분은 반드시 어떻게든 고치라고 말합니다.

“읽은 사람이 어떤 부분에 대해 지적할 때, 지적의 방향성은 어찌 됐건, 거기에는 뭔가 문제가 내포된 경우가 많습니다. 그 부분에서 소설의 흐름이 많든 적든 턱턱 걸린다는 얘기입니다. 내가 할 일은 그 걸림을 제거하는 것입니다. 설령 ‘이건 완벽하게 잘됐어. 고칠 필요 없어’라고 생각했다고 해도 입 다물고 책상앞에 앉아 아무튼 고칩니다. 왜냐하면 어떤 문장이 ‘완벽하게 잘됐다’라는 일은 실제로는 있을 수 없으니까.” (157~158쪽)

그러나 제3자의 비판을 듣는 것은 퇴고할 때뿐입니다. 하루키는 작품이 출간된 후에 들어오는 비평은 ‘마이페이스’로 적당히 흘려 넘깁니다. 그런 것에 일일이 신경을 쓰다가는 몸이 당해내지를 못하기 때문입니다.

10. 시간은 내편… 마감에 쫓기면서 쓰지 않는다

하루키는 마감에 쫓기면서 쓰는 작가들에게 일침을 가합니다. 그런 방식이 언제까지고 가능한 게 아니라고 말합니다.

“(마감에 쫓겨서 쓰는 방식은) 스타일로서는 꽤 폼나게 보이지만, 어느 기간에 그런 방식으로 뛰어난 작품을 써냈더라도, 긴 스팬을 두고 부감해보면 시간의 경과와 함께 작품이 점점 묘하게 비쩍 마른 듯한 느낌이 듭니다. 시간을 내 편으로 만들자면 어느 정도 자신의 의지로 시간을 컨트롤할 수 있어야 한다는 것이 내 지론입니다.” (169쪽)

한 마디로 시간 핑계대지 말라는 것입니다. 지금 최선을 다한 완성본을 내라는 것입니다. 나중에 ‘그때 더 잘 쓸걸’ 후회하지 말라는 것입니다. ‘그때는 그게 최선이었어’라고 생각할 수 있어야 한다는 것입니다. 하루키는 그가 직접 번역한 레이먼드 카버의 에세이를 인용합니다.

“시간이 있었으면 좀 더 잘 썼을 텐데… 나는 소설 쓰는 친구가 그런 말을 하는 것을 듣고 정말 깜짝 놀랐다. 만일 그가 써낸 이야기가 힘이 닿는 한 최선을 다한 것이 아니었다면 대체 무엇 때문에 소설 따위를 쓰는가. 나는 그 친구를 향해 말하고 싶었다. 제발 부탁이다. 지금 당장 다른 일을 찾아봐라. 그게 아니라면 너의 능력과 재능을 최대한 쏟아부어 글을 써라. 그리고 변명이나 자기 정당화는 안 돼. 불평하지 마. 핑계 대지 말라고.” – 레이먼드 카버 <글쓰기에 대하여> 중 (168쪽)

11. 작가는 군살이 붙으면 끝장이다

창작 활동을 이어가려면 ‘지속력’이 반드시 필요합니다. 이것은 기본적으로 체력입니다. 하루키가 매년 마라톤에 참가하고 매일 1시간씩 달리기와 수영을 한다는 것은 잘 알려져 있습니다. 그가 운동을 게을리하지 않는 이유는 소설에 집중하기 위해서입니다. 지속력이 몸에 배도록 하기 위해 기초 체력을 만드는 것입니다.

하루키는 ‘작가는 군살이 붙으면 끝장’이라고 말합니다. 약간 비유적인 말이지만 그만큼 기초 체력을 중시한다는 것입니다. 큼직한 이야기를 하려고 할수록 작가는 좀 더 깊은 곳까지 내려가야 합니다. 이를 위해서는 정신력을 갖춰야 하고, 정신력을 지속시키기 위해선 체력이 필수입니다.

“자신의 내적인 혼돈을 마주하고 싶다면 입 꾹 다물고 자신의 의식 밑바닥에 혼자 내려가면 되는 것입니다. 당신에게 필요한 것은 과묵한 집중력이며 좌절하는 일 없는 지속력이며 어떤 포인트까지는 견고하게 제도화된 의식입니다. 아울러 그러한 자질을 일정하게 유지하기 위해 필요한 것은 신체력입니다. 그것이 소설가로서의 나의 기본적인 생각입니다.” (195쪽)

12. 기분 전환을 위해 번역을 한다

하루키는 뛰어난 미국 문학 번역가이기도 합니다. 레이먼드 챈들러, 스콧 피츠제럴드, 커트 보네거트, 존 어빙 등의 작품을 일본에 소개했습니다. 그는 장편소설 집필 중엔 책상을 치우고 아무것도 하지 않지만 유일하게 번역만은 예외로 남겨둡니다. 그는 그 이유를 이렇게 말합니다.

“번역이란 기본적으로 테크니컬한 작업이라서 소설을 쓸 때와는 그 사용하는 뇌의 부위가 다릅니다. 그래서 소설을 쓰는 데 부담이 되지 않습니다. 근육의 스트레칭과 같아서 그런 작업을 병행하는 것은 뇌의 균형을 잡는 데 오히려 유익한지도 모릅니다.” (147쪽)

즉, 뇌의 균형을 잡기 위해, 기분 전환을 위해, 또 글쓰기 공부를 위해 번역을 한다는 것입니다. 오전에 5시간 정도 장편소설을 쓴다면 오후에는 운동을 하고 내킬 때 번역을 합니다. 이렇게 하면 소설 쓸 때 쓰지 않던 근육과 뇌의 다른 부위를 쓰면서 몸의 균형을 잡아줄 수 있습니다.

ㅍㅍㅅㅅ의 현업 전문가 실무 특강

직장인의 글쓰기: 효과적인 소통을 위한 비즈니스 글쓰기 비법

꼭 하루키처럼 번역을 하지 않더라도 테크니컬하게 두뇌를 쓸 수 있는 행동이면 괜찮을 것 같습니다. 예컨대 딱딱한 법전을 읽는다거나 사건사고 기사를 본다거나 혹은 프로그래밍 코드를 짠다거나 단순한 게임을 한다는 식입니다.

13. 자유롭게 쓴다

하루키는 1978년 도쿄 신주쿠 진구 구장에서 프로야구 개막전을 지켜보다 야쿠르트 스왈로스 1번타자 데이브 힐턴이 2루타를 날린 순간 불현듯 소설을 쓰고 싶다는 마음이 들어서 첫 소설을 썼습니다. 큰 욕심도 없었고 어떤 제약도 없었습니다. 그 나름의 소설을 쓰고 싶었고 그렇게 했습니다. 그가 소설에 대해 갖고 있는 기본적인 태도는 자유로움입니다.

“자유롭고 내추럴한 감각이야말로 내가 쓰는 소설의 밑바탕에 자리한 것입니다. 그것이 기동력이었습니다. 자동차로 비유하자면 엔진입니다. 다양한 표현 작업의 근간에는 늘 풍성하고 자발적인 기쁨이 있어야만 합니다. 오리지널리티는 바로 그러한 자유로운 마음가짐을, 제약 없는 기쁨을, 많은 사람들에게 최대한 생생한 그대로 전하고자 하는 자연스러운 욕구와 충동이 몰고 온 결과적인 형체에 다름 아닌 것입니다. (109쪽)

결과적으로 남들이 뭐라고 하든 자신만의 방식으로 자유롭게 글을 쓰면 될 것 같습니다. ‘예술가는 이래야지’ 하는 규칙을 마음에 담을 필요도 없고, 예술가가 아니라고 자조할 필요도 없습니다. 앞서 열거한 12가지 방식도 참고로만 할 뿐 그것을 따라할 필요도 전혀 없습니다.

무릇 무언가를 오랫동안 쓰려는 자는 그 과정에서 그만의 방식을 찾을 것이고, 또 그렇게 하지 않고서는 무언가를 오랫동안 쓸 수도 없습니다. 따라서 위의 12가지를 규칙으로 베끼려 하지 말고, 노트도 하지 말고, 그저 하루키처럼 머릿속에 라벨을 붙여 담아두면 되지 않을까 싶습니다. 만약 시간이 흘러 잊혀지면 그것은 하루키의 말마따나 별로 중요하지 않은 것일 지도 모르니까요. 자유롭게 나만의 글을 쓰다 보면 자연스럽게 나만의 규칙 또한 만들어지리라 믿습니다.

“다른 사람이 읽고 있는 책을 읽고 있다면, 다른 사람이 하는 생각밖에 할 수 없다.” – 무라카미 하루키

출처

마블 시네마틱 유니버스 Marvel Cinematic Universe, MCU

로드365 — Sun, 22 May 2016 18:34:46 +0900

영화 목록

어벤져스 시리즈 어벤져스 어벤져스: 에이지 오브 울트론 어벤져스: 인피니티 워

파트 1/파트 2

아이언맨 시리즈 아이언맨 아이언맨 2 아이언맨 3

캡틴 아메리카 시리즈 퍼스트 어벤져 캡틴 아메리카: 윈터 솔져 캡틴 아메리카: 시빌 워

토르 시리즈 토르: 천둥의 신 토르: 다크 월드 토르: 라그나로크

가디언즈 오브 갤럭시 시리즈 가디언즈 오브 갤럭시 가디언즈 오브 갤럭시 Vol.2

앤트맨 시리즈 앤트맨 앤트맨과 와스프

기타 영화 인크레더블 헐크 닥터 스트레인지 스파이더맨: 홈커밍

블랙 팬서 캡틴 마블

드라마 목록

ABC 드라마 에이전트 오브 쉴드 에이전트 카터 대미지 컨트롤

넷플릭스 드라마 데어데블 제시카 존스 루크 케이지

아이언 피스트 퍼니셔 디펜더스

프리폼 드라마 클록 앤 대거

기타 목록

단편 영화 마블 원 샷

웹 시리즈 WHIH 뉴스프런트

1. 개요

2. 흥행 및 평가

2.1. 10억 달러 돌파 영화

2.2. 국내

2.3. 월드와이드

3. 특징

3.1. 시간대

3.2. 밝은 분위기

3.3. 무명 배우, 감독 위주의 캐스팅

3.4. 개성

3.5. 어느 정도 현실적인 연출

3.6. 원작과의 공통점과 차별성

3.6.1. 공통점

3.6.2. 차별성

3.7. 쿠키 영상

3.8. 드라마와의 연계

4. 내용 전개

5. 비판

5.1. 제작진과의 마찰

5.2. 빌런들의 캐릭터성과 빌런 소모품 논란

5.3. 높은 진입장벽

5.4. 인종별 캐스팅

6. 등장인물

7. 등장 지역

8. 등장 단체

8.1. 단체

8.2. 조직

8.3. 기업

9. 등장 종족

10. 등장 용어/아이템

11. 게임

12. MCU 이외의 실사영화 세계들

12.1. 타사에 영화화 판권이 귀속된 작품들

12.2. 타사 제작 마블 코믹스 원작 영화들

13. 참고문서

13.1. 관련틀

14. 판권 계약내용및 관련링크

1. 개요

Marvel Cinematic Universe, MCU

마블 스튜디오에서 제작된 영화, 그 외 단편 만화와 드라마를 포함하는 공통 세계관.

특정 시나리오 작가나 감독이 아닌, 마블 스튜디오 회장 케빈 파이기를 필두로 하는 위원회가 전체적 스토리 진행 플롯을 짜두고 각 단계의 영화를 감독에게 맡겨 제작하는 형식을 취하고 있다. 이 때문에 제작되는 모든 영화, 드라마, 단편 영화들이 연결점을 가지고 있으며, 동일한 시간선상에서 진행되어 간다. 즉, A라는 영화에서 벌어진 사건이 B라는 드라마와, C라는 영화에도 영향을 끼치는 형태. 마블 코믹스의 평행세계 분류법으로는 지구-199999이다. 어벤저스 실사영화 시리즈를 중심으로 히어로 개별 영화를 단계별로 진행해 나가는 방식으로 영화가 만들어지고 있다. 그리고 모든 우주들이 날아간 시크릿 워즈 이벤트에도 휘말리지 않은 비범한 우주다 기실 세계관의 연계는 오리지널 마블 유니버스 이상으로 긴밀하다. 코믹북은 스핀오프가 아니면 히어로들의 배경이나 그이전의 삷에는 접점이 없는 경우가 대부분이지만[1] MCU는 쉴드의 비중을 높이고[2] 일찌감치 내용과 설정에 연관성을 부여하는 등으로 세계관이 바닥부터 얽혀있다.

전술했듯 마블 시네마틱 유니버스는 마블 코믹스 원작을 영화화한 작품들을 통칭하는 것이 아니라 마블에게 판권이 있는 캐릭터가 주연인 영화와 드라마들이 공유하는 세계관을 일컫는 용어다. 헷갈리지 말자.

아이언맨(영화)부터 아이언맨 3까지 쓰이던 로고. 소리를 자세히 들으면 책 넘기는 소리가 들린다. 기존에 판권을 사간 영화들에 쓰인 마블 로고를 재활용한 것으로[3], 마블이라는 글자 아래에 스튜디오라는 문구가 추가되는 간단하고 돈이 절약되는 차이점이 있었다.

《토르: 다크 월드》에서 처음 쓰여 그 이후로 개봉되는 모든 마블 시네마틱 유니버스 작품에 사용되는 새로운 로고. 만화책 페이지를 넘기는 듯한 컨셉은 유지하면서 마블 로고가 보다 입체적으로 바뀌었다. 배경음악은 《토르: 다크 월드》의 음악 담당이었던 브라이언 타일러가 작곡한 것을 가디언즈 오브 갤럭시까지 사용하였으나, 어벤져스: 에이지 오브 울트론 이후로는 각 작품의 분위기에 맞게 편곡된 버젼의 음악이 쓰인다. 앤트맨에서는 약간 남아메리카의 삼바스러운 느낌의 음악이, 캡틴 아메리카:시빌워에서는 묵직한 긴장감이 느껴지는 음악이 사용되었다.

에이전트 오브 쉴드 , 에이전트 카터, 데어데블(드라마) 등의 MCU 드라마에서도 해당 로고가 쓰이는데, 영화판 로고와 비교할때 책 페이지가 넘어가는 속도가 빠르고 마블 로고 밑의 '스튜디오' 문구가 없으며[4], 배경음으로 예전 로고의 책 페이지 넘기는 소리가 들린다.

마블 로고에서 지나가는 만화들은 영화마다 다른데 해당 영화의 주인공들이 주역으로 출연한 만화 컷들이다.

2. 흥행 및 평가

역대 전세계 영화 프랜차이즈 최초 누적 수입 100억 달러 돌파

2016년 기준 전세계 영화 시리즈/프랜차이즈 박스오피스 1위.[5]

21세기, 세계에서 가장 핫한 영화 프랜차이즈 중 하나.

관련 굿즈, 게임과 애니 등 각종 매체와의 크로스오버, 두터운 마니아층 등, 과거 스타워즈 시리즈의 재림이라고 봐도 좋을 정도로 엄청난 문화적 흥행을 보여주고 있는 시리즈. 지금은 스타워즈 시리즈가 정말로 재림한 상태지만 거기에 두 시리즈가 공교롭게도 같은 곳에 넘어가기도 했으니[6]

2014년 개봉된 《캡틴 아메리카: 윈터 솔저》의 흥행으로 007 시리즈를 제치고 박스오피스 역대 영화 프랜차이즈 시리즈 순위 2위가 되었다. 미국내에서는 이미 해리 포터 시리즈를 2위로 내리고 1위였다. 결국 2015년에 《어벤져스: 에이지 오브 울트론》이 개봉하고서 1위로 치고 오르게 되었다. 2015년 10월 기준으로 총수익 90억 달러를 달성, 2016년에는 캡틴 아메리카: 시빌 워 개봉 2주차만에 역대 최초의 프랜차이즈 100억달러 돌파의 금자탑을 쌓았다. 게다가 2016년 기준으로 전세계 박스오피스 10위권내에 마블 시네마틱 유니버스 영화만 3개나 있다.[7] 심지어 이마저도 그 흥행 깡패 트랜스포머 실사영화 시리즈를 넘어선 초대박 흥행이다.

한국에서도 영화 《아이언맨》부터 《캡틴 아메리카: 시빌 워》까지 합해 총관객수 5천만 명을 돌파하고, 그 중 《어벤져스: 에이지 오브 울트론》은 자그마치 천만 관객 돌파 영화로 자리매김하였다.[8] 한국에서 프랜차이즈 순위 2위인 해리 포터 시리즈의 2833만 2260명, 미국에서 신화로 취급받고 있는 스타워즈 시리즈의 신작 《스타워즈: 깨어난 포스》가 한국에서 고작 300만 언저리에 그쳐 어정쩡하게 흥행하고, 라이벌격 되는 DC 확장 유니버스의 영화들은 한국에서 300만 관객을 넘긴 영화 없이 망한 것과 비교하면 이게 얼마나 대단한 기록인지 알 수 있다.

그 외에도 멕시코에서는 어벤져스 시리즈가 역대 박스오피스 1, 2위를 차지하는 등 세계 여러나라에서 환대하고 있다. 하지만 일본에서는 대부분 그저그런 흥행을 거두어서 옆나라인 한국과 중국이 역대급 흥행 기록을 세우는 것하곤 거리가 있다. 물론 어벤져스 때 일본에도 대박을 거두긴 했다.

10년 전엔 아이언맨 영화가 배트맨 영화보다 흥행하는 건 불가능한 일이라 생각되었지만 마블 스튜디오는 아이언맨, 캡틴 아메리카 등 A급 히어로라고 분류하기엔 애매한 캐릭터들에게 대담하게 투자해서 정상으로 키웠다. 반면 인기 많은 히어로인 데어데블은 스케일은 더 작지만 캐릭터의 성격에 어울리는 넷플릭스 드라마로, 듣보잡 가디언즈 오브 갤럭시는 블록버스터 영화로 만드는 등 네임드 히어로인 슈퍼맨과 배트맨에게만 투자한다는 비판을 받고 있는 DC 코믹스[9]와는 상당히 다른 행보를 보여주고 있다.[10] 그 결과는 위 기록과 같이 괴물 같은 흥행 성적.

흥행은 보장하지만 최악의 퀄리티와 스토리의 영화를 뽑아내는 마이클 베이와 달리 MCU는 흥행을 보장 하는 것은 물론이요 개별 영화들 평가도 매우 좋은 편이다. 2016년 기준으로 로튼토마토 신선도 지수 65% 이하의 작품이 단 하나도 없으며 가장 신선도가 높은 아이언맨 1편의 경우엔 무려 신선도가 94%나 된다. 가장 평가가 나쁜 토르 시리즈도 스토리가 거의 전형적인 히어로물 퀄리티라서 개성 있는 히어로들이나 영화가 많은 요새 슈퍼히어로 영화들과 비교해 별로일 뿐이지 오락 영화로써는 평타 이상이라고 평가 받을 정도다. 보통 아무리 유명하고 인기 있는 시리즈라고 해도 간간히 망작이 한 두개 쯤 튀어나온단 걸 감안하면 8년간 13편의 영화를 만들며 이런저런 냐부적인 문제가 발생했음에도 불구하고 준수한 수준의 오락영화를 만든 케빈 파이기의 역량은 천재 수준이라며 호평 받는다. 특히 MCU에서 가장 평이 좋은 편인 영화들은 대부분 B급 코미디 영화 감독을 데리고 만들었다.# 하지만 토르는...#

어벤져스의 대박 이후 워너 브라더스도 본격적으로 DCEU 제작에 들어갔고, 트랜스포머 시리즈, 엑스맨 시리즈 등 다른 유명 영화 프렌차이즈도 세계관 확장 작업에 들어가는 등 다른 영화사들도 마블의 흥행에 영감을 받아 세계관 획장 작업에 들어가는 움직임을 보여줬다. 그와중에 DCEU가 망작을 하나 뽑아내는 동안 마블은 역대급 명작을 만들어내며 마블의 위상은 더더욱 올라갔다.

2.1. 10억 달러 돌파 영화

영화 프렌차이즈 시리즈 역대 최초로 지금까지 25개의 10억달러 영화중 4개가 MCU 작품이다. 아래는 목록.

년도 이름 총 수익(월드와이드) 비고

2012 어벤져스 추가 바람 최초 돌파.

2013 아이언맨 3 추가바람

2015 어벤져스: 에이지 오브 울트론 추가바람 두번째 어벤져스 영화

2016 캡틴 아메리카: 시빌 워 추가바람 2016년 5월 20일 돌파.

2.2. 국내[편집]

※ 영화진흥위원회 영화관입장권통합전산망의 공식 통계 기준.

순위 제목 스크린 수 관객수 매출액 개봉년월일

1 어벤져스: 에이지 오브 울트론 1,843 1,049만 885억 2015년 4월 23일

2 아이언맨 3 1,381 900만 708억 2013년 4월 25일

3 어벤져스 967 707만 595억 2012년 4월 26일

4 아이언맨 2 921 449만 331억 2010년 4월 29일

5 아이언맨 592 431만 278억 2008년 4월 30일

6 캡틴 아메리카: 윈터 솔져 1,106 396만 317억 2014년 3월 26일

7 토르: 다크 월드 733 303만 225억 2013년 10월 30일

8 앤트맨 949 284만 235억 2015년 9월 3일

9 토르: 천둥의 신 496 169만 159억 2011년 4월 28일

10 가디언즈 오브 갤럭시 539 131만 110억 2014년 7월 31일

11 인크레더블 헐크 417 99만 64억 2008년 6월 12일

12 캡틴 아메리카: 퍼스트 어벤져 362 51만 41억 2011년 7월 28일

2.3. 월드와이드

※ 박스 오피스 모조 기준 월드와이드 스코어. 단위는 백만 달러.

Rank Title Studio Budget Worldwide Domestic/% Overseas/% Year

1 Marvel's The Avengers BV $220 $1,519.6 $623.4 41.0% $896.2 59.0% 2012

2 Avengers: Age Of Ultron BV $250 $1,402.8 $459.0 32.7% $943.8 67.3% 2015

3 Iron Man 3 BV $200 $1,215.4 $409.0 33.7% $806.4 66.3% 2013

4 Guardians Of The Galaxy BV $170 $774.2 $333.2 43.0% $441.0 57.0% 2014

5 Captain America: The Winter Soldier BV $170 $714.8 $259.8 36.3% $455.0 63.7% 2014

6 Thor: The Dark World BV $170 $644.8 $206.4 32.0% $438.4 68.0% 2013

7 Iron Man 2 Par. $200 $623.9 $312.4 50.1% $311.5 49.9% 2010

8 Iron Man Par. $140 $585.2 $318.4 54.4% $266.8 45.6% 2008

9 Ant-Man BV $130 $519.3 $180.2 34.7% $339.0 65.3% 2015

10 Thor Par. $150 $449.3 $181.0 40.3% $268.3 59.7% 2011

11 Captain America: The First Avenger Par. $140 $370.6 $176.7 47.7% $193.9 52.3% 2011

12 The Incredible Hulk Uni. $150 $263.4 $134.8 51.2% $128.6 48.8% 2008

3. 특징

3.1. 시간대

작중 시간대는 대개 작품의 북미 개봉일, 방영일 기준. 예외적으로 《아이언맨 2》, 《인크레더블 헐크》, 《토르: 천둥의 신》은 모두 2011년에 일주일동안 일어난 일로 되어있다. 해당 영화들을 이어주는 코믹스도 있다. 그전까진 영화에서 시간대가 명확히 묘사되진 않았으나 시빌 워에서 토니 스타크가 8년 간 아이언맨으로 활동해왔고, 어벤져스가 4년 간 활동했으며, 제모가 소코비아 사건 이후 1년 간 캡틴 뒤를 조사했다는 언급을 통해 본편과 개봉년도가 일치하단 것을 보여주었다.[11][12]

그 외 넷플릭스 드라마는 어벤져스 에이지 오브 울트론과 함께 2015년의 시점이다. 제시카 존스에서 작년이 2014년이라 나왔으니 연도는 2015년이고, 위키에 따르면 데어데블 시즌1은 1월부터 2월, 제시카 존스는 3월에서 4월, 데어데블 시즌2는 12월이다.

3.2. 밝은 분위기

전체적으로 분위기가 밝고 코미디가 많은 편. 캡틴 아메리카 2편이나 어벤져스 2편처럼 어두운 분위기로 만든 작품에도 소소한 개그씬이 꽤 있다. 그래서 재미와 흥행은 보증하지만 유치하다고 비판받기도 한다. 이 점은 몇몇 어그로들이 마블을 깔 때 DC코믹스의 어둡고 진지한 분위기와 비교하면서 꼭 걸고 넘어진다(…).그래서 그렇게 진지하시다는 DC코믹스 영화화된 꼴이 그 모양인가? 그렇다고 마블이 진지하고 어두운 분위기의 슈퍼히어로물을 만들지 못 한다는 의미는 아니다. 히어로 영화들 중에서 명작으로 꼽히는 캡틴 아메리카: 윈터 솔져가 마블 영화 내에서 어둡고 진지한 편이란 것이 그 증거.

사실 MCU의 작품들은 일괄적으로 밝다기보단 히어로의 특성에 따라 다르다. 비교적 유머가 많은 편인 "아이언 맨 1"과 "어벤져스 1"이 토니 스타크의 비중이 높은 편이었으며, 캡틴 아메리카가 나오는 작품들은 상당히 진지하고 어두운 편이다. "마블이 밝다"는 선입견이 생긴 건 MCU가 정착하는데 결정적인 역할을 한 초기 작품들에서 아이언맨의 비중이 유독 높았기 때문. 물론 지금도 높지만, 아이언맨은 페이즈 1에서 이미 영화가 두 편이나 나온데다가 어벤져스 1도 "아이언맨 2.5" 얘기가 나올 정도로 거의 원톱 주인공 수준이었다. 이후 개봉한 시빌 워 역시 전체적으로 어둡고 진지한 분위기였지만 앤트맨이나 스파이더맨 같은 코믹한 캐릭터들이 나오는 씬들은 대부분 개그가 많았는데, 이 역시 히어로의 특성에 따라 영화 분위기를 다르게 만드는 전략이라고 볼 수 있다.

또한 마블 제작 드라마인 제시카 존스나 데어데블 역시 매우 어둡고 진지한 분위기의 작품이지만 퀄리티가 상당하다. 게다가 밝은 분위기 속에서도 의외로 현실풍자적 요소가 많은 느낌을 준다. 특히 《캡틴 아메리카: 윈터 솔져》가 대표적.

3.3. 무명 배우, 감독 위주의 캐스팅

상대적으로 인지도가 떨어지는 배우나 감독을 데려와서 영화를 만드는 것도 MCU의 독특한 특징이다. 여기에도 마블 나름의 전략이 있는데, 관객들이 배우가 아닌 캐릭터에 집중할 수 있도록 일부러 인지도가 낮은 배우를 데려온다고 한다. 게다가 흥행이 보장되는 MCU 영화에 출연, 혹은 제작에 참여했단 사실은 배우나 감독들의 경력에 큰 도움이 될테니 서로 윈윈인 셈. MCU의 주조연급 인물 중에 배우 커리어에 급성장을 가져오지 않은 배우는 이미 완성형인 사무엘 잭슨 정도. 연예인 2세 문제아였다가 헐리우드 최고 몸값 배우로 뛰어오른 로버트 다우니 주니어를 비롯해서, 쥬라기 월드로 흥행 대박을 친 크리스 프랫, 연기파 배우에다 감독으로서 자기 작품을 만든 크리스 에반스, 가장 왕성한 활동을 하고 있는 크리스 헴스워스 등등은 MCU의 캐스팅 능력을 보여주는 사례.

다만 마블 같은 오락 영화에서 관객들에게 너무 인상 깊은 캐릭터 연기를 심어줘서 한 동안 고정된 이미지에서 탈출하지 못할수도 있지만, 지금까지는 그런 부류의 문제는 일어나지는 않고 있다.애초에 마블 영화만으로 먹고살수 있다.

이런 과감한 캐스팅의 이면엔 필연적으로 영화의 무게감 부족이 따라올 수 있는데, 마블은 이를 조연에 베테랑 배우를 배치하는 것으로 해결하고 있다. 매 영화마다 보면 주인공은 생소해도 늘 측근이나 빌런엔 여느 할리우드 영화에 못지 않은 탑클래스 배우가 등장한다. MCU의 첫 작품인 아이언맨부터 봐도 제프 브리지스라는 원로 배우가 무게감을 주며, 후속작에도 미키 루크, 앤서니 홉킨스, 휴고 위빙, 토미 리 존스 등 국내 팬들에게도 익숙한 대배우들이 중심을 잡아주고 있다.

3.4. 개성

영화와 드라마 모두가 같은 세계관에 속하기에 다른 히어로가 주연으로 나오는 영화들도 모두 속편으로 볼 수 있지만, 각 히어로의 시리즈들은 모두 각자의 개성을 뚜렷하게 가지고 있다. 아이언맨은 히어로 생활을 즐기는 철없는 슈퍼히어로의 가벼우면서도 때로는 무거운 모습을 그리고, 토르는 신화적 모습을 보여주며, 앤트맨은 코미디 요소가 많이 결합됐고, 가디언즈 오브 갤럭시는 스페이스 오페라 성격을 보이며, 캡틴 아메리카는 체제에 대한 문제를 심도 있게 다룬다. 특히 캡틴 아메리카 2편은 '히어로 영화의 탈을 뒤집어쓴 정치 스릴러'라는 얘기도 있었다. 한편 인크레더블 헐크는 캐릭터가 보여주는 괴로움 때문인지 꽤 어둡고 진지한 모습을 보이며, 데어데블은 범죄 드라마와 누아르적 성격을 띠고, 제시카 존스와 캡틴 아메리카 시빌워는 심리 스릴러와 비슷하다.

3.5. 어느 정도 현실적인 연출

영화인 만큼 현실성을 따져 얼티밋 유니버스를 많이 따왔지만 메인 유니버스인 지구-616의 요소도 비중 높게 배합했다. 사실 디자인적 요소를 제외하면 점점 메인 유니버스를 따라가는 편.

아스가르드는 존재하지만 다른 차원이 아니라 외우주에 존재하는 장소이며,[13] 요툰헤임과 지구(미드가르드)를 포함해 9세계가 나무 형태, 즉, 세계수 위그드라실 모양 우주 영역(설정상 은하계의 일부 정도)에 속해있고 위그드라실 외부세계도 많이 존재하는 듯하다. 따라서 아스가르드인들은 일종의 외계인이고, 원작의 세계관처럼 인간보다야 강하지만 우주적 존재라고 볼 수는 없다.

각 인물간이나 아이템 힘의 균형도 만화 세계관보다는 다운되어 연출된다. 가장 단적으로 우주급의 현실 조작을 사실상 제한없이 하는 코스믹 큐브가 스페이스 스톤으로 바뀌면서 공간을 제어하는 힘 + 행성 하나를 날리는 힘 정도로 내려갔으며, 스칼렛 위치 역시 현실 조작에서 염력을 쓰는 정도로 하향되었다[14]. 현실적 슈퍼히어로라는 것이 중요 연출이어서 만화에서는 하려고 하면 행성 파괴도 거뜬하고 거의 슈퍼맨급으로 나오는 토르 역시 다른 어벤저스 멤버들과 엄청난 차이가 나진 않는다.[15] 전체적으로 서로 파워 차이가 큰 어벤저스를 서로 동등한 팀으로 보이게 하려는 의도도 있어보인다.

다만 다운되었다고는 해도 행성 하나를 멸망시킬 수 있는 비프로스트나 인피니티 스톤들이 나왔고, 헐크는 전차 장갑과 비행기, 외계 장갑을 종잇장처럼 찢어발기는 괴력을 지니고 있고, 로키는 라이플의 총탄을 없다는 듯이 무시하고 폭탄화살을 맞아도 상처 하나 없으며, 토르도 그 거대한 치타우리 괴수들 여럿을 단숨에 통구이로 만들어버릴 만한 전투력을 보유하고 있는 등, 어지간한 히어로 영화의 히어로들은 압도하는 전력을 지니고 있다. 정확히 말하자면 히어로들의 능력이 직접 줄었다기보다는 연출하기 힘든 초인적 능력 묘사를 줄이고 특정한 '집단'이 지닌 힘이 현실적 레벨로 낮추어 묘사되었다. 아무래도 대규모 집단의 초월적 힘을 묘사하는 건 현실적으로 어려움이 많으니까.[16]

슬슬 가디언즈 오브 갤럭시의 개봉 이후 세계관이 우주급으로 확정되고, 인피니티 스톤이나 타노스 역시 등장하며 스케일이 상당히 커질 것으로 보인다. 다크 월드 편에서 등장하는 말레키스는 인피니티 스톤 중 하나인 에테르(리얼리티 스톤)로 위그드라실의 9개 왕국을 전부 멸망시킬 뻔했고, 가디언즈 오브 갤럭시에선 행성 파괴급 스케일을 지닌 아이템인 오브(파워 스톤)가 등장했다.[17] 이러한 슈퍼 파워 묘사의 부실함은 초인들의 강함이 제대로 와닿지 않는다는 비판과 설정과 연출상의 괴리에 대한 비판으로 이어진다.

영화 시리즈라는 한계상 일반사회가 거의 나오지 못 했으나 이와 관련된 설정은 드라마에서 다뤄지게 됐으며 치타우리의 뉴욕 침공에서 남겨진 외계 바이러스로 인한 혼란스러운 사건이나 토르가 싸우고 떠난 뒤처리를 하는 요원들 등의 모습이 《에이전트 오브 쉴드》에서 그려지고, 《데어데블》에서는 어벤져스 1편의 치타우리 침공으로 인해 파괴된 뉴욕 헬스 키친의 재건을 둘러싼 범죄조직들간의 이권 싸움이 벌어지며, 데어데블은 이를 막고 시민들을 지키기 위해 싸운다는 스토리가 진행된다. 특히나 캡틴 아메리카: 시빌 워의 경우에는 멸망 직전의 위기를 겪은 인류 사회가 슈퍼 히어로들을 직접 통제하는 것을 시도함으로서 충분히 세상의 변화가 반영되었다고도 볼 수 있다.

원래 오버 테크놀로지와 대형 사건(영화들)이 있을 뿐 원작처럼 일상 자체가 그렇게 막장스러운 세계는 아니었다. 그러나 《어벤져스》, 《에이전트 오브 쉴드》를 거치며 설정이 늘어나 슬슬 그렇게 변할 기미가 보인다. 조스 위던의 버피 더 뱀파이어 슬레이어 재림 그래서 외계인이 뉴욕을 침략하고 외계에서 온 신이 깽판 부리는데 사회에 아무런 변화가 없는 게 말이 되냐고 비판받기도 한다. 이후 《어벤져스: 에이지 오브 울트론》에서 쉴드가 사라지고 사회가 혼란해진 모습이 조금이나마 묘사되면서 어느 정도 해소되기는 했지만 근본적 문제는 아직 해결되지 않았다. 사실 대중들을 위한 굵직한 서사 위주의 영화에서 이걸 다 다루는 것도 문제이고 히어로물을 전부 어두컴컴한 왓치맨으로 만들 수도 없고 혼란스러워지는 세상은 주로 드라마 시리즈들에서 다루어지고 있고 앞으로도 그럴 듯하다. '첩보'는 에이전트 오브 쉴드가, '뒷골목 암흑계'는 데어데블이, '민심'은 제시카 존스가 보여주고 있다. 그리고 이것을 시빌 워에서 '소코비아 합의문'으로 터졌고 그 피해자가 어벤져스에게 복수하는 과정에서 시빌 워가 일어나고 만다.

그 외 실은 페이즈1까지만 해도 현실성덕에 어벤져스에서 훌륭한 합동 전투를 보여준 것 외에는 액션이 힘으로 밀고 치거나 화력으로 때우는 등 약간 심심한 편이었지만[18] 캡틴 아메리카 : 윈터 솔져 기점으로 전투 분위기가 확달라져 오히려 현실성에 기반한 태크니컬한 전투씬을 장점으로 보여주게 됐다. 이후 비단 캡틴 아메리카 뿐 아니라 모든 히어로들의 능력 활용이 굉장히 다양해졌고 에오울에서 나온 연계전투는 어떤 영화에서도 볼 수 없이 뛰어난 편. 시빌 워까지 오면 설정 하나하나를 생각하며 머리 쓰며 액션씬을 짠 게 보인다. 맨 오브 스틸과 돈옵저에서 보여주는 재난 영화 보는듯한 신들의 싸움 수준의 전투와는 완전히 상반되는 위치에 있는 것.

3.6. 원작과의 공통점과 차별성

만화의 캐릭터와 설정을 기반으로 하지만 기본적 소재만 가져오고 시나리오와 전개 방식은 영화에 맞게 각색된다. 그렇기에 단순히 코믹스 원작의 영화가 아니라 독자적 스토리를 가진 마블의 유니버스가 되었다.

그런데 이건 대부분의 만화 원작 슈퍼히어로 영화에 해당되는 점이라서 MCU만의 특출한 점이라고 하긴 힘들다.

3.6.1. 공통점

영화라는 제한된 시간의 매체를 이용하다 보니 원작에서 오랫동안 끌어왔던 갈등구조는 비교적 짧은 시간내에 끝나는 편이다. 대표적 경우가 토니 스타크인데, 원작에서는 연애 문제, 회사의 도산, 건강 등의 이유로 알코올 중독에 시달리며 고생하는 이야기가 꽤 오래 지속되는 데 반해 영화판에서는 거의 똑같은 고생을 한 적 있는 배우가 연기해서인지 두세 편만에 해결되었고 정신적 성장도 원작보다 더 빠른 편이다. 또 원작에선 몇십 년만에 겨우 심장을 원상복구했지만 영화판에서는 3편만에 아크 리액터를 심장에서 떼어냈다. 때문에 《아이언맨 2》는 원작의 〈병 속의 악마〉(Demon in a Bottle), 《캡틴 아메리카: 윈터 솔저》는 〈시빌 워〉의 축약판이라는 평가를 하는 사람들도 있었다. 주인공들이 갈등하는 모습을 비교적 빨리 끝내서 좋다는 평가도 있지만 원작에서 주인공들을 오래 괴롭히던 악역들의 비중이 줄었다는 불만도 있다. 대표적 경우가 《아이언맨 2》의 저스틴 해머. 탈모인 악역들은 행복할 수 없는 공간이라고 한다.

이하 원작과의 공통점이나 오마주. 다른 공통점을 알고 있는 분들은 추가바람

어벤져스 - 원작(1963)의 어벤져스도 로키의 깽판으로 결성되며 여기서도 로키는 헐크를 이용한다. 여기에 평행세계 얼티밋 유니버스의 어벤져스인 얼티미츠(2002)에서 있었던 치타우리 족의 침공을 대전제로 사용하여 적절히 결합했다.

아이언맨3 - 영화의 트레버 슬래터리가 연기하는 가짜 만다린은 현재 코믹스의 만다린이 아닌 막 등장했을 당시 군복비슷한 차림의 다소 기괴한 만다린을 떠올리게 한다. 개봉 당시엔 불만이 있었지만 아마 진짜 만다린의 캐릭터와 분리한 듯.문제는 페이즈3에도 등장할만한 작품이 없다

캡틴 아메리카 : 윈터솔져 - 원작의 시크릿 엠파이어+시크릿 인베이전+윈터솔져. 캡틴 아메리카의 고뇌는 시크릿 엠파이어에서 가져왔으며 하이드라는 시크릿 엠파이어스러운 모습에 윈터솔져의 러시아 악역들과 시크릿 인베이전의 스크럴 역할을 흡수. 시크릿 인베이전 당시 스크럴의 위협[19]이 첩보물스럽게 하이드라로 대체되어 결과적으로 헬리케리어가 떨어지고[20]쉴드가 해체된다.[21] 영화에서 언급은 없지만 에오쉴에선 시크릿 워리어즈도 존재하다.[22] 더불어 캡틴과 바트록이 싸운 레무리아 스타는 원작에서 둘이 싸웠던 데비안츠의 도시 레무리아를 오마쥬한 것.

어벤져스 : 에이지 오브 울트론 - 하이드라가 막시모프 남매를 요원으로 쓰기 위해 받아들이는데 원작에서도 둘은 악역으로 시작했다. 다만 브라더후드를 가져올순 없고 더불어 설득력을 위해 하이드라가 된 것.하이드라가 윈터솔져에 한해 유능해 보이는 이유는 원작 악역집단을 몇개나 흡수했기 때문 또한 원작처럼 비전은 울트론의 시도로 만들어진 캐릭터이고 어벤져스에 들어오는 것도 같다. 또한 울트론이 막시모프 남매에게 유대를 느낀다던가 생명의 진화를 촉구하는 것에서 원작 울트론보다는 매그니토 역할을 하는 것 같다는 평도 많다.[23]

캡틴 아메리카 : 시빌 워 - 원작처럼 헐크,토르,닉 퓨리가 없다. 영화 시빌워에는 소코비아 협정의 대전제 외에 캡틴 아메리카의 죽음에서 닥터 파우스투스의 샤론 카터를 세뇌한 흉계에서 약간 모티브로 가져와 헬무트 제모가 윈터솔져를 조종해 시빌워가 일어난 것으로 변경된다.[24] 또한 헬무트 제모는 원작처럼 캡틴 아메리카와 어벤져스와 적대하게 된 계기가 가족의 죽음이다. 더불어 냉동되에 있던 슈퍼 솔져들은 원작의 소련관련 악당이라 할 수 있는 소비에트 슈퍼 솔져스 알파 젠을 떠올리게 한다.

3.6.2. 차별성[편집]

원작과 대놓고 다른 전개를 이용해 원작 팬들의 뒤통수를 치는 경우가 심심찮게 나온다. 토니 스타크는 아예 1편부터 정체 숨기는 것 없이 "제가 아이언맨입니다." 한 마디로 커밍아웃했으며[25] 코스믹 큐브의 선택을 받아 최종 보스급이 되었던 레드 스컬은 《캡틴 아메리카: 퍼스트 어벤져》에서는 오히려 그것에서 이미지를 따온 테서랙트 때문에 소멸, 심지어 코스믹 큐브로 추측되던 테서랙트는 인피니티 스톤이었다. 원작에서는 헐크 추방에 가장 목소리를 높였던 토니 스타크가 오히려 브루스 배너와 가장 친근한 모습을 보여주며 헬리캐리어에서 폭주한 사건이 있었는데도 오히려 그를 든든한 전력으로 여기며 가장 신뢰하는 모습을 보여줬다. 이러한 반전 중 가장 백미는 《아이언맨 3》의 익스트리미스와 만다린.[26] 빅토리아 핸드 역시 스파이더맨 시리즈에서 빌런으로서 노먼 오스본의 부하였고 성격도 고압적이어서 많은 사람이 그녀가 쉴드 내 배신자가 되지 않을까 싶었지만 진짜 배신자는…

이런 원작과 설정이나 전개가 다른 부분들을 설정붕괴라고 까는 팬들도 있는데, 웨던 감독이 어벤져스 2 개봉 전에 "이것은 마블 영화지 마블 만화가 아니므로 행크 핌 없이도 울트론이 탄생할 수 있다"고 말했듯이 MCU는 원작과 다른 세계관을 기초로 하고 있으며 원작의 설정을 반드시 따라가야 할 필요가 없다. 이러한 비판을 하는 이들은 MCU의 개념을 잘못 이해한 것이다.[27]

3.7. 쿠키 영상

여태까지 나온 영화 중 엔딩 크레딧 이후 쿠키 영상이 나오지 않은 작품이 없었다. 세계관 확장을 암시하거나 후속작 떡밥을 뿌리는 등 중요한 내용을 다루는 영상이 대부분. 그러니 마블 시네마틱 유니버스 작품들을 즐겨보는 관객이라면 웬만하면 극장을 일찍 나가지 말고 크레딧이 모두 올라갈 때까지 기다리자. 이젠 관객들도 적응이 되었는지 마블 관련 영화에선 관객들 상당수가 일어나지 않고 기다리는 광경을 볼 수 있다. 영상이 한 개만 나올 때도 있고 두 개 이상 나올 때도 있으니 시간낭비하며 스태프롤을 끝까지 보기 싫거나 크레딧 영상을 놓치기 싫다면 영화를 관람하러 가기 전에 미리 크레딧 영상이 몇 개 나오는지 확인하고 가는 걸 추천한다.

3.8. 드라마와의 연계[편집]

넷플릭스와 ABC 방송국을 통해 기존 세계관과 연계되는 드라마를 제공, 방송하고 있다. 주고객층인 영화 팬들이나 일반 관객들을 배려해서인지 드라마상의 내용이 영화에 반영되거나 드라마를 보지 않으면 영화가 이해하기 어렵게 만드는 일은 없다. 드라마 에이전트 오브 쉴드에서 많은 사건들이 일어나지만 그 사건들을 알지 않아도 영화를 이해하는 데는 무리가 없다. 오히려 반대로 드라마가 영화에 종속되어 자기만의 이야기를 하지 못 한다는 비판을 받는다. 이런 비판을 감안했는지 에이전트 카터와 데어데블, 제시카 존스는 영화와의 연계가 적은 대신 독자적 분위기와 완성도로 호평을 받고 있다.

주로 국가, 세계의 위기나 위기를 초래하는 상황에 맞서는 대형 히어로들은 영화로, 도시급 사건이나 일반 범죄(?)에 맞서는 히어로들은 드라마로 만들어지고 있다. 다 그렇다는 건 아니고 대체적인 경향이 그렇다는 것. 에이전트 오브 쉴드나 에이전트 카터처럼 세계적 문제를 해결하는 드라마들도 있다. 그런데 이 작품들은 주인공들이 초인이 아니라는 게 함정

최근에는 ABC 드라마 부서와 케빈 파이기 간의 불화설이 돌고 있다.

제작진과의 마찰 문단에서 후술되어있듯 디즈니 스튜디오 산하의 영화와 아이작 펄머터의 마블 엔터테인먼트 산하의 드라마 부서간의 소통이 원활하지 못하여 가뜩이나 적은 연계점이 줄어들고 컨셉 미스[28]가 나는 등 불화설이 불거지고 있다. 여기에 결정타로 데이지 존슨 역의 클로이 베넷이 한 인터뷰에서 MCU 영화에 불만을 표시하여[29] 화제가 되고있다.

4. 내용 전개

마블 시네마틱 유니버스 전개

이전 스토리 → 페이즈 1 → 페이즈 2 → 페이즈 3

마블 시네마틱 유니버스 정리

The Verge에서 제작한 동영상에 모 능력자가 한글 더빙을 입혔다. 2015년까지의 마블 시네마틱 유니버스의 스토리가 깔끔하게 정리되어있는 동영상.

마블 스튜디오 최고 책임자인 케빈 파이기의 말로는 적어도 2028년까지 기획이 잡혀있다고. 2015년 5월 케빈 파이기의 질의응답에 따르면 MCU는 3단계 이후로도 계속될 것이라고 한다. 그리고 2020년 5월 1일, 7월 10일, 11월 6일에 마블 영화 3편이 개봉할 예정이라고 한다. 이후 파이기는 2016년 4월 인터뷰에서 가디언즈 오브 갤럭시 vol.3가 계획되어 있다고 공개했다.

5. 비판[편집]

어벤져스 이후 엄청난 전성기를 누리는 마블이지만 그에 따른 비판도 당연히 있다.

5.1. 제작진과의 마찰[편집]

제작의 중심이 되는 마블 스튜디오는 감독이나 작가, 배우들과 분쟁이 가끔 일어나는 편이다. 예를 들어 이반 반코 역의 미키 루크가 심혈을 기울여 내면연기를 했더니 다 짤라버렸다든가[30] 에드거 라이트가 자신이 쓴 《앤트맨》의 각본 수정에 실망한 나머지 하차했다든가 하는 것들.[31]

아무래도 전례가 없는 큰 프로젝트다 보니 각 영화가 어긋나는 일 없이 박자를 맞추도록 스튜디오 측에서 강제하는 것이 좀 심한 듯. 근데 왠지 일하는 게 기존의 영화사보다는 만화 편집부 같은 느낌도 든다. 실제로 세계관 전체의 연계를 위해 원작인 코믹북의 제작방식을 이어받았다고도 볼 수 있지만이 게 과도한 간섭이냐, 폭주를 막기 위한 적절한 통제냐는 설왕설래가 좀 있다. 현재까진 내놓는 작품마다 호평을 받고 있어 필요한 간섭이라는 의견이 우세해보이지만 크리에이터들의 창의성을 짓누르는 게 아니냐는 걱정들도 많이 하고 있다.

2015년 9월부터는 마블 스튜디오가 디즈니 직속으로 보고체계가 바뀌었다. 더 정확히 말하자면 마블 본 회사인 '마블 엔터테인먼트'가 아닌 디즈니 영화부서인 '디즈니 스튜디오'에 직접 보고하게 된다고. 마블 크리에이티브 위원회도 해체된다고 한다.

그 동안 이 위원회의 보수적 의견 때문에 MCU 영화들이 연기되기도 했으며, Birth Death Movies에 따르면 이 위원회의 의견들이 <앤트맨>의 첫 감독 에드가 라이트가 떠나고 페이튼 리드가 <앤트맨>의 감독을 대신 맡게 된 원인을 제공했다고 한다. 위원회는 의견을 내는 것에 대해서 아주 늦거나 대본의 전체적 분위기는 무시하고 쓸데없는 과학적 디테일에만 집착하기도 했고, <어벤져스>, <어벤져스: 에이지 오브 울트론>의 감독 조스 웨던도 전에 '위원회가 아주 불쾌하다'고 표현했다. 왠지 <어벤져스>와 <캡틴 아메리카: 윈터 솔져>에 나왔던 세계안전보장이사회가 마블 크리에이티브 위원회의 오마주인 것 같다면 기분 탓이다.

다만 <에이전트 오브 쉴드>, <에이전트 카터> 등의 MCU TV 드라마의 경우 여전히 마블 엔터테이먼트 사의 CEO인 아이작 펄머터가 가지고 있기에, TV 드라마와 영화의 크로스오버를 제작비 상승 등을 이유로 펄머터가 반대할 수도 있으며, 펄머터의 짠돌이 근성[32] 탓에 TV 드라마의 제작비가 더 낮아져 <에이전트 오브 쉴드>나 <에이전트 카터> 등 MCU TV 드라마의 질이 낮아질 수도 있다.

5.2. 빌런들의 캐릭터성과 빌런 소모품 논란

내용상에서 가장 큰 비판은 대부분의 빌런들이 너무 찌질하고, 허망한 최후를 맞이한 탓에 포스가 바닥을 긴다는 것이다. 가장 비판을 받는 빌런들은 올드리치 킬리언과 말레키스. 둘 다 스케일도 크고, 강력한 빌런이었으나 전자는 결국 토니에게 열폭하는 찌질이일 뿐이었고, 후자는 그냥 매력 없이 지나가는 듣보잡 3류 악당이었다. 드라마에서 끈질기게 나오던 그랜트 워드도 그보다 못하진 않고, 그 외에도 아이언맨 2의 악역들, 로난, 대런 크로스 같은 빌런들도 딱히 큰 인상은 주지 못 했다. 그나마 유일하게 찌질하고 허망한 최후를 맞이하면서도 강한 존재감을 드러내고 호평을 받은 슈퍼빌런이 제버다이아 킬그레이브지만 약점은 명확해도 압도적 능력으로 인한 밸런스 문제나 일부 이유로 비판을 피해가긴 힘들다. 배우의 연기력으로 커버된 부분이 많지만.

허망한 퇴장 부분은 변명거리가 있는 것이, 애니메이션이나 그래픽 노블과는 달리 영화나 드라마는 아무리 픽션이라고 해도 어느 정도는 현실성을 가미해야 하는 법이다. 현실성을 따진다면 언제 제멋대로 튀어나가서 다시 세상을 개판으로 만들지 모를 슈퍼빌런들을 매번 살려서 가둔다는 것 자체가 비현실적이다. 영화와 드라마의 제작기간 문제도 있고 너무 많은 캐릭터들이 난무할 경우 매우 높은 확률로 망한다는 사실을 수많은 영화들이 증명하고 있는데 빌런들을 매번 살려둘 이유가 없다. 특히나 마블 코믹스의 세계관을 생각한다면 빌런의 숫자는 차고도 넘칠 정도이고 특정 이벤트에서는 히어로마저 빌런이 되는데 매번 빌런을 살려둬야 할 이유가 있는가? 차라리 그래픽 노블이나 애니메이션판을 보는 것이 낫다. 그리고 마블 코믹스와 다른 이런 시원시원함 자체가 마블 시네마틱 유니버스의 인기요인이라고 볼 여지도 있다.[33]분량이 없어서 욕먹는거라 생각하는건가.

MCU 영화들을 전부 봤으면 알겠지만 팬들에게 비판받는 허접한 빌런들은 대부분 초인적 힘을 지닌 빌런들이다. 오히려 알렉산더 피어스나 킹핀, 제모 같은 평범한 인간 빌런들이나 알그림 더 스트롱, 에릭 사빈 같이 중간 보스 격 빌런들이 더 포스 있다는 평이 대다수다. 그나마 잘 만들었다고 평가받는 슈퍼빌런은 로키와 윈터 솔저, 울트론 외엔 거의 없다. 게다가 윈터 솔저 쪽은 빌런으로 보기 무리기도 하고 말이다. 그리고 윈터 솔저는 결국 아군이 되었다

사실, 일부 평론가 및 팬층에서 가장 우려하는 부분이기도 하다.

MCU가 개시된지도 벌써 10년이 가까워 오는 와중에 여전히 기억에 남는 악역이 드물다는 것은 슈퍼히어로라는 장르물에서는 사실, 치명적인 약점에 속하기 때문. 영웅의 캐릭터를 살리기 위해서는 그만큼 거대한 악당이 필요하다. 매 번 악역이 바뀜에도 불구하고 나름대로 인상적인 연출과 카리스마를 보인 작품들은 결코 드물지 않다. "007: 제임스 본드" 시리즈 중 명작으로 꼽히는 편들에는 반드시 기억에 남는 악역이 있음을 상기해보라. 스타워즈 또한 40년 가까운 시리즈물로서 성공과 실패를 겪었을지언정 그 와중에도 다스 베이더와 황제 팰퍼틴의 인기는 식을 줄을 몰랐다. EU가 본격적으로 뜨기 이전에 클래식 트릴로지에서 매우 한정된 출연분량만 있었음에도 불구하고 이미 그 두 악당은 많은 사람들을 매료시키고 있었다. 게다가, 그 둘을 제외하고도 은하제국은 오늘날까지 수 많은 영화, 만화, 애니메이션에 영감을 주는 '악당 세력'의 원형으로 큰 족적을 남겼다.

반면, MCU 영화들은 아직도 히들스턴이 신들린 연기를 보여준 로키를 제외하고는 2008년 아이언맨 1편 이래 기억에 남는 악당이 없었다는 게 문제. 그나마 루소 감독 주도의 캡틴 아메리카 시리즈의 악당인 윈터 솔져의 알렉산더 피어스는 진중한 권력자 악당의 모습을 시빌워에서 제모는 지략과 씁슬함으로, 기억에 남는 역대급 빌런 중 하나가 되었으나 이 둘은 되려 인상적인 비쥬얼이 없다는 게 문제시 되고 있다.타노스를 기대해 보자

그나마 비주얼, 특이한 캐릭터성[34], 높은 능력치를 가졌으며, 어벤져스에서 메인 빌런으로 등장했다는 것과 MCU의 빌런 중 꽤 스크린에서 많은 모습을 보인 이점을 가진 울트론이 기억되기는 한다. 애초에 MCU의 빌런들이 부실할지언정 빌런들의 평가를 결정하는 건 특유의 포스가 아니라 그들만의 큰 어필 점인데, 피어스와 제모는 일반인이면서 진지했고, 윈터솔져는 거의 최약체빌런이지만 그 특유의 포스가 빛을 발했다. 이를 근거로 어째 히어로와 동일선상에서 평가되는 빌런이 저평가를 받는데, 이는 캐릭터를 못짠다기보단 히어로들이 비슷하게 은근 여유만만한 개그도 조금씩 치는 빌런들과 싸우는 걸 이해를 못하고, 울트론에서 언급되었듯이, 그러한 캐릭터들의 비중이 정작 화면 안에선 부족해서 캐릭터성을 끌어내지 못한거다. 즉, 히어로들의 개인사가 중심이고 정작 빌런들은 그런 정신적인 벽이 되지 못하고 그냥 장치나 겉저리가 되어버려서 문제가 된것.몇몇 DC팬들은 조커와조드를 예시로들며 DC와 비교하면서 까지만 사실 DC 확장 유니버스의 캐릭터성 문단을 보면 알겠지만 DC역시 빌런뿐만 아니라 히어로들의 캐릭터성까지 망쳐놓은적이 있기 때문에 비교하는것은 무리수에 가깝다.

5.3. 높은 진입장벽

코믹북처럼 모든 영화마다 스토리가 연계되어있는 MCU 영화 특성상 다른 영화들을 보지 않으면 후속작 스토리를 이해하기 힘든단 단점이 있다. 이 때문에 전작을 보지 않으면 영화 내용을 이해하기 힘들다며 비판하는 라이트 관객들도 많은 편. 사실 전작을 보지 않고도 이해하기 쉽게 구성되고 설명이 충분한 영화가 좋은 영화인 건 사실이다. 하지만 시리즈물 특성상 전작을 보지 않으면 스토리 전개를 100% 이해하는 건 무리인 건 당연한 터라 MCU 팬들은 이런 의견들을 좋게 보진 않은편.해리포터 1편부터 6편까지 안 보고 죽음의 성물 내용 이해 안 간다고 하는 거랑 뭐가 다르냐고 깐다.

이에 대해 마블 측에선 전작 내용을 일일히 설명하면서 신규 팬들을 위한 배려는 하지 않겠다고 못박았다.#

전편을 보지 않아도, 그때그때 가볍게 볼수 있는 옵니버스식 단막극을 좋아는가, 아니면 1편부터 차근차근 봐야 하는 스토리식 인가에 따른 취향차이일 뿐이다. 다만 기존의 영화들은 대부분이 옵니버스식이었을 뿐이고, 시리즈물 이라고 하더라도, 옵니버스식에서 1,2,3부 같은 느낌이지 에니메이션이나 만화, 소설, 드라마에서 보이는 스토리식은 아니었기 때문에, 익숙하지 않는 경우가 많다. 더불어 드라마는 주1~3회, 에니메이션은 주1회, 소설 같은 경우도 2~3개월에 한번씩 진행되는 반면 영화는 빨라야 1년에 2개 남짓이므로, 시리즈와 시리즈 사이의 간격이 길기는 하다.

그나마 시리즈 물 영화 치고는 전작을 안 본 관객이라도 캐릭터들이 상황 설명을 하거나 연출로 내용 이해가 쉽도록 배려를 해 주는 편이기는 하다. 그러나 캐릭터에 깊이 몰입해야 이해할 수 있는 장면이나 영화 내에서 설명 안하고 넘어가는 캐릭터의 성격이나 영화 속 설정 같은 건 역시 전작들을 보는 게 도움이 되기 때문에 진입장벽이 높아지고 있는 건 사실이다. 일일이 설명이나 간편하게 넣으면 3시간짜리 영화 나온다

게다가 마블 시네마틱 유니버스를 완전히 꽤뚫기 위해서는 영화는 물론, 단편 시리즈물인 WHIH 뉴스프런트도 지속해서 봐야 하며, 마블 원샷을 전부 시청하고, 한국에서는 에이전트 오브 쉴드를 제외하면 구경은 커녕 들어오지도 않은 드라마 에이전트 카터, 데어데블, 제시카 존스등도 시청할만한 여력이 되어야 한다. 게다가 이 영상물들은 대부분 한글 자막을 지원하지 않으므로[35] 영어 실력또한 뛰어나야 한다. (적어도 알아는 들어야 하니까) 문제는 이제 앞으로 대미지 컨트롤, 루크 케이지, 아이언 피스트, 퍼니셔, 디펜더스, 클록 앤 대거등 6개의 드라마가 더 나올 예정이며, 이들도 국내 수입이 불투명하므로 영어로 시청해야만 한다. 그리고 어디 드라마 3개~4개 동시에 보는게 그리 쉬운가(...) 1편당 30분은 할탠데? 그것도 영어로. 물론 넷플릭스 드라마는 업로드 방식이라지만 한 시즌 분량이 장난아니게 긴것은 사실이다. 마지막으로 따지자면 프리퀄 코믹스. 한국에 수입되지 않는다. 이 만화책을 어디서 구할건가? 미국에서 직구 하지 않는이상 얻는것이 불가능에 가깝다. 영화 단편 시리즈물로써는 찬찬히 볼만하지만, 전체 세계관을 꽤뚫고 싶다면 엄청난 양의 지식과 자본(...), 그리고 시간이 필요하다. 마블 시네마틱 유니버스를 한국에서 깊게깊게 파기 어려운 이유도 그것.

5.4. 인종별 캐스팅

분명 최근 마블의 인종별 캐스팅은 긍정적인 방향으로 진행되고 있으며, 심지어 블랙 팬서는 90%가 흑인 배우로 채워질 것이라는 루머까지 나오는 상황이다. 하지만 흑인을 제외한 소수 인종인 히스패닉, 동양인, 아랍인에 한해서는 전혀 그러한 인종적 배려가 이루어지지 않는 상황이라는 비판이 각국의 웹에서 심심치 않게 등장한다. 각 인종별 대표적인 캐릭터를 나열해보면 히스패닉은 앤트맨의 루이스, 동양인은 헬렌 조, 아랍계는 호 인센이 MCU 영화상 최고의 비중을 가지고 있다. 그런데 루이스는 정말 코미디 역할 담당이며, 흔한 주인공의 버디라고 밖에 표현할 수 없는 캐릭터, 헬렌 조는 비중과 플롯 상 의미가 어벤져스 1의 셀빅 박사 정도 밖에 되지 않으며 호 인센은 원래 동양인 캐릭터이며, 로케이션 상 아프간 계로 바꾸었는데, 그가 최고의 비중을 가지고 있다.

동양인에 한해서는 화이트워싱 논란이 최근에 불거지고 있으며, 이전의 만다린을 훼이크로 아이언맨 3에 등장시키면서 "인종차별적 캐릭터를 똑똑하게 비틀어서 등장시켰다"는 평가와 "동양인 배역을 인종차별적 캐릭터라며 백인에게"라는 비판을 받았다.

그리고 에인션트 원에 대해서는 매우 엄청난 논란을 불러일으켰는데, 에인션트 원은 본래 티베트인인데, 중국을 의식해서 캐스팅을 백인으로 했다는 증언이 닥터 스트레인지 영화 제작진에게서 나왔다. 중국의 눈치를 봤다는 것부터 미국 팬들에게 매우 신경쓰이는 요소였고, 켈트족으로 설정을 바꾼 것도 "미국인 스티븐 스트레인지가, 티벳은 아니더라도 네팔, 인도, 부탄도 아닌 켈트족 백인 여자 에인션트 원을 만나기 위해서 스코틀랜드도 아니고 히말라야 산맥을 올라간다(...)"는 비판을 받았다.

아이언 피스트 또한 흔한 백인 구세주 클리셰인데 왜 만다린처럼 동양인으로 비꼬지 않았냐는 볼멘소리도 4chan에서 나왔으며, 아이언 피스트를 결국 백인으로 캐스팅하자, 다시 논란이 불거졌다.

싱가포르에서는 동양인을 주역 히어로로 삼은 영화를 만들어보겠다고 했는데, 페이즈 4까지도 전혀 아무 소리도 안 나오는 것으로 보아서는, 과연 립서비스였다고 받아들여지고 있다. 만약 만든다면 페이즈 4 이후일텐데, 그렇다면 최소 2025년 이후까지 기다려야하는 상황이 나올 수도 있다.

6. 등장인물[편집]

개별 문서가 있는 인물은 마블 시네마틱 유니버스/등장인물로.

개별 문서가 없는 인물은 마블 시네마틱 유니버스/기타 등장인물로.

7. 등장 지역

위그드라실

미드가르드(지구)를 포함한 9개 왕국이 자리잡고 있는 천체. 원작에서는 거의 신화와 같지만 마블 시네마틱 유니버스에서는 우주의 일부 영역으로 표현됐다. 토르의 설명과 Fury's big week의 시뮬레이션 모양을 보면 아홉 왕국의 중심을 통과하는 소용돌이 구조로 된 거대한 웜홀 허브. 엔딩 크레딧을 보면 별과 성운들에 휩싸여있어 마치 나무처럼 묘사되어있다.

지구

스타크 타워 → 어벤저스 타워

토니 스타크가 소유한 뉴욕의 고층 빌딩. 그랜드 센트럴 터미널 뒤편 구 팬암 빌딩을 매입해서 마개조한 곳이다. 청정 에너지의 대표적 프로토타입을 목표로 설립된 곳으로, 아크 리액터가 설치되어있어 외부 배선망에 연결되지 않고 자체적으로 돌아가며 1년간 외부전력이 필요 없다고 한다. 아이러니하게도 아크 리액터는 테서랙트를 활성화하는 데 이용됐고,[36] 다시 아이러니하게도 포털 발생 장치가 있는 곳이어서 본격적으로 공격당하진 않았다.[37] 《캡틴 아메리카: 윈터 솔져》부터는 어벤저스 타워로 개조되었다. 스타크 타워 때는 헬리포트와 카 워시라는 별명을 가진 아머를 제거해주는 장치, 스타크 전용 엘리베이터가 있고 맨 상층에는 전용 연구실이 마련되어있었다. 어벤져스 1 때는 스타크 사의 건물이었지만 2편에 들어서 어벤저스의 헤드쿼터가 되면서 리모델링된다. 각 히어로들의 전용실이 마련되어있으며 퀸젯 한 기를 수용 가능한 격납고, 아이언맨 아미 격납고와 보수시설이 추가되었다.

뉴 어벤저스 퍼실리티

말 그대로 뉴 어벤저스의 본부. 소코비아 사태 종결 뒤 세워진 곳으로 토니가 자신의 회사 건물을 쾌척했다. 여기에서 어벤저들이 상주하는 것으로 추정되며 어벤저들뿐만 아니라 그들을 보조하는 병력들도 양성하는 것으로 보아 일종의 군사시설로 쓰이는 듯. 쉴드가 망한 시점이니 쉴드와는 별개인 어벤저스의 독자시설로 보인다. 앤트맨에 나온 바에 따르면 원래는 하워드 스타크가 생전에 지었던 곳으로 그의 개인창고였다고 한다. 그래서 창고의 물건은 현재도 여기에 보관되어있다.

어벤저스 맨션

원작의 어벤저스 맨션도 시빌 워에서 공개되었다. 내부만 나오고 외형은 어떻게 생겼는지 안나오지만 수영장에 극장까지 딸려있다고 한다. 첫등장한 영화에서 아이러니하게도 어벤저스가 바로 파탄을 맞아 시빌 워 종료시점에선 비전만 거주하고 있다.

스타크 엑스포

미래도시상으로 지어진 장소로 각종 군사무기나 최첨단 기술을 시연하는 곳이다. 1942년 《캡틴 아메리카: 퍼스트 어벤져》에서 살짝 나왔을 때에는 1대 휴먼 토치가 전시되어있었고 세계박람회에 셋방살이를 했다. 전후 1954년 스타크 사 독자적 스타크 엑스포를 개최하게 되었고 이후 1964년 한 번 더 개최된 이래 열리지 않았지만 2대 회장인 토니가 2010년대 들어 제3회 스타크 엑스포를 개최한다. 사실 박람회장의 설계도는 하워드 스타크가 만든 아크 리액터에 사용될 신물질 설계도면을 형상화한 것으로, 하워드 스타크가 이것을 처음 만들었을 당시에는 기술력이 부족해서 이것을 생성해내지 못 했다. 이후에 토니가 이 설계도면을 보고 신물질인 'Badassum'을 발명하게 된다.

말리부 저택

소코비아

와칸다

헬리캐리어

아스가르드

비프로스트

원작에서는 신화에서처럼 무지개 다리지만 마블 시네마틱 유니버스에선 워프 스트림 발생 장치로 등장한다. 기본적으로는 웜홀을 발생시키는 데에 쓰이는 물건이지만 잘못 쓰면 플래닛 킬러가 될 수 있는 엄연한 무기. 로키가 이것을 이용해 요툰헤임을 파괴하려고 했지만 토르에 의해 파괴됐다. 《토르: 다크 월드》의 서막 코믹스에서 《어벤져스》에서 토르가 회수한 테서랙트로 재건. 헤임달이 직장을 되찾았다!

요툰헤임

스바르트알파헤임

바나헤임

노바 제국

잔다르(수도성)

크리 제국

노웨어(Knowwhere)

셀레스티얼의 시체로 이뤄진 우주 광산. 티반 가문이 자리잡고 있다.

성역(Sanctuary)

타노스의 영역. 《토르: 천둥의 신》의 사건 이후로 로키가 이곳에 떨어졌고, 《어벤져스》에서도 치타우리 군대가 이곳에서 대기하고 있었다. 명칭의 유래는 원작 코믹스에서 등장한 타노스의 전함 생추어리 호.

마베스

8. 등장 단체

8.1. 단체

세계안전보장이사회

S.H.I.E.L.D.

하이드라

텐 링즈

컬버 대학교

브루스 배너, 에릭 셀빅, 베티 로스, 레너드 샘슨이 이 대학 교수 출신, 토르 실사영화 시리즈의 제인 포스터와 달시 루이스 이곳 학생 출신이다. 졸업생 면면이 매우 화려하다 넘사벽 천재가 몇 명이냐

8.2. 조직

어벤저스

하울링 코만도스

시크릿 워리어즈

워리어즈 쓰리

S.S.R.(Strategic Scientific Reserve; 전략적 과학보호기구)

캡틴 아메리카: 퍼스트 어벤저에 나온 미군 휘하 전략과학부로 S.H.I.E.L.D.의 전신이다. 창립자는 체스터 필립스 대령과 하워드 스타크.

가디언즈 오브 더 갤럭시

핸드

ATCU(Advanced Threat Containment Unit; 고위험 격리부대)

에이전트 오브 쉴드 시즌 3에서 등장. 미국에서 소코비아 사태와 인휴먼즈 증가 등 늘어나는 외계 위협에 대응하여 발족한 부대. 그리고 이런 류가 항상 그렇듯 예정된 삽질

8.3. 기업

스타크 인더스트리

해머 어드밴스드 웨폰스 시스템즈

A.I.M.(Advanced Idea Mechanics)

원작에선 아르님 졸라나 하이드라와 연관이 있는 과학계 악당 조직이었으나 MCU에선 올드리치 킬리언의 개인 싱크탱크로 묘사되고 있다.

핌 테크놀러지

WHIH

유니언 얼라이드 건설

록슨 에너지 회사

《아이언맨》에서 토니와 오베디아가 싸우던 고속도로에 있던 트럭, 《아이언맨 2》에서도 모나코 레이스에 참가한 차, 필 콜슨이 묠니르를 조사하러 가던 길에 발생한 해프닝을 다룬 《마블 원 샷: 토르의 망치를 가지러 가던 길의 기묘한 사건》에서 콜슨이 잠깐 들른 주유소에 이 회사 마크가 붙어있었다. 또 아이언맨 3에선 이 회사의 폐유조선이 최종 결전지로 사용되는데, 원유 유출 사고를 일으켰으나 대통령과의 연줄로 무마되었다고 킬리언에 의해 언급된다. 데어데블(드라마)에서 맷 머독이 시력을 잃게 된 것도 록슨 오일의 트럭이 일으킨 사고에서 행인을 구하려다 생긴 일이다. 그리고 결국 에이전트 오브 쉴드에서 일을 저지른다. 이 회사가 비중 있게 나온 적은 많지 않고 거의 배경에 가까운 일이 많다. 일단 현재까지의 정보로 보아 그리 깨끗한 회사는 아닐 듯하지만… 에이전트 카터에서도 악역으로 출연했는데, 시즌 1 1화 끝자락에서 록슨 정유회사가 하워드 스타크의 공식을 빼돌려 만든 폭탄으로 인해 폭발한다.

사이버텍

마이크 피터슨의 기계의족인 데스록을 준비한 곳. 거기다 의안을 심은 병사들을 실질적으로 조종하는 곳이 여기였다.

유진 제네틱스

대미지 컨트롤

9. 등장 종족

다크 엘프

스바르트알프헤임에 거주하는 종족.

바니르 족

바나헤임에 거주하는 종족. 워리어즈 쓰리의 호군이 이 종족의 일원이다.

니다벨니르 행성/드워프

바둔

가디언즈 오브 갤럭시에서 등장한 적 종족으로, 토르: 다크 월드의 서막 코믹스에서 존재가 확인되었다.

사카르인

서리거인

요툰헤임에 거주하는 종족

센타우리(Centaurians)

욘두 우돈타가 이 종족의 일원이다. 푸른 피부를 갖고 있는 것을 제외하면 인간과 유사한 생김새를 하고 있다. 지금까지의 마블 시네마틱 유니버스 관련 컨텐츠에서 등장한 센타우리족은 욘두가 유일하기 때문에 자세한 사항은 불명.

셀레스티얼

아스가르드인: 아스가르드에 거주하는 종족.

인간

인휴먼스

잔다르

노바 군단의 모행성 잔다르 출신 종족. 정확히는 다종족 사회인 잔다르에 거주하는 모든 종족을 칭한다.

치타우리

레비아탄

크리

우주적 존재[38]

10. 등장 용어/아이템

아크 리액터

리펄서 건

아이언맨 수트, 워 머신 수트

마법

차원

슈퍼파워

묠니르

궁니르

고대 겨울의 상자

인피니티 스톤

스페이스 스톤(테서랙트)

리얼리티 스톤(에테르)원작에서는 현실 조작능력을 지니고 있다 과학을 무시하는게 가능

파워 스톤(오브)[39]

마인드 스톤(치타우리 셉터)[40]

타임 스톤(불명)자신이 시간여행을 물론 남을 늙게하거나 젊개할수도 있고 자신도 그렇게 할수있다.

소울 스톤(불명)

인피니티 건틀릿

익스트리미스

커스

프로젝트 P.E.G.A.S.U.S.

소코비아 협정

프로젝트 미스터 블루

《인크레더블 헐크》 사건 중 새뮤얼 스턴스를 득템한 실드가 진행중인 프로젝트. 스턴스가 실험관에 보관(?) 중인 것 외엔 정확한 진상은 불명이다.

암흑 에너지

원작 코믹스의 코즈믹 파워 정도의 위치에 있어보이는 에너지. 현실에서는 가설로만 존재하는 에너지인데, 이게 꽤 그럴 듯해서 대체재로 차용한 것으로 보인다. 오딘 파워도 이 용어로 대체된 것으로 보인다.

프로젝트 인사이트(Project Insight)

《캡틴 아메리카: 윈터 솔져》에서 등장한 프로젝트. 고도 3천 미터에 헬리캐리어 3대를 띄워 위성을 통해 목표 = 장래 사회에 위협을 가할 수 있는 이들을 사전에 미리 제거한다는 계획이었다. 캡틴 아메리카는 이를 듣고는 자유를 억압하는 것이라며 반대했다. 이후에 이 프로젝트가 사실 실드 안에서 기생하면서 부활한 하이드라 세력이 획책한 것이라는 사실이 밝혀졌고 하이드라는 '프로젝트 인사이트'를 통해 단번에 2천만 명에 이르는 목표물을 제거하려 했으나 캡틴 아메리카와 팔콘의 활약으로 헬리캐리어들이 추락하게 되어 '프로젝트 인사이트'가 폐기되고 하이드라의 계획은 실패로 돌아간다.

비브라늄

비브라늄은 정확한 발음으론 바이브라늄이다.

진동(바이브레이션)을 뜻하는 vibra

금속을뜻하는 nium이 합쳐져

vibranium이라는 단어가 완성되었다.

《캡틴 아메리카: 퍼스트 어벤져》에서 등장했다. 캡틴 아메리카의 주무장인 방패가 바로 이 금속으로 만든 것이다. 강철보다 강도가 더 강하지만 무게는 훨씬 가볍다고. 캡틴 아메리카가 왜 보급품으로 쓰지 않느냐고 하자 하워드 스타크는 지구상에서 가장 희귀한 금속이라 미국 전역에서 긁어모은 모든 비브라늄으로 그 방패를 만들었다고 한다. 제2차 세계대전 시점이므로 지금은 더 많은 비브라늄이 있을지도 모르지만 구체적 언급은 없다. 《에이전트 오브 쉴드》에서 코팅된 비브라늄으로 구성된 방이 존재하는 것을 보아 현시점에서는 제법 상용화된 것으로 보인다. 《어벤져스: 에이지 오브 울트론》의 설정에 언급된 와칸다를 보면 이미 광맥을 확보했거나 수입하고 있는 것으로 추측된다. 그래도 여전히 매우 희귀한 금속이라는 사실은 변함 없다.캡틴의 방패에 쓰인 비브라늄은 남극에서 발견이 됐고 소리와 진동 파장등 만들수있다.이 비브라늄을 안티메탈이라고 한다.

그리고 어떠한 금속도 부술수있다.와칸다에서 발견된 비브라늄은 맞으면 맞을수록 단단해지며 소리와 진동파장을 흡수할수있다.이 비브라늄은 블랙팬써에 슈트의 주재료이며 왠만한 충격은 흡수하고 가볍기때문에 아이언맨 슈트에 비해 활동이 자유롭다.

비브라늄은 [어벤져스 에이지 오브 울트론]부터 본격적으로 다루었으며 아프리카의 가상국가 와칸다는 아이언맨 2에서 한번 나왔었다.(지도형태로)

참고로 윈터솔져(버키)의팔은 캡틴아메리카 시빌워

에서봤듯이 강철이다.

핌 입자

분자간 간격 조정으로 사물이나 생명체의 크기를 아주 작게 줄일 수 있는 입자. 행크 핌이 발견했다. 핌 박사는 이것으로 앤트맨 수트를 만들어 냉전기에 히어로 활동을 했다. 부작용으로 뇌에 악영향을 줄 수 있어 앤트맨 수트엔 예방조치가 되어있지만 독자적으로 연구한 대런 크로스는 이 사실을 몰라 핍 입자의 영향으로 성격이 변해간다. 행크 핌이 이것의 확산을 경계하지만 일단 대런 크로스가 만든 것 하나는 하이드라의 손에 넘어갔다. 생명체들이 따로 보호장비 없이 핌 입자에 노출되면 한 줌 살덩이로 변이해버리는 치명적 단점이 존재한다. 하지만 이 단점은 대런 크로스가 개발한 핌 입자에서만 발생했고 행크 핌이 개발한 극대화 원반을 맞은 개미는 멀쩡했던 것을 보면 행크가 문제점을 보완하는 데 성공했거나 대런이 개발한 핌 입자가 불완전했던 것으로 보인다.

블랙 스카이

데어데블에서 나온 떡밥. 겉보기엔 그냥 사슬에 묶여있는 동양인 아이로 보이는데, 병기로 취급받는다. 이걸 뉴욕에 들여온 야쿠자들은 실은 닌자 조직 핸드이며 킹핀에게 만들어내는 게 어렵다는 뉘앙스로 이야기한 심상치 않은 존재. 데어데블은 자신의 오감을 동원해 인간 아이로 인지해서 스틱이 아이가 사람이 아니라고 정정했으나 믿지 않았다. 결국 뉴욕에 들여온 블랙 스카이는 스틱이 처리했다. 작중 핸드가 뉴욕의 특정 구획을 꼬집어 집요하게 노리던 것도 있어 여러 모로 베일에 싸여있는 요소. 디펜더스 관련 떡밥일 가능성이 있다. 헬게이트 같은 걸 열려나?

*하트 오브더 유니버스

어벤져스인피니티워 타노스가 착용할예정

전지전능한 힘을 얻을수있음

11. 게임

1단계 영화들의 경우 세가에서 콘솔용 게임을 제작했으며, 대개 영화 기반 게임들이 그렇듯이 하나같이 졸작과 평작의 아슬아슬한 경계(…)에 놓여있다. 팬이 아니라면 비추. 반면 2단계 영화인 아이언맨 3부터는 게임로프트에서 모바일 게임으로 제작했는데 이쪽은 특유의 현질 유도만 견딘다면 꽤 준수한 게임성을 보여준다.

영화 시나리오를 기반으로 한 게임만의 독자적 스토리를 보여주며 영화에 나오지 않는 원작 캐릭터도 나오기는 한다. 마블 시네마틱 유니버스 위키아에서는 게임도 MCU 세계관으로 취급되는 듯하다. 영화에서 파생된 평행세계가 생긴 것이라 생각하면 된다.

영화 자체를 소재로 한 게임 외에 마블 세계관으로 만들어진 게임에서 MCU 캐릭터들이 대거 등장한다. 이쪽은 그냥 유니폼이나 스킨을 MCU 버전으로 교체하는 거지만… 마블 히어로즈, 마블 어벤져스 얼라이언스, 마블 퓨처파이트, 마블 올스타 배틀 등.

온라인 게임 마블 히어로즈에서는 어벤져스: 에이지 오브 울트론 개봉에 맞춰 영화에 등장하는 인물들의 코스튬을 판매하고 게임 내에 에이지 오브 울트론 모드를 만들어 영화에서처럼 울트론들을 때려잡을 수 있다.

아이언맨(2008): PC, PS2, PS3, XB360, Wii, PSP, NDS

인크레더블 헐크(2008): PS3, XB360, Wii, NDS

아이언맨 2(2010): PS3, XB360, Wii

캡틴 아메리카: 슈퍼 솔저(2011): PS3, Wii, XB360, NDS, N3DS

토르: 천둥의 신(2011): PS3, XB360, Wii, NDS, N3DS

아이언맨 3 - 영화 공식 게임(2013): Mobile, iOS, Andorid

토르: 다크 월드 - 영화 공식 게임(2013): Mobile, iOS, Andorid

캡틴 아메리카: 윈터 솔져 - 영화 공식 게임(2014): Mobile, iOS, Andorid

레고 마블 어벤져스(2015): PS3, PS4, XB360, XBO, Wii U, PSV, N3DS

12. MCU 이외의 실사영화 세계들

스파이더맨 판권 협약 이후 2015년에 새로 만들어진 표. http://www.thegeektwins.com/2014/02/visual-guide-to-marvel-character-movie.html

12.1. 타사에 영화화 판권이 귀속된 작품들

이들은 당연히 마블 시네마틱 유니버스와는 별개의 세계에서 진행되며 영화화에 따른 게임판 등도 해당 세계에 포함된다. 엑스맨, 판타스틱 포 등 일부 캐릭터들을 제외한 모든 작품은 마블 스튜디오가 판권을 모두 되찾았고, 몇몇 작품은 리부트가 진행되고 있다.

유니버설 픽처스: 네이머[41]

소니 픽처스 엔터테인먼트: 스파이더맨[42]

20세기 폭스: 울버린, 엑스맨, 판타스틱 포, 실버 서퍼, 데드풀, 케이블, 스칼렛 위치, 퀵실버[43]

12.2. 타사 제작 마블 코믹스 원작 영화들

고스트 라이더 실사영화 시리즈 - 소니 픽처스 엔터테인먼트

2013년 마블 스튜디오에서 판권을 되찾았다.

지구-121347: 《고스트 라이더》, 《고스트 라이더: 복수의 화신》

데어데블 실사영화 시리즈 - 레전시 엔터프라이즈 제작/20세기 폭스 배급

2013년 마블 스튜디오에서 판권을 되찾았다. 2015년에 MCU 기반 드라마가 방영.

지구-701306: 《데어데블》, 스핀오프 《엘렉트라》

블레이드 실사영화 시리즈 - 아멘 라 필름 제작/뉴 라인 시네마 배급

2010년 마블 스튜디오에서 판권을 되찾았다.

지구-26320: 블레이드 삼부작

스파이더맨 실사영화 시리즈 - 소니 픽처스 엔터테인먼트

2015년 마블과의 협약을 통해 MCU에서도 스파이더맨을 볼 수 있게 되었다.

지구-96283: 스파이더맨 트릴로지

지구-120703: 《어메이징 스파이더맨》, 《어메이징 스파이더맨 2》

엑스맨 실사영화 시리즈 - 20세기 폭스

지구-10005: 엑스맨, 엑스맨 2, 엑스맨: 최후의 전쟁, 엑스맨 탄생: 울버린, 엑스맨: 퍼스트 클래스, 더 울버린, 엑스맨: 데이즈 오브 퓨처 패스트, 데드풀, 엑스맨: 아포칼립스, 울버린 3

판타스틱 포 실사영화 시리즈 - 20세기 폭스

20세기 폭스 사측은 "마블이 그들만의 세계관을 합치는 과정에서 영감을 받았으며 엑스맨과 판타스틱 포 역시 그러한 방면에서 융합이 시도될지도 모른다"는 언급을 했다. 다만 그 시도가 이번 판타스틱 포 영화에서 이루어지지는 않을 것은 분명히 했다. 당연하지 영화를 그딴 식으로 만들어놓고는 해당 문서 참고.

지구-121698: 《판타스틱 4》, 《판타스틱 4: 실버 서퍼의 위협》

지구-TRN554: 《판타스틱 포》(2015)

퍼니셔 실사영화 시리즈 - 라이언스게이트

2010년 마블 스튜디오에서 판권을 되찾았다. 덕분에 퍼니셔는 데어데블 시즌 2에서 등장.

지구-58732: 《퍼니셔》(2004)

지구-TRN01: 《퍼니셔: 워존》(2008)

헐크 실사영화 시리즈 - 유니버설 픽처스

2006년 마블 스튜디오에서 판권을 되찾아서 인크레더블 헐크를 제작. 배급은 그대로 유니버설이 담당했다. 디즈니가 마블 코믹스를 인수하기 전 개봉한 MCU 영화 중 유일하게 파라마운트 픽처스 배급이 아닌 영화. 추가적 헐크 영화의 제작이 이루어지지 않는 것도 배급권이 아직 유니버설에 있어서란 추측이 있었고 마크 러팔로가 인터뷰를 통해 사실이라고 밝혔다.

지구-400005: 《두 얼굴의 사나이 헐크》

지구-400083: 《헐크》

13. 참고문서

마블 코믹스/실사영화 일람

마블 유니버스/평행세계

DC 확장 유니버스

슈퍼히어로 무비

아이언맨 실사영화 시리즈

토르 실사영화 시리즈

캡틴 아메리카 실사영화 시리즈

어벤저스 실사영화 시리즈

마블 원 샷

13.1. 관련틀

틀:마블 시네마틱 유니버스

틀:인피니티 스톤

틀:마블 시네마틱 유니버스 페이즈 1 메인 빌런

틀:마블 시네마틱 유니버스 페이즈 2 메인 빌런

틀:마블 시네마틱 유니버스 페이즈 3 메인 빌런

틀:캡틴 아메리카:시빌 워/진영

14. 판권 계약내용및 관련링크

영어 위키백과의 마블 시네마틱 유니버스 문서: #

마블 시네마틱 유니버스의 등장 인물에 대한 문서: #

마블 시네마틱 유니버스 위키아(다만 광고가 많으니 주의): #

==마블의 판권 관련 계약내용==

일정기간 내에 영화를 만들지 않으면 판권이 마블에게로 돌아온다.

라는 계약으로 아이언맨,블랙팬써,토르 등의 캐릭터 판권을 되찾았다.

하지만 핀타스틱4는 기간내에 영화를 못만들뻔했지만 급하게만들어 개봉도 안시키고 판권을 지킴

퀵실버는 마블이 판권을 준회사는 어벤져스 멤버로 못넣고 거기서는 어벤져스 멤버에 넣되 뮤턴트 메그니토 언급 금지로 나왔지만 사망.스칼렛위치는 아직 영화상으로 안나왔기에 마블이 되찾은듯

스파이더맨은 MCU로 온이유는 소니에서 제안을 했기때문이다.

영화를 만들게 해주지만 얻은 수익은 자신들이 다가져가겠다라는 제안을 마블은 받아들였고 마블은 자신의 캐릭터 영화를 망치는꼴을 더는 보지않아도되기에 받아들인듯 하다.

[1] 여담이지만 후에 덧붙여지는 경우는 좀 더 있다. 예를 들어 토니 스타크가 헐크가 탄생한 사고에 관련되어 있다든가, 하지만 이런 이야기들은 너무 나중에 튀어나오는 거라서.

[2] 역시 여담이나 얼티밋 유니버스의 영향일수도 있다.

[3] 이 로고는 엑스맨 실사영화 시리즈 같이 타 회사 판권이 있는 마블 영화에선 계속해서 쓰인다.

[4] 해당 드라마들은 마블 스튜디오의 영화들과 세계관은 공유하지만 마블 스튜디오가 제작하는 작품은 아니기 때문이다. 에오쉴과 카터는 ABC가 제작하며, 데어데블이나 제시카 존스 등은 넷플릭스가 제작한다.

[5] 2016년 기준 전세계 '단일' 박스오피스 1위는 아바타다.

[6] 여담으로, 마블 시네마틱 유니버스의 영화들에는 지속적으로 스타워즈의 오마주라 할 수 있는 팔 절단 장면이 등장한다. 에오쉴에서는 마베스를 보고 타투인 드립을 친다거나 3D 홀로그램 기술을 이용해 오비완 케노비에게 도움을 청하는(...) 패러디도 등장.

[7] 어벤져스 5위, 어벤져스: 에이지 오브 울트론 7위, 아이언맨 3 10위.

[8] 한국에서 천만 명이 관람한 영화는 어벤져스 2가 개봉하기 전까지 총 14편이었지만 속편이 천만 관객을 동원한 경우는 어벤져스 2가 최초다.

[9] DC 코믹스도 마블 시네마틱 유니버스 같은 세계관을 만드는 걸 실행하고 있지만 어벤져스의 엄청난 흥행을 보고 나서 시작한 일이다. 그 전에는 배트맨과 슈퍼맨 영화만 만들었고, 심지어 이 둘의 인기에 버금가는 원더우먼에게도 눈길도 안 줬다.

[10] 물론 여기에는 진짜배기 인기 히어로인 스파이더맨이나 엑스맨 같은 캐릭터의 판권이 다른 곳에 넘어가있기 때문이라는 사연이 있다. 또 캡틴 아메리카나 아이언맨이 2000년대 들어 영화를 개봉하기 전까지 인기만 보면 애매하긴 했지만 마블 코믹스의 역사에서 결코 빼놓을 수 없는 중요도 높은 캐릭터들이다.

[11] 시빌 워 개봉 년도는 2016년이고, 아이언맨 1편, 어벤져스 1, 2편의 개봉 년도는 각각 2008년, 2012년, 2015년이다. 즉 시빌 워 시점으로 각각 8년 전, 4년 전, 1년 전 이야기란 소리.

[12] 다만 아이언맨2, 토르 천둥의 신, 인크레더블 헐크가 2011년에 일어난 사건인데, 아이언맨 2에서 아이언맨 1마지막 장면에서부터 6개월이 흘렀다고 나오고 페퍼가 크리스틴 에버하트가 토니를 작년에 만났다고 했으니 아이언맨1의 배경은 2010년 후반이 되어야 한다. 즉 설정오류이다. 그나마 거하게 안나고 아이언맨2에서만 사소하게 보이는 오류들이라 사정은 나은편. 아마 엑스맨 트릴로지가 데오퓨 이전엔 가까운 미래라며 얼버무린 것 처럼 아이언맨1,2시절에는 정확한 설정이 없던듯 보인다.

[13] 행성 같이 생기진 않았고 우주 위에 평평하게 펼쳐진 하늘과 바다 한가운데 존재하는 부유도 같은 세계다.

[14] 그런데 원작의 스칼렛 위치도 처음에는 염력이나 마법 정도를 쓰던 급에서 하우스 오브 엠 이벤트를 겪으면서 현실 조작의 힘을 각성한것이다. 차후 전개를 두고봐야할것이다.

[15] 다만 만화에 비해 어느 정도 비슷하다는 거지, 실제 어벤저스 1기 멤버들의 파워를 보면 헐크와 토르가 멤버들 중에 명백히 가장 강하고 아이언맨은 이보단 약간 아래, 캡틴 아메리카는 그보다도 아래인 것으로 묘사된다. 그리고 블랙 위도우와 호크아이는 아예 초인적 능력이 없다.

[16] 토르 1편의 도입부에서 토르가 번개를 모아 내려찍은 공격의 위력이 전략 핵무기에 비견될 만한 위력으로 묘사되었으며, 그 작품에서 디스트로이어가 깽판 좀 친 게 어벤저스에서는 작은 동네 하나가 작살이 났다고 언급한다. 즉 현실적으로 터무니 없는 초자연적 묘사를 줄이려는 의도와 연출상 문제가 겹친 것.

[17] 그 이전에 어벤져스 엔딩 이후의 타노스가 등장하는 영상에서 파괴된 행성의 잔해 같은 것이 묘사되기는 했었다.

[18] 그 중에서도 예외라면 애초부터 스파이 컨셉의 캐릭터인 블랙 위도우정도 뿐이다.

[19] MCU로 따지면 치타우리겠지만 영화 치타우리는 변신능력이 없다.

[20] 아이러니하게도 원작에선 이걸 까던 마리아 힐이 영화에선 추락시키는 장본인이다.

[21] 정확히 말하면 원작에선 해머로 대체되지만 MCU엔 노먼 오스본도 없다보니(...) 반대로 원작에선 시빌 워와 캡틴 아메리카의 죽음 다음이라 캡틴이 없었다. 그야말로 평행세계스러운 요소를 보여준셈.

[22] 원작에선 스크럴에 대항해 모인거지만 여기선 주적이 하이드라고 스크럴 비슷한 짓을 하는 것도 하이드라이니 당연히 하이드라랑 싸운다.

[23] 덕분에 에오쉴에서 거의 동시기에 사건을 터트린 인휴먼 자이 잉과 매크니토의 성향을 양분한 것 같기도 하다.

[24] MCU에서 닥터 파우스투스 자체는 에이전트 카터 시즌1의 악역으로 나온다. 참고로 하이드라의 세뇌술이 그에게서 비롯된 걸 생각하면 꽤 절묘해진다.

[25] 심지어 이것이 세계를 뒤바꿨다. 마블 시네마틱 유니버스가 생긴 가장 핵심적 사건.

[26] 하지만 이쪽은 원작내 위치가 있는지라 오히려 팬들의 불만을 산 사례이기도 하다. 그 때문인지 이후 《토르: 다크 월드》 블루레이에 수록된 단편에서 트레버 슬래터리가 연기한 가짜가 아닌 진짜 텐 링즈와 만다린이 있다는 이야기가 나온다.

[27] 그래서 그런지 포털 사이트에 마블 영화와 관련된 기사나 글에는 "원작에선 어떠했다"고 주장하는 사람들과 "원작과 영화는 다르다"고 말하는 사람들이 댓글로 자주 싸우는 편이다. '원작충'이라는 단어까지 쓰며 적대할 정도. 그리고 자기가 좋아하는 캐릭터들이 최강이라고 우기는 관종 내지 좆문가들은 덤(…).

[28] 영화와는 다소 차이가 있는 소코비아 협정 등

[29] 대략 MCU영화 제작진은 TV시리즈에 관심이 없는 것 같다거나, 영화와 드라마 모두 연결되어있는 척 하다가도 에오쉴에서 진행중인 내용은 인정하지 않아 아쉽다는 등의 내용이다.

[30] 같은 이유인지는 모르지만 루크는 마블을 돈밖에 모르는 머저리들이라고 까기도 했다.

[31] 다만 라이트의 경우엔 다른 일 때문에 앤트맨 제작을 잠시 미뤘던 것을 파이기가 허락해주고 기다려줬으나 이후 마블에서 앤트맨의 각본을 MCU 스타일에 맞게 수정하려고 하자 새로운 각본이 마음에 들지않아 나갔다고 한다.# 즉, 라이트가 몇년간 기다려준 마블이 각본을 수정했으나 마음에 들지 않다고 나간것이다.

[32] 이 양반의 유명한 짠돌이 근성 일화로는 마블 스튜디오의 독립 전에 제작된 영화 기자회견에서 고작 서브웨이 샌드위치만 제공해왔던 것과 캡틴 아메리카: 시빌 워에 몸값 비싼 아이언맨 대신 헐크를 넣으려 했던 병크가 있다. MCU 최악의 빌런

[33] 그렇지만 코믹스의 세계관에도 또다른 장점이 있는게 세계관의 방대함에서는 MCU가 코믹스를 따라가지 못한다 예를 들어 MCU는 신기한 물건은 죄다 사실은 인피니티 스톤이다

[34] 그리드 컴퓨터식의 AI캐릭터들 특유의 육신은 여러개이지만 결국 단일개체라는 특징과 포스있는 모습과 개그있는 모습이 섞여들어가 특유의 캐릭터성을 어필했다.

[35] WHIH는 한국어 자막을 지원하지 않으며, 에오쉴을 제외한 모든 MCU 소속 드라마는 국내에 들어오지 않았기에 공식 한글자막이 존재하지 않는다.

[36] 보안이 허접하단 게 복선이었다.

[37] 아무리 장치에 테서랙트의 에너지 방어막이 설치되어있었다고 해도 이걸 확보하지 않은 건 치타우리군의 병크다.

[38] 가오갤 아트북으로 인해 우주 시간의 시작때부터 존재해온 네 우주적 존재 이터니티,인피니티,데스,엔트로피가 존재하는것이 밝혀졌다

[39] 정확히는 (태서렉트나 에테르와 달리) 가공되지 않은 인피니티 스톤을 봉인하고 있던 장치를 오브라고 부르고 있었다.

[40] 정확히 말하자면 치타우리 셉터 자체가 마인드 스톤인 것은 아니고 셉터의 앞부분에 있는 푸른 보석 안에 노란색 마인드 스톤이 들어있었던 것이다. 마인드 스톤을 감싸고 있는 푸른 보석은 컴퓨터 비슷한 것이다. 이건 다른 인피니티 스톤들도 마찬가지로 처음에 불리는 이름 자체는 스톤이 들어가서 그힘을 원천으로 하는 아이템들이다.

[41] 아직까지 이에 대한 논란이 많다.

[42] 마블과 협약을 맺어 마블 시네마틱 유니버스에서도 스파이더맨을 볼 수 있다.

[43] 스칼렛 위치와 퀵실버는 마블과의 협약으로 마블 시네마틱 유니버스에서 볼 수 있게 되었다. 출처

케빈 파이기 Kevin Feige, 마블 홍반장

로드365 — Sun, 22 May 2016 18:14:10 +0900

1. 개요

2. 영화 제작자가 되기까지

3. 마블 시네마틱 유니버스의 지휘자

4. 케빈 파이기의 공로와 과오

5. 마블의 수장을 넘어 디즈니의 핵심간부로

1. 개요[편집]

마블 시네마틱 유니버스 성공의 일등 공신

미국의 영화 제작자이자 마블 스튜디오 회장. 1973년 6월 2일생. 메사추세츠 주에서 태어나고 뉴저지 주에서 성장했다.

'페이지'라고 쓰기도 하는데 '파이기'가 맞다. 독일계 성씨라 ei는 '아이'로 읽고 g도 'ㄱ'로 발음한다.

2. 영화 제작자가 되기까지[편집]

흔히 마블 광팬으로 알려져 있지만 그 이전에 스타 트렉이나 인디아나 존스, 백 투 더 퓨쳐, 로보캅 등 스필버그와 SF영화의 팬이었다. 영화 학교로 유명한 서던캘리포니아 대학교에 입학한 것도 조지 루커스가 이 학교에서 공부했다는 걸 들었기 때문. 이 학교에 다니면서 로런 슐러 도너[1] 밑에서 일했고, 슐러의 도움으로 당시 마블 스튜디오 사장이었던 아비 아라드를 만나 엑스맨 실사영화 시리즈 제작에 참여했는데 이게 마블과의 인연의 시작. 이때 엑스맨을 더 잘 이해하기 위해 원작을 섭렵하며 마블 코믹스에 빠져들게 되었다.

엑스맨과 스파이더맨 영화가 대박을 치면서 마블의 주가도 올랐지만 모든 영화가 흥행한 것은 아니었고(대표적으로 엘렉트라), 그때마다 재정도 들쑥날쑥했다. 결국 파이기는 2005년 메릴린치에서 돈을 빌려 따로 마블만의 영화사를 차리기로 했다. 담보는 캡틴 아메리카와 닉 퓨리 등 캐릭터였다고 한다.

영화를 만들려면 외부에서 제작자를 데려오는 게 일반적이었지만, 파이기는 그것이 영화를 망치는 길이라 생각해 대신 원작 만화들의 작가와 편집자들[2]과 함께 제작위원회를 구성했다. 당시에는 많은 사람들이 우려했으나...

3. 마블 시네마틱 유니버스의 지휘자[편집]

사실상 마블 시네마틱 유니버스의 구상에는 이 사람의 힘이 지대했다고 보면 된다. 2005년부터 마블 시네마틱 유니버스의 밑그림을 그리기 시작했고, 2008년 아이언맨을 개봉하면서 본격적인 발동을 건다. 아이언맨이 흥행에 대성공하게 되면서 이후 본격적인 마블 시네마틱 유니버스의 작품들이 속속 등장하게 되었고, 이 과정에서 가장 성공한 팬보이 중 하나로 불리는 조스 웨던을 영입한 것은 신의 한수. 케빈 파이기와 조스 웨던은 여러 명의 히어로를 하나로 묶기 위한 복선과 연결고리를 곳곳에 배치하였고 이 노력 덕분에 페이즈 1의 마지막 작품인 어벤져스는 15억불이라는 슈퍼히어로물로서는 전무후무한 기록을 세우게 된다.

탄력을 받은 그들은 페이즈 2에서는 여러 작품들을 다른 메타 장르와 융합시켜[3] 작품성과 흥행성을 동시에 거머쥐며 승승장구. 어벤져스:에이지 오브 울트론을 기점으로 007 시리즈를 따돌리고 가장 성공한 영화 프렌차이즈로 기록되게 된다.[4] 비록 조스 웨던은 어벤져스:에이지 오브 울트론을 끝으로 마블 시네마틱 유니버스에서 하차할 뜻을 밝혔지만, 케빈 파이기와 위원회는 2019년 개봉예정인 마블 시네마틱 유니버스 페이즈 3의 마지막 작품인 인휴먼스까지 계획을 세워두고 차근차근 진행중이다. 페이즈 3 이후의 계획도 구상중인 것으로 밝혀졌고, 2020년 3편의 영화가 추가로 개봉되는 것이 확정되었다. 이제는 마블 CEO에게 보고하지 않고 직접 디즈니 스튜디오에 직속 보고하는 권한도 얻었다고 한다.

4. 케빈 파이기의 공로와 과오[편집]

영화사상 가장 거대하며 유래없는 대성공을 거둔 프로젝트를 책임지고 진행하는 핵심인물답게 그의 영화 제작 방식에는 많은 찬사와 비판이 공존하고 있다. 칭찬받을 점은 물론 거대한 세계관 속에서 살아가는 개성이 넘치는 슈퍼히어로들을 개연성 있게 서로의 작품에 녹여내는 탁월한 센스이다. 하지만 비판을 받은 부분도 많은데 가장 대표적인 것이 단독 히어로 영화의 제작에 너무 참견을 많이 한다는 것이었다.

아이언맨2의 경우 "어벤져스의 2시간짜리 예고편이냐?"는 이야기를 들을 정도로 상영시간 내내 다른 슈퍼히어로들의 떡밥이 나온다. 이는 감독이자 조연이던 존 패브로가 감독으로는 하차한 것에 영향을 줬다는 얘기가 나올 정도. 특히 앤트맨의 경우에는 에드가 라이트가 각본까지 써가며 다년간 제작에 대해 논의를 했음에도 불구하고 결국 마블 시네마틱 유니버스와 어울리지 않는다는 이유로 제작에서 빠지기도 했다. 물론 에드가 라이트 본인도 자신의 다른 작품 제작을 위해 마블 시네마틱 유니버스의 작품 스케줄을 깨뜨려버렸으니[5] 일정 부분 책임이 있다고 봐야 한다는 시선도 있다.

마블 시네마틱 유니버스가 제작되던 초기에는 이러한 단독 작품에 대한 참견이 많은 비판을 받았지만, 대성공을 거둔 지금은 각 슈퍼히어로들이 치밀하게 연결되어 있으며 관객 역시도 그 움직임을 파악하고 있는 상황에서 이 시리즈물의 개연성을 유지하기 위해서는 필수적인 절차로 인정받는 분위기이다.

특히 2015년 들어서는 아예 단독 작품을 맡을 감독들과 계약 단계에서 감독들에게 단독 영화가 시리즈물의 한 부분임을 이해시키고, 앞으로의 마블 시네마틱 유니버스의 세계관에서 일어날 일들을 영화 내부에서 진행시킬 것을 전제로 두기 때문에 잡음이 많이 사라진 상태이다. 때문에 마블 시네마틱 유니버스의 감독 심사는 길고 고통스럽기로 유명해졌다. 어지간한 감독은 몇 개월에 걸친 심사와 세계관 적용 작업에 질려 사퇴하기도 할 정도이다. 더욱이 배트맨 대 슈퍼맨: 저스티스의 시작이 개봉된 2016년도를 기점으로 DC/워너의 삽질이 드러나면서 케빈 파이기의 역할이 신의 한 수였던 걸로 평가받고 있다.

캡틴 아메리카: 시빌 워에서 캡틴 아메리카 팀 편을 들어서 중립을 지켜야지 뭐하냐며 까이고 있다.영원히 고통받는 루소 형제

5. 마블의 수장을 넘어 디즈니의 핵심간부로[편집]

에이지 오브 울트론의 대성공 이후로 마블 엔터테인먼트 산하의 영화 사업 부서였던 마블의 위치가 변경되었다. 마블 엔터테인먼트 산하가 아니라 디즈니가 거느린 여러 영화제작사와 마찬가지로 디즈니 스튜디오의 앨런 혼에게 직접 보고할 수 있는 위치를 차지하게 된 것. 이전까지는 케빈 파이기(마블 스튜디오) -> 아이작 펄머터(마블 엔터테인먼트) -> 앨런 혼(디즈니 스튜디오)의 보고 순서에서 알 수 있듯이 마블 드라마, 애니메이션 안에 마블 영화사가 위치하고 있었으나, 이제는 디즈니 스튜디오 직속으로 픽사, 루카스필름과 동급으로 자리잡은 것이다. 또한 기존의 마블 시네마틱 유니버스의 큰 밑그림을 그려오던 위원회를 해체[6]하고 루이스 데스포시토, 빅토리아 알론소와 함께 앞으로의 마블 시네마틱 유니버스의 작품들을 진행한다고 밝혔다. 보고 체계가 바뀐 이유는 마블 CEO인 펄머터의 꼰대+짠돌이 기질 때문이라고. 펄머터와의 캡틴 아메리카: 시빌 워 제작비 갈등으로 마블을 떠날 뻔했었던 적도 있었다고.

이는 파이기가 잇따른 성공으로 디즈니 내부에서의 핵심 간부로 자리잡았으며, 마블 시네마틱 유니버스의 향방을 결정하는 절대적인 권한을 쥐었다는 것을 뜻한다.

[1] 엑스맨 영화 시리즈의 제작자. 성에서 알 수 있듯 슈퍼맨 실사영화 시리즈를 만든 리처드 도너의 아내다.

[2] 현 부회장인 루이스 데스포지토, 마블 출판 부문 사장인 댄 버클리, CCO인 조 케사다, 마블 엔터테인먼트 회장 앨런 파인과 작가인 브라이언 마이클 벤디스 등등.

[3] 캡틴 아메리카 윈터 솔져는 냉전시대 첩보물 + 정치 스릴러, 가디언즈 오브 갤럭시는 스페이스 오페라 + B급 영화, 앤트맨은 가볍고 유쾌한 분위기의 가족 영화 등.

[4] 27편의 007 시리즈를 12작품만에 뛰어넘었다.

[5] 울트론을 만들어야 할 행크 핌이 에이지 오브 울트론까지 등장하지도 못했다.

[6] 앨런 파인, 브라이언 마이클 밴디스, 댄 버클리, 조 케사다는 마블 영화에서의 발언권을 상실함

출처

INTERVIEW

마블 대표 케빈 파이기, 종이에 생명을 불어넣다

영화 ‘엑스맨’, ‘헐크’, ‘엘렉트라’, ‘판타스틱 4’, ‘아이언맨’ 시리즈, ‘토르’ 시리즈의 공통점은 무엇일까. 바로 마블 스튜디오 대표 케빈 파이기의 손을 거쳤다는 것. 그는 이 외에도 수많은 마블 영화를 제작했다. 올해로 마블에 입사한지 13년을 맞는 그는 지난 2007년 대표로 취임했다. 그 후 마블은 자금을 스스로 확보하며 만화 캐릭터의 판권을 모두 가졌다.

케빈 파이기는 14일 서울 여의도 콘래드 호텔에서 열린 내한 기자회견에서 “미국을 넘어 한국에서도 마블 영화가 사랑받는 이유는 전 세계가 공감할 수 있는 이야기를 다루기 때문이다”라고 전했다. 수많은 마블 만화 작품 중 이야기와 캐릭터를 고른다는 건 어려운 작업이지만 마블 영화는 대부분 좋은 성적을 거뒀다. 특히 ‘아이언맨3’는 한국에서 역대 외화 흥행 2위를 기록할 정도였다. 케빈 파이기 역시 “5000만 명 중 700만 명이 ‘어벤져스’를 보러 올 만큼 한국에는 영화 애호가들이 많다. 그래서 한국은 우리에게 중요한 시장”이라고 언급하기도 했다. 마블 스튜디오가 어떤 과정을 통해 만화 작품을 스크린으로 옮길지 궁금했다.

Q. 영화 ‘토르: 다크월드’가 오는 30일 한국에서 처음 개봉하게 된 이유가 궁금하다.

케빈 파이기: 한국은 마블 영화가 사랑 받은 곳이기 때문에 중요한 시장이다. 내가 한국에 방문한 이유이기도 하다. 지금 미국을 제외한 세계 시장이 미국 시장보다 커지고 있고, 그중 한국 시장의 규모는 크다.

Q. 케빈 파이기 대표가 2007년 취임하고 마블 스튜디오가 변한 점이 있나.

케빈 파이기: 2006~2007년이 돼서야 자금을 스스로 확보했고 우리 영화를 제작할 수 있게 됐다. 그 전에는 다른 영화사에 캐릭터의 판권을 팔아서 제작했었다. ‘아이언맨1’ 이후로 창작물에 대한 모든 책임을 가지게 됐다.

Q. 마블 스튜디오 콘텐츠의 원천은 마블 만화책인데, 만화책에서 영화로 만들어지는 과정이 궁금하다.

케빈 파이기: 마블 만화는 50~60년 동안 수많은 캐릭터, 이야기를 생산해 왔다. 그중 가장 흥미로운 이야기, 가치 있는 캐릭터를 영화로 만드는 데 집중하고 있다. 이렇듯 마블 스튜디오는 계속해서 마블 만화와 긴밀하게 협력을 하고 있다. 마블 영화가 큰 인기를 끌면서 마블 만화도 영화에서 아이디어를 얻기도 한다. 이야기나 줄거리보다는 캐릭터가 말하는 방식을 얻어 온다. 예를 들면, 현재 만화 속의 토니 스타크는 로버트 다우니 주니어의 말투와 아주 비슷해졌다.

Q. ‘토르’ 만화를 영화로 만들 때 무엇에 초점을 뒀나.

케빈 파이기: ‘아이언맨’, ‘스파이더맨’은 지구로 배경이 설정됐던 반면 ‘토르:천둥의 신’은 다른 세상 이야기다. 그래서 사람들이 공감할 수 있도록 가족관계, 형제 관계에 초점을 뒀다. 그 다음에 볼거리, CG, 판타지, 액션 등을 더했다.

Q. 큰 인기를 끌었던 ‘어벤져스’의 흥행 요소가 뭐라고 생각하나.

케빈 파이기: ‘어벤져스’는 처음으로 개별적인 영화의 캐릭터가 한자리에 모였다는 게 매력이다. 또 ‘어벤져스’의 캐릭터들은 다른 세계, 사회에서 왔고 서로 좋아하진 않지만 하나로 뭉쳐서 세계를 구했다는 점도 흥미롭다.

Q. 마블에서 영화를 만들 때 가장 중요하게 생각하는 요소는 무엇인가.

케빈 파이기: 원작의 캐릭터와 이야기를 사람들이 좋아하도록 잘 정리해서 영화로 만드는 것이다. 또 톰 히들스턴처럼 좋은 배우를 캐스팅 하는 일이다. 종이에 그려져 있는 캐릭터에 생기를 불어 넣는 배우를 찾는 게 가장 중요하다. 영화를 제작하는 과정에서 잘못 되는 것도 많다. 그런 것들은 후반 작업에서 수정할 수 있지만 캐스팅을 잘못 하면 처음부터 망하는 것이다. ‘토르’ 촬영 첫날부터 배우들의 활약을 보면서 만족스러웠고 안심할 수 있었다. 글. 이은아 domino@tenasia.co.kr

[글로벌 리더-케빈 파이기] ①마블 제2전성기 이끈 ‘진정한 히어로’

기사입력 : 2015-06-11 10:45

어릴 적부터 남달랐던 영화 열정… 손대는 작품마다 초특급 흥행

올봄 전 세계 극장가는 액션·판타지 대작 ‘어벤져스2’ 열풍으로 뜨거웠다. 아이는 물론 나이를 잊은 어른들도 영화 속 영웅 캐릭터에 푹 빠졌고, 직장 내에서도 한동안 단골 주제는 ‘어벤져스2’였다. 아이언맨, 캡틴 아메리카, 토르, 헐크 등 만화 속 캐릭터를 세상 밖으로 나오게 한 인물, 바로 마블스튜디오의 최고경영자(CEO) 케빈 파이기다. 올해 42세의 파이기 CEO는 진취적인 사고방식과 대담함으로 마블 역사에 길이 남을 큰 획을 긋고 있다.

◇남달랐던 영화 열정…거장들이 거친 대학 택한 ‘괴짜’

1973년 미국 뉴저지에서 태어난 파이기는 어릴 때부터 마블의 만화를 보면서 자랐다. 파이기는 이미 10대에 세계 영화산업의 중심인 할리우드에서 일하고 싶다는 꿈을 가졌다. “영화는 나의 판타지이자 나의 탈출구”라고 말할 정도였다. 미래를 미리 경험한다는 소재로 세계적으로 히트를 친 ‘백 투더 퓨처’는 파이기가 가장 좋아하는 영화였다. 파이기는 영화뿐만 아니라 마블 코믹북 속 영웅과 함께 유년시절을 보냈다.

이 같은 관심은 영화 제작자였던 할아버지의 영향을 많이 받았다. 파이기의 할아버지는 미국 최장수 드라마 ‘가이딩 라이트’ ‘애즈 더 월드 턴즈’를 제작한 인물이다.

영화에 대한 남다른 열정이 파이기의 진로도 결정했다. 파이기는 미국 캘리포니아주에 위치한 서던캘리포니아대학교 영화학과를 다녔다. 파이기는 졸업 축사를 통해 자신이 이 학교를 선택한 이유에 대해 “(영화감독의 거장인) 조지 루카스, 조지 하워드, 로버트 저메키스가 모두 다녔던 곳이기 때문”이라고 말했다. 파이기는 다른 학과를 택하라는 가족과 친구들의 권유를 다섯 차례에 걸쳐 모두 거절했는데, 그 이유가 거장들이 다녔던 곳이었다는 것이었다.

이후 파이기는 재난 영화 ‘볼케이노(1997년)’ ‘유브 갓 메일(1998년)’ 제작에 참여하면서 마침내 영화판에 입문했다.

어린 나이에 현장에 뛰어든 파이기는 훗날 서던캘리포니아대학교 학생들에게 “‘거절’은 평범하게 발생하는 일”이라며 “이 같은 것을 일찍 배운다면 인내심과 저항력을 기르는 데 도움이 될 것”이라고 조언하기도 했다. (영화에 대한) 열정과 냉정 사이에서 파이기는 자신만의 색깔을 찾은 것이다.

◇만화 원작에 대한 애착·팬심을 아는 ‘쇼맨십’ 제작자

파이기가 본격적으로 영화판에 뛰어든 것은 지난 2000년. 울버린 신드롬으로 히어로 영화의 돌풍을 예고한 ‘엑스맨1’ ‘엑스맨2’를 제작했던 로렌 슐러 도너의 비서로 일을 시작하면서부터다. 엑스맨 캐릭터는 마블이 탄생시킨 캐릭터이지만 20세기폭스가 1994년 판권을 사들였다. 파이기는 이후 마블의 전성기를 열었던 아비 아라드 전 마블 회장 겸 CEO의 눈에 띄어 아라드와 일을 하게 된다. 마블과의 인연은 이때부터 시작된 셈이다. 그로부터 7년 후인 2007년, 미래가 촉망됐던 대학생 파이기는 마블 스튜디오의 CEO 자리에 앉았다.

파이기는 CEO가 된 후 영화 한 편을 준비하면서 과감한 캐스팅을 시도했다. 바로 2008년 개봉했던 ‘아이언맨1’에 로버트 다우니 주니어를 주인공으로 뽑은 것. 로버트 다우니 주니어는 그때까지만 해도 액션·판타지 장르보다 드라마나 로맨스로 필모그래피를 쌓았던 배우였다. 여기에 미국 드라마 ‘뱀파이어 해결사’ ‘엔젤’ 등 방송가에서 활약하고 있던 시나리오 작가 조스 웨던도 영입했다. 아이언맨은 전 세계 극장가를 휩쓸었고, 이 연장선으로 만든 영웅군단 영화 ‘어벤져스1’ 역시 전 세계적으로 16억 달러(약 1조8000억원)의 흥행 수익을 올렸다. 당시 어벤져스의 흥행 성적은 ‘아바타’ ‘타이타닉’에 이은 역대 박스오피스 3위에 해당하는 대기록이었다.

전문가들은 마블이 이 같은 결과를 얻을 수 있었던 성공 요인 중 하나로 파이기의 ‘쇼맨십’을 꼽았다. 파이기는 일찌감치 영화 팬들의 중요성을 인지하고 있었다. 어벤져스의 레드카펫 행사를 할리우드의 유서 깊은 극장인 엘카피탄으로 정한 것도 이 같은 철학이 반영된 것. 당시 경쟁사인 DC엔터테인먼트와 워너브라더스가 영화 팬보다 평론가들에게 영화를 먼저 공개한 것과는 전혀 상반된 마케팅 전략을 펼쳐 팬들의 관심을 끄는 데 성공했다.

그러나 정작 파이기는 화려한 스포트라이트 앞에는 서지 않는다. 그는 “내가 제작자여서 좋은 점은 내 시간의 99%를 무대 뒤에서 있을 수 있다는 것”이라고 말할 정도로 수줍움이 많은 성격이라고 고백했다.

뿐만 아니라 만화 원작을 충실히 영상 속에 담으려고 노력하는 파이기의 스타일도 마블의 전성기를 이끈 요인 중 하나로 꼽힌다. 과거 파이기는 한 언론사와의 인터뷰를 통해 “‘엑스맨’ 제작에 참여했을 당시 한 임원이 캐릭터와 장면을 더 발전시킬 수 없냐고 고함을 쳤던 기억이 난다”며 “나는 그 소리를 들으며 만화책을 읽고 있었고, 속으로 ‘만화책에 있는 장면 그대로만 만든다면 엄청날 것”이라고 되뇌곤 했다”고 회상했다. 원작에서 벗어나지 않으려는 원칙주의가 곧 기발한 아이디어로 이어진 것이다. 웨던은 2011년 뉴욕타임스(NYT)와의 인터뷰를 통해 “파이기는 나의 가능성을 더 크게 만들어 줬다”고 했다.

최근 파이기는 공개석상에서 “마블은 어두워지지 않을 것”이라고 천명했다. 영화와 마블을 아끼는 파이기의 열정에 마블의 앞날은 그 어느 때보다 밝아 보인다.

스카잔 Sukajan, '내부자들' 이병헌이 입은 점퍼

로드365 — Sun, 24 Apr 2016 02:27:10 +0900

영화 '내부자들' 보셨나요?

거기에서 이병헌이 숨어 지내면서

입고 지냈던 점퍼를 떠올리면 돼요.

바로 이 옷!

일본 영화 속에도 자주 등장해요.

야쿠자나 폭력 서클에 가입한

불량학생이 입은 점퍼

놀랍게도 하이엔드 브랜드들이

'스카잔'에 꽂혔습니다.

'내부자들'의 이병헌의 패션은

의도된 것이었을까요

*스카잔(Sukajan)

광택이 있는 새틴 원단에

호랑이, 용, 꽃 등의 도안을

일본 특유의 화려한 자수로

가슴 부분이나 등에 얹은

집업 스타일의 점퍼를 말해요.

실키한 원단을 사용해

모양은 비슷하지만

스타디움 재킷과는 다른 의상입니다.

일본의 요코스카라는 지역명에서 유래됐어요.

1940년대 후반 2차 세계대전 후 미군들이

요코스카시의 길거리에서 판매되던 점퍼에

일본 스타일의 자수를 넣어달라고 의뢰하면서

기념품형태로 탄생했습니다.

기존의 옷을 수정하거나

여분의 낙하산용 실크 소재의

심플한 웨스턴 실루엣에

동양 문화를 상징하는

호랑이, 용, 꽃과 나무 등의

화려한 자수를 입히거나,

독수리, 지도, 중대 이름, 기지명 등의

미국적인 요소로 수를 놓았어요.

이후 1960년대로 접어들면서 반항을 상징하는 청년 하위문화로 자리잡기도 했답니다.

루이 비통은 올봄 컬렉션을 통해

'스카잔 컬렉션'을 선보였는데요

두루미, 극락조, 매화 가지, 원숭이 등의

자수를 화려하게 놓은 스카잔이 등장했네요.

드리스 반 노튼과 돌체 앤 가바나는

스카잔의 실키한 소재를

벨벳이나 레이스 등으로 재해석했어요.

소재가 변형된 의상에는

더욱 강조된 자수를 사용했습니다.

또한 금장이나 새로운 버전의 자수를 활용해

색다른 분위기를 자아내기도 했어요*0*

스카잔은 클래식한 슬랙스부터

히피 풍의 데님까지

두루 잘 어울려요.

특히 스카잔의 바탕 색과

하의의 색상을 부드럽게 맞추면

더욱 멋스럽게 스타일링 할 수 있어요.

단색 슬랙스와 화려한 패턴 스니커즈,

도트 또는 스트라이프 팬츠,

디스트로이드 데님과 스니커즈,

같은 소재의 점퍼 레이어링 매치는

스카잔의 매력을 더욱 극대화하는

스타일링 법이랍니다~*

여성들 역시 스카잔의 매력에 빠져봅시다!

남성들의 스카잔에 비해

더욱 화려하고 우아한 분위기를

연출할 수 있습니다.

니트나 스웨트셔츠와 매치하면 스포티룩을,

슬릿 스커트나 시스루 아이템과 매치하면

섹시한 페미닌룩이 완성돼요.

화이트나 블랙 보다는

화사한 파스텔 컬러나

점퍼와 같은 계열의 색상을 매치하는 것이

스카잔의 고급스러운 매력을 배가하는

방법이랍니다 출처

커트 보네거트의 글쓰기 조언

로드365 — Sat, 23 Apr 2016 23:27:55 +0900

Kurt Vonnegut’s stories and prose are so memorably witty. If you haven’t read such classics as Cat’s Cradle, Breakfast Of Champions, and Slaughterhouse Five, you have pleasant surprises awaiting you! And his advice on writing is just as memorable as his stories. Here are Vonnegut’s 8 basics of “Creative Writing 101:”

Use the time of a total stranger in such a way that he or she will not feel the time was wasted.
Give the reader at least one character he or she can root for.
Every character should want something, even if it is only a glass of water.
Every sentence must do one of two things—reveal character or advance the action.
Start as close to the end as possible.
Be a sadist. No matter how sweet and innocent your leading characters, make awful things happen to them—in order that the reader may see what they are made of.
Write to please just one person. If you open a window and make love to the world, so to speak, your story will get pneumonia.
Give your readers as much information as possible as soon as possible. To heck with suspense. Readers should have such complete understanding of what is going on, where and why, that they could finish the story themselves, should cockroaches eat the last few pages.

Vonnegut goes on to praise Flannery O’Connor as the greatest writer of his generation, saying, “She broke practically every one of my rules but the first. Great writers tend to do that.”

What’s your favorite bit of writing or screenwriting advice? Who’s your favorite writer? Let us know in the comments below or on Twitter.

세상에서 가장 웃기면서 동시에 가장 시니컬한 작가인 커트 보네거트는 무라카미 하루키, 더글러스 애덤스 등 작가들이 좋아한 작가이기도 합니다.

미국에서 태어나 공학과 문학의 길 사이에서 고민하던 그는 1943년 2차대전 막바지에 징집돼 드레스덴 포로수용소에 갇히는 경험을 했는데요. 연합군의 공습으로 13만명이 몰살당한 이 지옥에서 살아남은 뒤 결국 반전작가로 거듭납니다. 그는 미국으로 돌아와 소방수, 영어교사, 자동차 외판원 등으로 생계를 유지하며 글쓰기를 계속해 [자동 피아노], [고양이 요람], [제5도살장], [타이탄의 미녀], [챔피언들의 아침식사] 등의 소설과 [신의 축복이 있기를, 닥터 키보키언] 등 풍자적 에세이집을 써냅니다.

커트 보네거트의 자화상. 그는 삽화도 직접 그렸다.

드레스덴 공습의 끔찍한 현실을 목도했으면서도 그는 평생 유머러스함과 휴머니즘을 잃지 않았습니다. 웃음은 “안도를 갈구하는 영혼의 산물”이며 “두려움에 대한 생리적 반응”이라고 말하는 그는 어떤 주제라도, 심지어 아우슈비츠 희생자들 사이에도 아주 소름끼치는 웃음이 있었으리라고 말하는 천상 휴머니스트입니다.

2007년 작고 전 그가 마지막으로 남긴 에세이집 [나라 없는 사람]에는 ‘문예창작을 위한 충고’라는 챕터로 창작론이 실려 있습니다. 여기 실린, 보네거트가 말하는 문예창작의 다섯 가지 유형을 살펴보겠습니다.

1. 구덩이에 빠진 남자

2. 소년, 소녀를 만나다

평범한 누군가가 아주 평범한 날 우연히 기막힐 정도로 아름다운 무언가와 마주친다. “이런 세상에, 억세게 운 좋은 날이군!” 그러다가 “염병할!” 곤두박질치고 그러다가 다시 일상으로 돌아온다. 초반부의 일상성에서 독자의 공감을 얻는 것이 중요하다.

3. 신데렐라

이 이야기를 모르는 사람도 있을까? 우리의 주인공은 파티에 참석하려는 두 언니와 계모를 돕는데 정작 그녀 자신은 집을 지켜야 한다. 그녀는 더 슬퍼졌을까? 그렇지 않다. 그녀는 이미 상심할 대로 상심한 가엾은 소녀다. 이때 선녀가 나타나 그녀에게 스타킹과 마스카라, 그리고 파티에 타고 갈 교통수단을 선사한다. 파티에서 시계가 열두 번 울리면 우리의 주인공은 날개 없이 추락한다. 이때 그녀는 예전과 똑같은 수준으로 떨어질까? 절대 그렇지 않다. 이미 날개를 달아본 그녀는 다시 무한한 하늘을 향해 날아오를 것이다.

4. 카프카

매력도 없고 잘 생기지도 않은 젊은 남자에게 쌀쌀맞은 가족과 승진 가능성이 없는 고된 직업이 있다. 이보다 더 최악일 수 없는데 이야기는 더 지하로 내려간다. 어느 날 아침 출근하기 위해 잠에서 깨어나보니 그의 몸이 바퀴벌레로 변해 있다. 무한하게 슬픔을 강조하는 이야기다.

5. 햄릿

햄릿의 구성은 신데렐라와 똑같다. 그러나 근본적인 차이점이 있다. 진실을 말하느냐 아니냐다. 유령으로 나타난 부왕은 햄릿에게 “나는 네 아비로다. 복수를 해다오. 나를 죽인 원수는 바로 네 삼촌이다.”라고 말한다. 이것은 좋은 소식일까, 나쁜 소식일까? 셰익스피어 사후 몇백 년이 흐른 지금도 우리는 그 유령이 정말로 햄릿의 아버지인지 아닌지 모른다.

그건 햄릿도 모른다. 햄릿은 어머니를 찾아가 이야기를 나누던 중 휘장 뒤에 숨은 사람이 삼촌인 줄 알고 찌른다. 그런데 쓰러지는 사람은 수다쟁이 폴로니우스다. 그리고 이후 진행에서 더이상 좋은 소식도 나쁜 소식도 없다. 햄릿은 자유롭게 돌아다니다 마침내 결투를 벌이고 죽음을 맞이한다. 우리는 그가 천국으로 갔는지 지옥으로 갔는지 모른다. 그래서 그래프를 위로도 아래로도 그릴 수 없다.

그런데 이 이야기는 진실을 말하고 있다. 사람들은 좀처럼 진실을 쓰지 못한다. 사실 우리는 인생이 무엇인지 잘 알지 못한다. 무엇이 좋은 소식이고 나쁜 소식인지 알지 못한다. 그래서 햄릿에는 진실이 있다. 진실이 담긴 이야기는 수백 년을 간다.

만일 부모에게 치명적인 상처를 주고 싶은데 게이가 될 배짱이 없다면 예술을 하라. 예술은 생계수단이 아니다. 예술은 삶을 보다 견딜 만하게 만드는 아주 인간적인 방법이다. 잘하건 못하건 예술을 한다는 것은 진짜 영혼을 성장하게 만드는 길이다. 샤워하면서 노래를 하라. 라디오에 맞춰 춤을 추라. 이야기를 들려주라. 친구에게 시를 써보내라. 아주 한심한 시라도 괜찮다. 예술을 할 땐 최선을 다하라. 엄청난 보상이 돌아올 것이다. 존재하지 않았던 새로운 것을 창조하지 않았는가! (참고: 커트 보네거트, [나라 없는 사람], 김한영 옮김, 문학동네, 31~44쪽)

커트 보네거트의 창의적 글쓰기 8가지 비법

1. 시간을 낭비했다는 느낌이 들지 않도록 완전한 이방인의 시간을 사용하라.

2. 독자가 의지할 수 있는 인물을 적어도 하나는 만들라.

3. 모든 인물은 무언가를 원해야 한다. 그게 물 한 잔일지언정.

4. 모든 문장은 둘 중 하나를 해야 한다. 캐릭터를 드러내거나 혹은 행동을 진행시키거나.

5. 가능한 한 엔딩과 가까운 곳에서 시작하라.

6. 새디스트가 돼라. 주인공들이 얼마나 달콤하거나 순수한지에 관계없이 그들에게 끔찍한 사건이 발생하게 하라.

7. 단 한 사람만 만족시키면 된다. 창문을 열고 세상을 향해 사랑을 나누려 한다면, 당신의 이야기는 폐렴에 걸릴 것이다.

8. 독자들에게 가능한 한 빨리 최대의 정보를 던져라. 독자들은 무슨 일이 일어나고 있는지 이해해야 한다. 그래서 그들이 자신만의 방식으로 이야기를 끝낼 수 있어야 한다. 마지막 몇 페이지를 벌레가 갉아먹더라도 아쉬워하지 않도록 말이다.

(참고: 8 Creative Writing Tips from Kurt Vonnegut, Screencraft)

사쿠야 유아咲夜由愛, 짧고 굵게. 전설의 품번 EDD-202

로드365 — Fri, 12 Feb 2016 02:09:01 +0900

사쿠야 유아 / Yua Sakuya / 咲夜由愛

생년월일 1988년 10월 28일

출생지 일본

키 159 (cm)

혈액형 B형

쓰리사이즈 B88-W60-H90 (cm)

트위터 ##

2012년에 혜성같이 등장해 흰 피부, 색기, 자막이라는 3중 버프로 인기를 누렸던 AV 배우다. 빨리 은퇴해서 거품이 꼈다거나 얼굴은 별로라는 평이 있다. 특이하게도 일본에서는 별로 인기를 얻지 못했으나[1] 한국에서는 이른바 전설의 품번이라고 불리는 EDD-202로 많은 인기를 얻었다. 6작품[2][3] 찍고 은퇴했는데 엄마한테 걸려서 귀싸대기 맞고 은퇴했다는 썰이 있으며, 풍속점에서 일한 과거가 들통나서 은퇴했다는 썰도 있다.

그럼에도 불구하고 한국에서 아직까지도 AV계의 상징적인 인물로 남아있는 이유는 데뷔작 하나 때문이다. 여배우 중심 1인칭 시점에 훌륭한 연기와 풍만한 몸매, 그리고 자막이 어우러져 많은 남성들의 마음을 사로잡았다.[4] 농밀물이자 순애물에 가까운 컨셉인데다가 연기까지 뛰어나 실제 여친이랑 하는 기분을 느낀다고 한다. 대한민국의 AV 마니아들 사이에서는 현재까지도 일반적으로 최고의 AV 작품으로 여겨지는 경우가 많으며, 이른바 레전드 품번이라고 불리는 EDD-202 등의 키워드로 검색하면 가장 먼저 나오는 일이 다반사다. 심지어, 위 작품의 촬영지로 성지순례를 하는 사람들도 생겼다! ## 딸루살렘

데뷔작 중 한 장면. 상대 AV 남배우는 그 유명한 일명 치훈이라고 불리는 스즈키 잇테츠가 출연했다.

은퇴 후 '츠나마요'라는 이름으로 코스플레이어로서 활동중이다. 술집을 열었다는 소리도 있었지만 일일주점 형식이었다고 한다. 이 처자가 한국에서 인기가 장난이 아니었던지라, 은퇴한지 꽤 오래됐는데 "지금껏 복귀한 배우들의 사례가 있었으니 언젠가 컴백하지 않을까?" 라는 식의 설레발을 치는 사람들이 정말 무수히 많다. 실제로 우츠노미야 시온이 은퇴 1년 2개월만에 컴백한다는 소식 이후 더 폭발했다.

확실히 av배우는 그만둔 후에 오랜 시간이 지나서 컴백한 케이스가 많긴 하지만, 이쪽은 오히려 다른 분야를 개척해서 잘 나가고 있기 때문에 애써 잘 되는 일을 그만두고 다시 av로 돌아갈 공산은 전혀 없는 것으로 봐도 된다. 실제로 주갤의 모 유저가 트위터로 av 컴백을 요청했다가 차단을 먹은 사례가 있는데 이걸 보면 av 업계에 완전히 손을 뗀 것은 물론이고, 아예 돌아올 마음조차도 없어보인다. 조용히 은퇴했다는건 주변인들이 모른다는 뜻일텐데 그걸 타인의 의해 공적인 트위터에서 밝혀졌다는건 테러에 가까운 쓰레기같은 행위이다. 그러니까 절대 이러지말자.

그런데도 계속 돌아와주길 바라는 사쿠야 팬들의 징징글은 av배우들 얘기가 나올 때마다 웹상에서 거의 꾸준글 급의 위상을 자랑한다.[5] 다른 배우의 팬들은 이들의 의견을 대놓고 무시하거나 이미 손 뗀게 명백하고 주갤 차단 건으로만 봐도 절대로 돌아올 일 없으니까 아예 접어버리라고 태클을 걸지만 그래도 혹시나 돌아오지 않을까 식으로 악순환이 되기 십상.

어쨌든 av배우로서의 사쿠야 유아는 앞으로도 볼 일이 없을 것으로 보인다.

여담으로 가수 에일리를 닮았다는 얘기가 많이 나온다. 물론, 박수진은 두말 할 것도 없다.

[1] 그래도 어느 정도는 있었다. 거기다가 프레스티지가 당시에는 AV계에서 위상이 더 낮았고 사쿠야 유아는 잠시동안 찍고 은퇴했다는 것도 감안해야 한다.

[2] 은퇴 즈음에 나온 BEST 모음집에 기존 6작품의 커트 + 미공개씬이 수록되었는데 이 작품까지 합하여 공식적인 작품수는 총 7작품이다.

[3] 우연의 일치지만, 1998~99년에 일본에서 짧은 기간동안 엄청난 인기를 끌고 갑작스레 은퇴한 카와시마 아즈미도 6작품만을 남겼다.

[4] 옛날이나 지금이나 대한민국에서 AV의 자막을 실제로 만드는 사례는 흔한 일이 아니기 때문이다.

[5] 심한 경우에는 같이 사진찍은 남자가 재수없다, 죽여버리고 싶다 등의 폭언을 하는 팬들도 있는데 웹상에서 유명한 남친 썰이 널리 퍼졌을 당시에도 국내 팬들의 설레발이나 오지랖은 다른 배우 팬들이 대놓고 눈쌀을 찌푸릴 정도로 심각했다. 출처

아라가키 유이, 각키 입술에 노래를!

로드365 — Thu, 11 Feb 2016 19:22:41 +0900

일본의 여배우. 통칭 각키로 통하며 오키나와 나하시[1] 출신이다. 여담으로 아라가키는 오키나와에서 흔한 성중에 하나.[2]

초기 많은 작품에서 교복을 입거나,[3] 귀여움을 어필하는 배역이 많았기 때문에 결혼을 목전에 둔 나이인 20대 후반[4]으로 진입한 현재까지 교복의 상징으로 자리잡고 있다. 이는 교복을 입고 등장한 연공, 마이 보스 마이 히어로, 아빠와 딸의 7일간에 나온 각키의 모습이 워낙 예뻐 보이는데다 흥행성적이 좋거나 시청률이 잘 나왔기 때문이다. 현재 이런 이미지를 벗기 위해서 최근 영화에서는 애엄마, 교사 역할을 맡고 있지만 흥행이 신통치 않은 관계로 인해 아직까지 2ch에서는 '귀엽다' 라는 코멘트가 많은 편. 배우 본인도 이를 잘 알고 있어서 애엄마로 나온 영화 발표회에서 '자신이 대중들에게 교복을 입은 모습으로 기억되고 있어서 관객들이 잘 받아들일까' 하는 걱정을 한 바 있다.[5]

일본 여배우 중 드물게 장신의 소유자로, 일단 프로필상 키는 168cm이다. 그러나 이 키가 일본 여성의 평균 신장을 크게 웃돌고 있기도 하고, 실제로 방송에 등장할 때마다 다른 사람들과 상대적으로 훤칠해 보이기 때문에 키 논란이 있다. 여기에 대해서는 후술하도록 한다.

2. 연예계 데뷔[편집]

아라가키 유이가 초등학생 일무렵 같은 오키나와 출신인 SPEED가 데뷔하였고 당시 많은 소녀들이 스피드를 동경해 가수 오디션을 보았다고 한다. 아라가키 유이도 그 중 하나였다고 하며, 세 번의 오디션에서 모두 떨어져 낙담하고 있을 때, 언니의 추천으로 응모한 패션 잡지 '니콜라'에서 그랑프리. 그렇게 활동을 시작하게 되었다. 이 때가 2001년. 특유의 각키 스마일이 호응을 얻어 니콜라 전속 모델을 졸업하는 2005년 봄까지 15번이나 표지에 등장했다고 하는데, 이 횟수가 당시에는 최다 기록이었다고 한다.[6]

이후 청소년 잡지를 위주로 그라비아 아이돌 활동을 개시했으며, 2006년에는 첫 사진집 '츄라☆츄라'를 발매했다. 이 때 악수회를 같이 진행했는데 1,500명에 가까운 사람들이 방문했다고 한다. 사진집 제목인 '츄라'(ちゅら, 美ら)는 오키나와 방언으로 '아름답다'는 의미라고 한다.

이러한 인기에 힘입어 TV CF에 출연해 인지도를 높이게 된다. 2003년 다이오제지 '에리엘'로 CF에 데뷔했으며, 2004년에는 메이지 제과의 초콜릿 광고에 카호, 오사와 아카네와 함께 셋이 출연했다. 이때만 해도 아라가키 유이는 막 데뷔한 신인에 가까웠고, 카호는 나이는 어리긴 하지만 나름대로 리즈 시절이라 할 수 있는데, 아라가키 유이가 센터를 꿰찼다.

2006년에는 통신회사인 NTT 동일본 기업 광고에 출현했으며, 전환점이 된 광고라 불리는 에자키 글리코의 포키 광고는 그야말로 대박을 터뜨렸다. 포키 광고는 한국으로 비유하면 전지현의 테크노 댄스급(혹은 그 이상)의 파괴력이었으며 많은 사람들에게 화제가 되어 한 동안 포키 광고를 계속하게 되며 다른 광고 또한 끊임없이 몰려들게 된다.

3. 연기 활동[편집]

고등학교로 올라오면서 상경해 2005년 무렵부터 연기활동을 시작했고, 첫 출연작은 특촬물(...)인 Sh15uya이었다. 드래곤 사쿠라, 마이 보스 마이 히어로 등의 드라마에서 조연으로 커리어를 쌓다가 2007년 와루보로를 찍으며 영화로도 활동 영역을 넓혔다. 같은 해 사랑하는 마도리로 첫 주연을 맡았으며, 아빠와 딸의 7일간을 통해 드라마에서도 주연을 꿰차기 시작했다. 이 때부터 인기가 상승세를 타기 시작하는데, 탑으로 치고 올라간 결정적인 계기는 2007년 말 개봉된 '연공'이란 영화에서 여주인공을 맡으면서부터였다. 일본의 귀여니 소설류[7]인 '연공'을 영화화한 작품으로, 이 영화를 통해 남주인공 역을 맡았던 미우라 하루마와 함께 차세대 스타로서 주목을 받게 되었다.

사실, 2005년작인 드래곤 사쿠라때까지만 해도 까무잡잡한 갸루 화장으로 등장해 청순한 이미지를 전달할 기회가 없었는데 연공, 마이 보스 마이 히어로, 아빠와 딸의 7일간에서 나온 청순한 여고생 역할이 위 세 작품에 출연한 캐릭터가 본인과 잘 맞아서 엄청난 인기를 받게 된다. 특히 10~40대 남성들에게는 그야말로 절대적인 지지를 받는다. 이후 주연급으로 성장해 영화와 드라마 위주로 활동하며 현재는 일본 전체 여배우 중 다섯 손가락 안에 들어가는 배우가 되었다.[8]

2008년에는 후지TV의 메디컬 드라마 '코드 블루'에 출연했는데, 드라마 자체가 야마시타 토모히사, 토다 에리카 등 젊은 스타를 대거 캐스팅 해 주목을 받았던 화제작이었고 드라마가 나름대로 흥행 면에서 좋은 성적을 거둬 젊은 톱 배우로서의 위치를 다지는 계기가 되었다. 2009년에는 TBS 드라마 '스마일'에서 실어증에 걸린 젊은 소녀 역할을 맡았다. 말을 할 수 없는 역할이라 과장된 몸짓과 표정연기를 할 수밖에 없었는데, 이게 꽤나 귀여웠기 때문에 드라마가 별로 흥행하지 못했는데도 자주 회자되는 이유로 작용한다.

2010년에는 코드블루의 시즌2와 영화 '하나미즈키'를 촬영했는데, 두 작품의 촬영시기가 거의 겹쳐서 꽤나 고생을 했다고 한다. 2010년 당시 아라가키 유이의 연기 활동은 짤막한 TV 다큐 정열 대륙에 자세히 묘사되어 있다. [9] 아라가키 유이의 필모그래피를 보면 2007년부터 탑 배우로 치고 나가 이후 줄곧 안정적인 작품에 출연하는 양상을 띄는데, 이는 차근차근 커리어를 쌓아 나간 동년배 여배우인 토다 에리카와 비교되기도 한다.

아라가키 유이의 필모그래피에서 분기점이 되는 작품은 2011년 게츠쿠 드라마 '전개걸'이라 할 수 있다. 이 작품에서 아라가키 유이는 히로인 정도의 서브 주인공 포지션이 아닌 단독 주연을 꿰차며 주목을 받았다. 더군다나 후지TV에서 신경을 기울이는 게츠쿠라 기대감은 더욱 컸다. 그러나 '전개 걸'이 작품성에서도 진부한 플롯이란 평가를 받고 흥행 면에서도 실망스러운 결과를 내며 이전과 조금 다른 행보를 걷기 시작한다. 데뷔 초기 이후로 출연하지 않았던 스페셜 드라마에 출연하는 것이었는데, 2011년 10월에 란마 1/2 드라마판에 텐도 아카네역으로 출연하였으며, 2012년 초에는 오노 사토시와 함께 '이젠 유괴 같은 건 안 할래!'에 출연한 것이다. 특히나 란마에 출연하면서 각키의 상징이라 할 수 있는 긴 생머리를 포기하고 25cm의 머리를 잘라 단발로 변신했는데, 이게 나름 팬들에게는 충격이었다.

이런 파격 변신을 하던 아라가키 유이에게 있어서 다시금 기회가 된 작품은 2012년 2/4분기 드라마인 리갈 하이라 할 수 있다. 이 작품에서 풋내기 변호사 마유즈미 마치코 역을 맡아 열연했는데, 이전의 주연들과는 상당히 괴리가 있는 캐릭터였다. 주인공의 연인으로 등장하는 것도 아니고, 주연급으로 드라마에서 중요한 역할을 하는 것도 아니라 사카이 마사토가 연기하는 코미카도 켄스케 원톱 체제에서 보조적인 역할이 라는 것부터 그렇다. 게다가 미모의 여배우라는 이미지를 과감히 벗어 던지게 된 계기라고도 할 수 있는데, 작중 내내 O자형 다리라고 놀림을 받는 것부터 그렇고 기존의 '청순 이미지'가 오히려 '색기 없음'으로 전환되어 개그 소재로 이용되기까지 한다. 심지어 센바그룹 에피소드를 다룬 10화 에서는 일본내에서도 각선미가 이쁘기로 소문이 난 또래의 여배우 나가사와 마사미와도 비교를 당한다. 간접적으로 비교 당하는 게 아니라 사카이 마사토가 각키의 색기없음을 지적하면서 '아..나가사와 마사미였으면 더 좋았을 텐데!'라고 하는데, 이 정도면 거의 배우개그 수준.[10]

이전과 다른 역할을 맡게 되면서 '이제 한 물 간 거냐', '조연급으로 내려 앉았냐' 하는 우려도 있었지만 이는 아라가키 유이가 1년에 거의 드라마 한 편씩 정도만을 촬영하기에 더 부각된 감이 있다. 토다 에리카의 경우 같은 2012년 2분기에 게츠쿠 열쇠가 잠긴 방에 출연했지만, 여기서의 비중은 거의 남주인공의 추리를 지켜보는 병풍급이었다. 그럼에도 토다 에리카는 다작 배우라 이 점이 부각되지 않았는데, 1년에 한 편 정도만 출연하는 아라가키 유이에게 있어서는 유난히 부각되었다고 볼 수 있다. 2013년 TBS 드라마 '하늘을 나는 홍보실'에서 다시 단독 주연을 맡으며 이런 우려를 불식시켰고, 리갈 하이도 시즌2로 접어들면서 코미카도 원톱체제가 보다 느슨해져 마유즈미라는 캐릭터의 성장도 다룰 수 있었다. 그러나 섹드립은 더 심해졌다(...). 시즌 2에서는 빈유 속성까지 제대로 저격 당한다. 지못미.

2014년에 접어들면서 드라마보다는 영화 위주로 활동하고 있다. 1분기 드라마인 'S ~최후의 경관~'에서 마지막 두 에피소드에 깜짝 출연하였고, 이후 영화 촬영에 들어갔다. 2014년에 개봉하는 영화는 가을 개봉 예정작인 'TWILIGHT사사라 사야' 하나이지만, 2015년에는 두 편이나 개봉이 예정되어 있다. 드라마에서는 2014년 11월 22일 밤9시부터 리갈 하이 스페셜 방영에 출연하였다.

2015년, 니시오 이신의 소설 오키테카미 쿄코 시리즈의 실사 드라마에 주연으로 출연했다. 야구 중계와 아사다 마오 피겨 중계의 영향이 컸는지, 아라가키 유이 주연 드라마 최초로 평균 시청률이 10%를 넘지 못하는 사태가 일어났다.[11] 하지만 다음 분기에 출연하시는 아야세 하루카보다는 나은 듯 하다

성우 활동도 한 적이 있다. 디지몬 세이버즈에서 히로인 후지에다 요시노 역을 맡았었는데, 물론 전문 성우가 아닌 탓에 연기는 어색했고 덕분에 요시노는 히로인인데도 묻혔다(…). 이외에도 몇번 성우 연기에 도전한 적이 있었다.

4. 키 논란[편집]

걸리버 여행기

일본 연예인 중에 키가 큰 편이며, 모델 출신임을 감안하더라도 상당한 장신의 소유자이다. 일단 프로필 상 키는 168cm이다.[12] 160 초반대인 퍼퓸의 멤버들도 장신으로 취급받는 걸 생각해보면, 일본 연예계에서 상당히 큰 키라 할 수 있다.

그러나 아빠와 딸의 7일간에서 신장이 181cm로 알려져 있는 타치 히로시에게 꿀리지 않는 키를 보여주어 170 후반대가 아니냐는 소문이 널리 퍼지게 되었다. 물론 타치 히로시도 50대를 넘어선 나이인 만큼 키가 줄었을 수도 있고, 프로필상 키보다 실제 키가 작을 수도 있으니 단언하긴 힘들다. 여러 네티즌들이 173cm 정도가 되지 않겠냐고 결론을 냈고, 적어도 170cm는 넘는다는 것이 넷 상에서는 기정사실화 되었다(...). 이 성우와 같이 선다면?

위의 캡쳐로 종합해 보았을 때, 169cm라는 소속사의 트윗을 믿지 못하더라도, 173cm를 넘지는 않아 보인다. 높게 잡아봐야 170~173 정도가 맞을 듯. 참고로 본인이 방송에서 말하길, 큰 키는 어머니로부터 물려받은 것이라고 한다. 어머니의 키가 170cm 이상이라고(...)다 이유가 있다

5. 가수 활동[편집]

가수활동도 하는데, 그리 흥하는 것 같지는 않다. 2007년 자신의 영화 '사랑하는 마도리'의 주제가 'Memories'를 부르며 가수로도 데뷔했다. 같은 해 11월 3일 방송 된 COUNT DOWN TV에 출연해 자신이 출연한 영화 '연공'의 삽입곡 'heavenly days'를 불렀으며, 같은 해 12월에는 정규 앨범 '空(하늘)'을 발매해 무도관에서 데뷔 앨범 발매 기념 이벤트 'SCHOOL OF LOCK!'과 '아라가키 유이의 heavenly Xmas in 일본 무도관'을 개최했다. 데뷔 무대를 부도칸에서 가진 거니 나름 인기가 있었다고 볼 수 있는데, 가수로서의 인기라기보다는 팬들의 성원을 입었다고 보는 쪽이 맞을 듯. 2009년 11월, 소니 워크맨 광고에 출연, 3000명의 중고생과 함께 MONGOL 800의 '작은 사랑의 노래'를 커버했다. 코부쿠로와 같이 赤い糸(붉은 실)를 같이 부르기도 했다.

가창력은 고만고만한 편이다. 여성스러운 목소리라 팬심으로 들어줄 만하긴 하지만 노래에 힘이 별로 없다는 게 중론. 그래도 음반으로 들으면 믹싱 보정으로 꽤 들어줄 만하다. 다만 리갈 하이에서는 음치 기믹으로 출연하여 충격과 공포를 안겨주었다. 2010년 이후로 가수 활동은 중단한 상태.

6. 기타[편집]

아라가키 유이의 가장 큰 매력은 웃는 모습이다. 아예 각키 스마일이라고 칭해지기도 한다. 광고주들이 이 각키 스마일을 주목하여 광고에서는 항상 웃는 모습이 빠지지 않는다.

백괴사전에는 남성들을 뇌쇄하기 위한 안드로이드 병기로 소개되어 있다(…). 해당 문서 자체는 일본어판으로부터 번역해 들여 온 것.

자신이 그린 그림을 실은 동화책을 펴내기도 했다. 영화 '하나미즈키'에 등장하는 동화책 'The Three Little Pigs(아기 돼지 삼형제)'에 본인이 직접 그린 그림이 실려 있는데, 이 동화책이 일반 발매되어 동화책 작가로도 데뷔했다.

일드갤의 모 유저는 12살 부터 지금까지의 각히 치아를 유심히 관찰해서 분석한 글을 올렸다. 뭐야 이거 무서워 #

일본 남성들의 이상형 1위를 차지한 적이 있다. 그러나 아래의 열애설로 다음 해 순위 폭풍 하락 1위는 아야세 하루카가 가져간다

아라가키 유이 본인의 이상형은 정확히 밝혀진 바는 없다. 그러나 예능이나 인터뷰로 밝힌 모습에 의하면 카톡[13] 잘 안 하고, 깜짝 놀라게 하는 서프라이즈 파티 같은 것이 없고, 바람 필 때 안 걸리게 바람피는 남자. 덤으로 자신과 같이 웃는 모습이 좋은 남자를 선호하는 듯하다. [14]

2013년 3월 22일 일본 주간지 프라이데이에서 쟈니즈계 아이돌 칸쟈니∞의 니시키도 료와 열애설이 터졌다. 2011년 전개걸에서 남여 주연으로 만나 가까워졌다고. 걸어서 5분 정도 거리인 맨션을 왕복하면서 사랑을 키워가고 있었다고 한다. 하지만 투샷도 없고 별 다른 증거도 없거니와 당사자들은 열애설을 부인. 아무래도 열애가 사실이든 거짓이든 간에 열애설이 터지면 남자 쪽은 쟈니스라는 아이돌 특성 상, 여자 쪽은 청순 이미지에 이때까지 스캔들이 없었던 상황인지라 타격이 클 수 밖에 없는 상황이라서, 기자회견까지 열면서 열애설을 부인했다. 남자 쪽이 여자 관련해서 이미지가 안 좋기도 하고, 각키가 아무래도 급이 더 높다 보니까 아무래도 넷 상에서는 남자 쪽을 비난하며... 환영받지는 못하는 듯.그리고 각키 덕후분들은 처녀주가 깨졌다면서 절망하고 있다 카더라

덧붙여, 해를 넘긴 2014년에는 둘이 같은 맨션을 쓰고 있다며 프라이데이가 보도. 프라이데이에서는 '확신'이라는 말까지 썼다. 분명, 한 번 걸려서 소속사도 다 아는 상황인데 작년에는 각기 다른 맨션을 쓰다가 지금 같은 맨션을 쓰고 있으니... 정작, 둘이 같이 혹은 각기 맨션에 들어가는 모습 은 잡히지 않았고, 또 같은 해 7월에는 남자 쪽에서 일반인 여자와 하룻밤을 위해 맨션에 들어갔다는 우와사가 터졌다. 그런데 그 일반인의 키가 170cm가 넘는다고 하더라 이 아저씨 취향이...

특이한 것은 블로그에 글을 쓸 때, 일반적인 여성이 쓰는 와타시(私)를 쓰지 않고 남자들이 쓰는 보쿠(僕)를 쓴다. 지금은 블로그를 하지 않는다.

성격은 드라마에서 보여지는 당당하고 똑부러진 이미지와는 달리, 상당히 내성적이며 조용하다고 한다. 춤추는 자기 몸이 자기 몸이 아니라고 생각할 정도였다나. 때문에 그녀의 첫 CF 출연작인 포키의 광고에서 사람들을 끌고다니며 열심히 춤추고 뛰어다니는 모습을 본 같은 학교 동급생들로부터 '괜찮니?' '너무 무리하는거 아니니?'란 문자를 수십통이나 받았다고. 덤으로 촬영 없는 날에는 집에서 잠을 자고, 손님을 초대해서 요리를 대접하고, 집안일하는 듯. 그런데 이 집안일이 살짝 결벽증 증세를 보이는 듯 하다. 최근에 방센 목적으로 나온 샤베쿠리 007에서 새로 드러난 취미로 마토메 사이트[15] 열람이 있는데, 사회자가 이를 덥썩 물고 아라가키 유이에게 '인터넷 중독' 증상을 내렸다(...)

오키나와 출신임에도 불구하고 2ch에서 매우 호의적인 반응이 많다. 각키 스레가 올라오면 귀엽다는 반응이 상당히 많이 올라오는 편. 각키빠가 많은 대표적인 사이트로 2ch를 꼽는다. 딱히 안티를 만들어내는 행동을 하지 않았기 때문에[16] 여성향 사이트에서도 나쁜 반응은 없다.

진짜 여담으로, 2006년에 BS-i 방송국에서 스즈미야 하루히 시리즈의 실사 드라마를 제작하며, 주인공 스즈미야 하루히 역에 아라가키 유이가 내정되었다는 진짜 희대의찌라시가 돌았고, 다음 해에는 잡지에서 기사화된 적도 있다.[17] 그러나 결국 루머로 판정. 방송된다는 BS-i에서 기사 내용은 완벽한 오보임을 밝혔다.

7. 출연작[편집]

7.1. 연속 드라마[편집]

연도 방송국 제목 활동 배역

2015 NTV 오키테가미 쿄코의 비망록 주연 오키테가미 쿄코 역

2013 후지TV 리갈 하이 2 주연 마유즈미 마치코 역

2013 TBS 하늘을 나는 홍보실 주연 이나바 리카 역

2012 후지TV 리갈 하이 주연 마유즈미 마치코 역

2011 후지TV 전개걸 주연 아유카와 와카바 역

2010 후지TV 코드블루 2nd season 주연 시라이시 메구미 역

2009 TBS 스마일 주연 미시마 하나 역

2008 후지TV 코드 블루 주연 시라이시 메구미 역

2007 TBS 아빠와 딸의 7일간 주연 카와하라 코우메 역

2006 NTV 마이 보스 마이 히어로 조연 우메무라 히카리 역

2006 NTV 걸 서클 조연 나기사 역

2005 TBS 드래곤 사쿠라 조연 코사카 요시노 역

2005 아사히TV 시부야 15 (Sh15uya) 조연 에마 역

7.2. 단편 드라마·게스트[편집]

연도 방송국 제목 활동 배역

2014 후지TV 리갈 하이 스페셜 2 주연 마유즈미 마치코 역

2014 TBS S -최후의 경관- 단역 하야시 이루마 역

2013 후지TV 리갈 하이 이의 있소! 스페셜 주연 마유즈미 마치코 역

2012 후지TV 이제 유괴 같은건 안할래 주연 하나조노 에리카 역

2011 NTV 란마 1/2 실사 드라마 주연 텐도 아카네 역

2010 아사히TV 엔젤뱅크~전직 대리인 단역 후지카와 카린 역

2009 후지TV 코드 블루 신춘 스페셜 주연 시라이시 메구미 역

2006 아사히TV 그녀의 연애 편지 주연 카와무라 유카리 역

2006 후지TV 트루 러브 주연 아소 나츠미 역

2005 후지TV 여자의 일대기 - 둘째밤 코시지 후부키 단역 코시지 후부키 (소녀 시절) 역

7.3. 시청률[18][편집]

방송년도 제목 방송국 1회 2회 3회 4회 5회 6회 7회 8회 9회 10회 11회 12회 평균

2007 아빠와 딸의

7일간 TBS 14.0 12.8 13.1 14.1 16.7 11.9 14.5 - - - - - 13.9

2008 코드 블루 후지TV 21.2 16.0 16.0 13.2 15.7 15.6 10.8 13.4 15.8 14.9 19.5 - 15.9

2009 스마일 TBS 11.7 10.2 12.3 9.2 11.0 8.9 10.1 7.1 9.7 10.1 10.9 - 10.1

2010 코드블루

2nd season 후지TV 18.8 17.1 17.2 16.2 16.5 15.1 15.9 15.3 16.6 16.8 16.6 - 16.6

2011 전개 걸 후지TV 14.6 9.8 12.7 11.9 11.8 12.5 13.1 10.7 12.4 12.8 12.6 - 12.3

2012 리갈 하이 후지TV 12.2 12.1 11.2 12.3 10.9 11.6 14.2 14.5 12.8 12.0 13.4 - 12.5

2013 하늘을 나는 홍보실 TBS 14.0 13.5 11.6 11.2 10.6 13.4 12.1 12.1 12.5 11.7 15.3 - 12.6

2013 리갈 하이2 후지TV 21.2 16.8 18.5 18.3 18.3 17.7 17.7 16.2 18.3 18.9 - - 18.4

2015 오키테가미 쿄코의 비망록 NTV 12.9 10.3 10.9 10.2 8.8 7.6 9.3 7.2 9.2 10.5 9.7

7.4. 영화[편집]

연도 제목 활동 배역

2015 S -최후의 경관- (극장판) 조연 하야시 이루마 역

2015 입술에 노래를 주연 카시와기 유리 역

2014 트와일라잇: 사사라사야 주연 사야 역

2012 기린의 날개 주연 나카하라 카오리 역

2010 하나미즈키 주연 히라사와 사에 역

2009 발라드 이름없는 사랑 노래 주연 카스가 렌 공주 역

2008 플레이 플레이 소녀 주연 모모야마 모모코 역

2007 연공 주연 타하라 미카 역

2007 와루보로 주연 야마다 키쿠코 역

2007 사랑하는 마도리 주연 아오키 유이 역

7.5. 애니메이션[편집]

연도 제목 배역

2009 크레용 신짱 - 사랑의 전국(戰國) 메모리 렌 역

2008 크레용 신짱 - 응원 플레이 플레이 엉덩이도 플레이 플레이 스페셜! 모모야마 모모코 역

2006 디지몬 세이버즈 후지에다 요시노 역

2006 개구리 중사 케로로 극장판 1기 최종병기 키루루 미라라 역

[1] 오키나와에서 제일 인구가 많은 시.

[2] 드물게 新垣를 아라가키가 아닌 '니이가키'로 읽는 경우도 존재한다. 모닝구 무스메의 전 멤버인 니이가키 리사가 같은 한자에 다른 독음을 사용하는 대표적인 예. 그런데 이 경우는 원래 아라가키라는 성을 가진 사람이 본토에 올라왔을 때 본토 사람들이 잘못 읽고 니이가키라고 발음했는데 그냥 놔둔 경우라고 한다(...)

[3] 그런데 극초반에서 나온 15시부야, 걸 서클, 드래곤 사쿠라에서는 청순함과는 거리가 먼 역할을 맡았다

[4] 아라가키 유이는 각종 인터뷰 및 TV 예능에서 30살 이전까지는 꼭 결혼하겠다는 언급을 여러 차례 한 바 있다. 아이가 태어나고 자랄 때 자신이 너무 늙지 않았으면 한다는 것이 그 이유. 10대 때부터 결혼을 희망해왔는데 현실을 깨닫고 30살 때까지 결혼을 미루고 있다고 한다. 최근 인터뷰에서는 27~8살에 남자를 만나 30살에 결혼하는 것이 목표라고 한다.

[5] 이로 인해 문근영과 비교를 받기도 한다. 나이대가 비슷하고 비슷한 이미지+교복으로 영화에서 성공했기 때문. 나이는 문근영이 1살 연상이다.

[6] 2016년 현재는 3위

[7] 일본 휴대전화 소설 사이트에 연재되었다. 스토리 자체만 놓고 보면 중2병 감성에 개연성도 부족해 허술한 편.

[8] 닛케이 파워랭킹 여배우 부문에서 2년 연속 5위를 기록. 참고로 닛케이 파워랭킹은 일본에서 가장 공신력 있는 랭킹으로 손꼽힌다.

[9] 이 프로그램 설명에서 당시 '연인이 되고 싶은 연예인' 등 여러 앙케이트 조사에서 1위에 등극했다는 사실을 알 수 있다.

[10] 그래도 당시나 현재 객관적인 인기는 각키>>>>>마사미. 그냥 서로의 매력 포인트가 다르다고 봐야 한다. 참고로 마사미는 2007년까지만 해도 각키를 능가하는 인기를 구가했으나, 최근 출연하는 드라마마다 시청률이 한 자릿수인 데다가, 스캔들이 자주 터지는 바람에 인기가 대역전.

[11] 물론 작품 자체의 문제일 수도 있다. 일단 여주인공 분장 자체가 가발+안경이라서 아라가키 유이의 미모를 잡아먹는다는 이야기가 있었다.

[12] 화면 왼쪽에 있는 야쿠마루 히로히데의 프로필 상 키도 168cm이다. 신발을 보면 알겠지만 그다지 굽높은 하이힐을 신은 것도 아니다.

[13] 일본에서는 LINE이 카톡의 위치를 대신한다.

[14] 당시 전개걸 인터뷰에서 상대 남자배우 웃는 모습이 좋다고 한 바 있다.

[15] 비유를 하자면, 한국에서 어떤 사건이 일어났다 하면 블로그에서 그 사건에 대해서 동영상, 사진을 올려놓고 그 사건을 자세히 소개하는 블로그가 많다. 이를 일본에서는 마토메라고 한다. 그런데 2ch에서 일어난 스레를 정리하는 마토메 사이트도 많은 편.

[16] 2010년 정열대륙에서 안티를 최대한 줄여나가겠다는 아라가키 유이 본인의 의견을 낸 적이 있다. 그런데 안티가 어디 있어야 말이지

[17] 덤으로, 쿈 역에는 마츠야마 켄이치. 미쿠루 역에는 토다 에리카라고... 데스노트와 라이어 게임 이미지를 생각하면 도저히 어울리지 않는다 쿈은 그렇다 치고, 미쿠루의 그 큰 슴가에 뼈토다(...)

[18] 주연작만 기록, 스폐셜 드라마 제외 출처

스팸spam, 어깨살로 만드는구나!

로드365 — Thu, 4 Feb 2016 08:27:24 +0900

지긋지긋한 스팸메일, 본인에게 쓸모없이 사람 귀찮게 만드는 메일을 스팸 메일이라 하는데 이 스팸은 어디서 나왔을까요? 인터넷을 왠만큼 하시는 분이라면 당연히 아실 것이고 초보라도 각종 언론에서 스팸을 운운하는 이야기를 들은 기억이 다들 있으실 겁니다.

스팸은 미국에서 나온 고기 통조림의 종류지요. 주로 미군에 의해 퍼져 나갔고 살찌는 음식의 대명사가 되어버린 스팸. 오늘은 이 스팸의 역사에 대해 한번 이야기 해보려고 합니다. 스팸이 나오기 전 사람들은 고기를 사기 위해서는 정육점에 들러야만 했습니다.

정육점에서 파는 날고기 아니면 훈제 처리한 고기 이외에는 다른 것은 없었죠 이때 스팸이 나오게 됩니다. 1937년 전쟁 전 출시된 스팸은 낮은 가격과 보관과 조리의 편리함 그리고 스타를 동원한 광고에서 떠들어 대는 영양식이라는 문구등에 힘입어 엄청난 인기를 얻었습니다, 출시된지 4년만에 1800만 킬로그램을 판매했죠.

이런 스팸의 탄생은 찌꺼기 고기 처리에 대한 고민에서 나왔습니다. 세계 2차대전이 발발하기 얼마전 미국 미네소타주 오스틴에 위치한 호멜 육가공 공장에서 사장인 제이 호멜은 자사 공장의 상품인 햄을 만들고 남은 돼지고기 어깨살 때문에 골머리를 싸메고 있었습니다 이 돼지고기 어깨살은 뼈가 많고 맛이 떨어졌죠.

그래서 호멜은 회사 소속 프랑스 요리사 장 베르네에게 이 어깨살을 유용할 방법을 모색하라고 했고 그는 이 부위를 갈아 양념한 뒤 캔속에 집어넣고 삶아 내는 상품을 만들어 내었습니다. 시제품을 맛보고 나니 이거 꽤 쓸만한 물건이라 생각한 호멜은 파티 자리에서 이 음식에게 외우기 쉽고 오래 기억되는 이름을 지어주는 사람에게 포상을 하겠다고 이야기 했고 호멜사 간부의 동생이자 배우인 케니스 데이누 (Kenneth Daigneau)라는 손님이 돼지고기 어깨살과 햄(Shoulder of Pork And haM)이라는 문구의 각 머리글자를 따서 스팸(SPAM)이라는 이름을 만들어 내었습니다.

이런 스팸의 판매에 더욱 더 불을 붙이는 사건이 일어났으니 그것이 바로 세계 2차대전 이었습니다. 독일의 해엽봉쇄와 지속되는 폭격등으로 영국은 물자의 수입이 부족해 식량마저 부족한 상황에 이르게 되었습니다, 미국은 이런 영국에 전시물자지원협정에 의해 스팸을 대량으로 뿌렸고 영국은 스팸랜드라는 별명까지 붙게 되었습니다.

그리고 전쟁이 본격화 되고 진주만으로 인하여 미국이 2차 대전에 본격적으로 참전, 전 세계에 미군 병사들이 파병 나가기 시작하자 미군 병사들에게 신선한 고기등의 보급이 힘겨워 졌고 그 대안으로 스팸을 병사들에게 지급하게 되었습니다, 덕분에 미군들은 전 세계 어디에서라도 육류를 섭취할 수 있게 되었지요.

그러나 스팸에 대한 미군의 인식은 그리 좋은편이 아니었습니다, 햄도 아닌것이 미트로프도 아닌것이 감당하기 힘든 분홍색에 물컹물컹한 스팸은 마지못해 먹는 음식처럼 되어 버렸죠 (예나 지금이나 군대 음식에 대한 불평은 항상 있는 일인것 같습니다)

그리고 이런 덕분에 미군이 있었던 곳이라면 어느 지역에서건 스팸이 보이는 현상이 벌어졌습니다, 전후 일본에서 스팸은 미군이 먹는 음식이라 하여 유행한 적도 있었고 우리나라 또한 6.25 이후 먹을 것이 귀하던 시절 미군 부대에서 흘러나온 스팸 한캔에 부자집 도련님 소리를 들은적도 있었습니다.

그리고 고기를 많이 먹는 하와이 같은 곳에서는 지금도 스팸이 많이 소비된다고 합니다 날씨가 더운탓에 육류 소비가 많은 하와이는 전통적 음식대신 간편한 스팸과 같은 음식이 유행했고 스팸을 구워 먹거나 초밥으로 먹은 덕분에 비만 인구가 전체의 70%를 차지하는 묘한 현상을 보이고 있습니다. (더이상 하와이에 잘록한 허리의 여성들이 알로하를 말하며 춤추는 모습은 보기 힘들어 졌다고 합니다... 믿거나 말거나...)

하여간 이 스팸이라는 놈의 태생이 천한(?)고로 물자가 풍부해 지고 사람들의 입맛이 까다로와 지면서 이 스팸은 천덕꾸러기 신세를 면치 못하고 있지요, 여전히 많은 양이 생산되고 팔리고 있지만 쓰레기 메일에 스팸이라는 이름이 붙을 만큼 대접받지는 못하고 있습니다. 그러나 추세로 보건데 이런 욕을 들어 먹는 물건이지만서도 앞으로 상당 기간까지도 이 스팸이 사라질 날은 보이지 않는 것 같습니다. 제 친구인 모군은 비오는 날 따뜻한 밥에 스팸 하나 올려서 김치말아 먹는 것이 세상 무엇보다 좋다고 하니까요 ^^ 출처

절반의 좋은 집, 알레한드로 아라베나

로드365 — Tue, 19 Jan 2016 22:59:43 +0900

버드맨, 알레한드로 곤살레스 이냐리투

로드365 — Tue, 19 Jan 2016 20:28:59 +0900

하늘을 나는 방법
다소 심심한 세상을 살아내는 방법
예술이라는 이름으로 사기치는 방법

◈ 전 세계를 놀라게 한 알레한드로 곤잘레스 이냐리투 감독의 [버드맨]

슈퍼 히어로 '버드맨'으로 톱스타의 인기를 누렸던 할리우드 배우가 예전의 꿈과 명성을 되찾기 위해 브로드웨이에 도전하는 이야기를 그린 영화 [버드맨]은 마이클 키튼, 에드워드 노튼, 엠마 스톤, 나오미 왓츠를 필두로 화려한 캐스팅을 자랑하며 이들의 앙상블이 돋보이는 연기와 춤을 추듯이 브로드웨이 백스테이지를 누비는 촬영, 신랄하지만 코믹하게 현실을 파헤치는 각본, 영화의 심장 박동처럼 리듬을 만드는 음악까지 모든 요소가 완벽하게 조화를 이룬 작품으로 주목받고 있다.

지금까지 60여 개의 시상식에서 162개에 달하는 노미네이션과 133개의 트로피를 거머쥐며 압도적인 수상 기록을 이어가고 있는 이 놀라운 작품을 알레한드로 곤잘레스 이냐리투 감독이 어떻게 탄생시켰는지, 그 모든 과정을 파헤친다.

골든글로브 남우주연상, 각본상 수상, 아카데미 시상식 9개 부문 최다 노미네이트를 자랑하며 전 세계 영화판을 홀린 영화 [버드맨]. 영화를 향한 수없이 많은 호평 중 가장 중심이 되는 것은 할리우드, 브로드웨이, SNS, 현대 사회인들이 모두 공감할 수 있는 자화상을 영리하고 날카롭게 그려낸 알레한드로 곤잘레스 이냐리투 감독의 상상력이다. 이에 대해 해외 매체들은 "캐스팅에서 연출까지 모든 창조의 레벨에서의 대성공"(Variety), "셀러브리티 문화, 야망, 소셜 미디어에 대한 예리한 코멘터리"(USA today), "전형의 틀을 벗어난 완벽한 예술, 창조이자 미친 천재의 영화"(Miami Herald)라며 찬양과도 같은 리뷰들을 쏟아냈다.

이러한 해외 매체들의 극찬에 이어 먼저 영화를 접한 국내 영화계의 칭찬 세례도 이어지고 있는데, [좋은 놈, 나쁜 놈, 이상한 놈]의 김지운 감독은 "연기, 카메라, 음악, 영화 속 모든 요소들이 벌이는 두 시간의 서커스. 이냐리투 감독의 최고 작품!"이라며 영화의 모든 요소들이 마치 곡예와도 같이 조화를 이루는 영화에 대한 코멘트를 남겼고, [지구를 지켜라!], [화이 : 괴물을 삼킨 아이]의 장준환 감독 역시 "한 인간의 욕망과 비극을 진지하면서도 경쾌하고, 강렬하면서도 섬세한 시선으로 그려낸 우리 삶의 조감도. 영화적 상상력이 날개를 달고 극한으로 날아오른다."라며 영화 속 날카로운 블랙 코미디와 삶을 묘사한 깊이 있는 시선에 대해 감탄하였다.

이 외에도 [올드보이], [신세계]의 촬영을 맡았던 정정훈 촬영감독 또한 "너무 사실적이라 마치 2시간 동안 배우들과 함께 호흡한 기분. 카메라를 전혀 의식하지 않게 만드는 경이로운 촬영! 다시 한 번 보고 싶은 영화!"라며 영화 속에 빠져들게 하는 촬영을 극찬했다. 정정훈 촬영감독은 영화의 압도적인 촬영에 대해 직접 이야기를 나누기 위해 [버드맨]의 GV도 진행할 예정이다.

◈ 천재적인 상상력, 그 위대한 시작은?

멕시코에서 태어나 17살의 나이에 화물선에서 일을 시작한 알레한드로 감독은 이후 라디오 DJ로 첫 커리어를 시작, 6편의 멕시코 장편 영화의 음악을 작곡했다. 독립 단편 영화와 광고, TV 영화 등을 촬영하던 그는 첫 장편 영화인 [아모레스 페로스]로 칸느 영화제에서 비평가주간상을 수상하며 전 세계에 이름을 알린다. 할리우드로 진출한 이후 국내에도 잘 알려진 [21 그램], [바벨], [비우티풀] 등의 영화를 통해 거장으로 성장했다. 주로 사회 하층민들의 삶 속에 숨겨진 절망을 파헤치는 날카로운 작품들을 만들어냈던 그는, 사회를 성찰하는 깊이 있는 시선과 이방인에 대한 사실적인 묘사의 대가로 알려졌다. 선원부터 시작하여 라디오 DJ, 영화 음악가에 이르기까지 다양한 그의 배경으로부터 창조된 사실적이면서 다층적인 캐릭터들은 역시 그의 영화를 특별하게 만들어주는 주요 요소로 꼽힌다.

◈ 왜 [버드맨]인가?

[버드맨]을 통해 그는 인간 본성에 닥친 재앙이 세상과 인간의 결함, 나아가 우리가 살아가는 방식과 화해하는 모습을 재미있게 그리려고 했다. "자아와의 싸움을 꼭 다뤄보고 싶었다. 얼마나 성공을 거두었든, 부와 유명세를 갖추었든 그것이 일시적인 환상에 불과하다는 개념 말이다."라며 성공의 덧없음과 개인의 하찮은 존재감에서 리건에게 큰 공감을 느낀다는 알레한드로 감독은 잘못된 목표를 좇고 자신의 존재를 인정하는 힘을 타인에게 내어주면 비록 원하는 것을 얻더라도 그 기쁨은 덧없을 뿐이라는 것을 이야기하고 싶었다고.

자신이 눈 깜짝할 사이에 '좋아요'가 80만 개가 달리는 소셜 미디어의 즉각적이고 환상에 가까운 '성취' 그 이상의 존재임을 증명하려는 남자의 이야기 [버드맨]은 알레한드로 감독의 이전 작품들과 마찬가지로 리건을 비롯한 캐릭터들을 통하여 인간의 존재를 정확한 관점으로 바라보면서도 한편으로 코미디와 비애, 환상, 현실감 사이를 고공 줄타기하듯 오가며 다양한 해석을 가능하게 한다.

◈ 알레한드로 감독의 전폭적인 신뢰를 바탕으로 한 마이클 키튼 캐스팅 비화

알레한드로 감독이 창조한 영화사상 가장 기이한 캐릭터 리건 톰슨은 팀 버튼의 [배트맨] 시리즈 두 편에서 배트맨을 연기했던 마이클 키튼이 연기했다. "마이클은 드라마와 코미디 장르를 지배하는 진정으로 재능 있고 대단한 배우다. 지금까지 그 같은 배우를 본 적도, 함께 일해본 적도 없다. 그가 제의를 수락했을 때 내가 원하는 대로 영화가 만들어지겠구나 확신했다."며 극찬한 알레한드로 감독은 가장 상징적인 슈퍼 히어로인 배트맨을 연기했던 마이클 키튼은 배경과 권위가 강력한 현실을 반영하고 투영할 뿐만 아니라 놀라울 정도로 깊이 있는 연기력까지 갖춘 배우라고 평가했다.

주인공의 특이함과 성공을 비판 없이 그려내려는 꿋꿋한 헌신이 이 배역에 꼭 필요했다는 알레한드로 감독은 "마이클은 절대적인 진실과 솔직함으로 리건을 연기했다. 하나의 롱테이크로 촬영했기 때문에 속도와 리듬 등 물리적으로 정확성이 요구되는 작업이었는데, 그는 캐릭터에 상당히 깊이 들어갔다. 어떻게 가능했는지 그저 놀랍고 지켜보는 것만으로도 정말 인상적이었다."며 하나의 롱테이크 동안 열정, 의심, 후회, 야망, 분노, 친절함, 희망, 두려움 등 변화무쌍한 감정을 표현한 마이클 키튼의 놀라운 연기력에 대해 아낌없는 칭찬을 보냈다. 아이러니한 점은 정작 마이클 키튼은 리건만큼 깊이 공감되지 않는 캐릭터는 처음이었다고. 그럼에도 불구하고 "리건은 매우 본능적이고 진실하고 마음 아플 정도로 인간적이다."며 여러 측면에서 캐릭터를 이해할 수 있었다고 밝혔다.

◈ 배우, 프로듀서, 스태프가 말하는 알레한드로 곤잘레스 이냐리투 감독은?

영화 [버드맨]을 위해 모인 화려한 캐스팅의 배우들은 물론 프로듀서를 비롯한 쟁쟁한 스태프들, 이들을 하나로 모은 그 중심에는 알레한드로 감독이 존재한다. 프로듀서인 존 레셔는 "오로지 알레한드로 감독과 일할 수 있다는 사실 때문에 이 작품을 선택했다."고 말했으며, 영화의 주연을 맡은 마이클 키튼 역시 "그는 영화와 스토리, 사람들에게 깊은 관심을 쏟는다. 의미 있는 영화를 만들기 위한 노력들을 아끼지 않는다. 그런 감독과의 작업은 정말 즐거운 일일 수밖에 없다. 흔치 않은 경험이다."며 창조적이며 즐거웠던 영화 작업에 대해 털어놓았다.

[그래비티]의 알폰소 쿠아론 감독의 소개로 알레한드로 감독을 만난 이후 본능적으로 언젠가 영화 작업을 하리라 믿고 있었다고 말하는 에드워드 노튼은 "오늘날 가장 대담하고 훌륭하고 직관적인 감독이다. [비우티풀]을 보고 나서 그가 하는 작업이라면 두말 않고 참여하고 싶었다."며 그에 대한 전적인 믿음을 드러냈다. 엠마 스톤 역시 "배우를 이렇게 정확하게 읽는 감독은 처음이었다."며 배우에 머릿속에 있는 모든 생각들을 집어주는 그에 대해 감탄하였으며, [21 그램]에서 그와 함께 작업한 바 있는 나오미 왓츠는 "그는 진짜 똑똑하고, 정말 날카로운 본능을 가졌다. 믿음이 저절로 생기는 감독."이라고 그에 대한 무한 신뢰를 드러냈다. 다층적인 시각과 영화를 향한 뜨거운 열정으로 뭉친 그를 향한 믿음, 이를 바탕으로 만들어진 [버드맨]은 이런 그들의 노력에 보답이라도 하듯 높이 날아올랐다.

◈ 감독을 포함한 4인의 협업에서 탄생한 독창적인 스토리

각자의 재능과 경험으로 가능했던 사실적인 브로드웨이의 이면 묘사

원 샷으로 코미디 영화를 만들고 싶다는 알레한드로 감독의 아이디어에서 시작된 [버드맨]의 시나리오는 독창적인 스토리답게 매우 색다른 협업으로 이뤄졌다. 알레한드로 감독과 [비우티풀]의 공동 각본가인 니콜라스 지아코본, 아르만도 보, 그리고 유명 극작가인 알렉산더 디넬라리스 주니어까지 네 명의 친구가 각자의 재능과 경험을 합쳐 탄생시킨 [버드맨]의 스토리는 뉴욕, 멕시코, LA 등지에서의 만남과 2년간의 스카이프를 통한 작업으로 완성됐다. 내러티브를 잃지 않도록 내적인 리듬을 찾는 일이 가장 힘든 과제였던 [버드맨]의 각본 작업에 대해 니콜라스 지아코본은 "씬 전환에서 정확성이 필수였고 그것이 대사와 코믹한 순간의 리듬에 끼치는 영향도 중요했다."며 각본에 나와 있는 전부가 실제로 영화에 들어간다는 사실을 항상 염두에 두고 써야 했다고 밝혔다.

또한, 이 영화의 주요 배경이 브로드웨이라는 점에서 극작가인 알렉산더 디넬라리스 주니어의 경험이 무척 중요했다. 알렉산더 디넬라리스 주니어는 영화배우들은 연극배우들의 연기가 오버스럽다고 생각하고 또 연극배우들은 영화를 찍을 때는 몇 번이고 다시 할 수 있지 않느냐고 말하며 일종의 끝나지 않는 싸움이 존재한다고 밝혔는데, 이는 연극 무대에서 활동하고 있는 에드워드 노튼 역시 동의하는 부분이었다. 비평가들이 사랑하는 배우이자 브로드웨이의 흥행보증수표 마이크 샤이너를 연기한 에드워드 노튼은 "연극계의 애증과 자기방어적 자존심, 근본적인 탐욕을 정확하게 잡아냈다."며 브로드웨이 사람들이 기립박수를 치고 환호할 만큼 놀라운 묘사로 가득하다고 극찬했다.

하지만 그렇다고 해서 [버드맨]의 이야기가 연극에 대한 영화는 아니다. 주인공인 리건은 브로드웨이에 도전하는 영화배우지만, 자신의 꿈과 점점 멀어지는 두려움을 느끼는 사람이기도 하다. 니콜라스 지아코본은 "모든 사람의 내면에는 자신이 모든 걸 다 아는 대단한 사람이라고 말하다가도 곧바로 최악이고 너무도 평범하고 어리석은 존재라고 이야기하는 '버드맨'과 같은 목소리가 있다."며 누구나 공감할 수 있는 이야기임을 강조했다.

◈ "각본부터 후반 작업 마지막까지 힘든 도전의 연속이었다."

영화 전체를 하나로 이은 롱테이크 촬영 스토리!

관객들이 미로처럼 복잡하고 폐쇄공포증처럼 숨 막히고도 필연적인 주인공의 평범함을 리건의 입장에서 경험하기를 바랐던 알레한드로 감독은 시나리오 첫 페이지를 썼을 때부터 전체를 하나로 이어서 촬영하기로 계획했다. 광범위하고 직관적이고 끊어지지 않는 샷은 스테디캠과 핸드 헬드 카메라로 촬영되었으며, 따라서 조명 역시 기존 장비와 달라야 했다.

이러한 알레한드로 감독의 계획을 뒷받침할 사람으로 [그래비티]를 통해 아카데미 촬영상을 수상한 엠마누엘 루베즈키 촬영 감독이 가세했다. 그에 대해 "영상의 퀄리티를 희생시키지 않으면서 기존과 다른 조명을 쓸 수 있는 기술을 가진 최고의 파트너였다."고 엄지를 치켜세운 알레한드로 감독은 모든 배우에게 종합적인 리허설을 실시했다. 그가 하려는 작업이 움직임과 발걸음, 얼굴 돌리는 동작 하나하나가 미리 결정된 꼼꼼한 안무라는 것을 배우들이 이해해야 했기 때문이라고. 그리고 이를 위해 알레한드로 감독은 사무실에 있던 고공 줄타기 예술가 필리프 프티의 사진을 모든 배우에게 보냈다. "우리가 하려는 작업이 고공 줄타기처럼 정확성과 자신감, 상호 신뢰가 중요하고 쉽게 떨어질 수도 있다는 것을 기억해주기를 바랐다."는 그는 1분 1초까지 정확하게 타이밍을 연구해 매일 하나의 씬처럼, 끊지 않고 계속 이어서 촬영을 진행했다.

"코미디에서는 리듬이 왕이다. 따라서 이 과정을 통해 씬의 내부적 리듬을 찾았을 뿐만 아니라 그 정보에 따라 세트와 공간을 정확하게 디자인했다."고 밝힌 알레한드로 감독의 말처럼, [버드맨]의 촬영장은 영화 세트장이라기보다 작품의 배경이기도 한 연극 무대 같은 느낌이 강했다. 이는 에드워드 노튼의 말에서도 알 수 있는데, "끊이지 않고 계속 다음 장면으로 넘어가는 방식으로 인간관계와 사건들이 서로 이어진다는 점이 마음에 들었다. 연극에서만 가능한 일인데 마치 배우의 손에 바통을 넘겨주는 것과 같았다."며 이러한 촬영 방식이 무의식적으로 배우들의 연기에 에너지를 더해주는 효과를 냈다고 이야기했다. 하지만 새로운 도전인 만큼 힘들었던 것도 사실인데, 알레한드로 감독은 "나를 비롯한 모든 제작진에게 완전히 새로운 방식이었기 때문에 각본부터 촬영, 후반 작업 마지막 프레임까지 힘든 도전의 연속이었다."고 토로했다.

◈ 알레한드로 감독이 사랑하는 소설!

레이먼드 카버 '사랑을 말할 때 우리가 이야기 하는 것'

영화 [버드맨]에서 리건 톰슨이 연극으로 올리려 하는 작품은 레이먼드 카버의 단편 소설 '사랑을 말할 때 우리가 이야기 하는 것'이다. 미국의 안톤 체호프라고 불리며, 현대인의 일상을 스냅사진처럼 포착하고, 현미경처럼 해부하여 미국 중산층의 기이하고 진실된 모습을 그리는 그의 작품은, 인간의 결함과 이상 등을 그린 [버드맨]의 주제를 생각할 때 가장 적절한 선택이었을 것이다.

청소년기 시절부터 그의 열성 팬이었다고 말하는 알레한드로 감독은 이 소설을 리건 톰슨이 연극화한다는 것은 좋지 않은 아이디어였다고 털어놓았다. 연극계에 오랫동안 몸을 담고 있던 것도 아닌 그가 이를 각색해 연극화한다는 것은 허무맹랑할 만큼 힘든 도전이었다는 것이 그의 설명. 하지만 알레한드로 감독은 "사랑받고 싶어 하고, 사랑이 어디에서 오는지 알고 싶어하는 리건 톰슨은 이러한 연극의 요소를 자신의 생활에 투영시키고, 점차 자신이 연기하는 캐릭터화 되어간다."면서 영화와 레이먼드 카버의 소설의 주제가 놀라울 정도로 일치했다고 이야기한다.

영화 속 DNA처럼 새겨진 소설의 정신에 대해 말하는 알레한드로 감독의 설명처럼, 영화 [버드맨]은 어쩌면 가장 영리한 버전의 레이먼드 카버 소설의 영화화일지도 모른다. 출처

<버드맨> 알레한드로 곤잘레스 이냐리투 감독 인터뷰

"쉼표나 마침표 없이 글 쓰는 것과 같았다."

<버드맨>은 일생 일대의 순간에 최악의 위기를 거듭해서 겪게 되는 남자가 자기 자신과 싸우는 이야기다. 이냐리투 감독은 위기의 남자가 겪는 온갖 고초를 직접 경험해보게 만든다.

전작들과는 다른 독특한 구성과 소재의 영화다. 변화를 시도한 계기가 있나.

5년 전쯤에 거울 속의 자아, 혹은 자신의 이미지와 씨름하는 한 남자의 이야기를 처음 떠올렸다. 당시 기획 중이던 다른 작품의 조연 캐릭터였다. 이 영화는 또 다른 자아와 뭔가를 하는 사람의 아이디어에서 시작됐다.

리건의 다른 자아로 ‘버드맨’을 떠올리게 된 이유가 있나.

잊혀진 영화배우가 연극 무대에서 그의 다른 자아와 말을 한다는 아이디어를 구상했는데 좀 올드했다. 그러다가 주인공의 또 다른 자아로 슈퍼 히어로인 버드맨이 떠올랐다. 이미 초고가 나온 상태였지만 버드맨이란 설정은 지금 이 시대, 글로벌 기업형 엔터테인먼트 산업을 보여주는 흥미로운 아이디어 같았다.

롱테이크 촬영을 선택한 이유도 궁금하다. 하나의 연속 숏처럼 느껴진다.

첫 기획 단계부터 롱테이크로 촬영하고 싶었다. 관객들이 리건의 입장에서 미로처럼 복잡하면서도 폐쇄 공포증을 앓듯 숨 막히는 그의 평범함을 경험해보기를 바랐다. 그러려면 리건의 시점에서 카메라를 컷 없이 움직이는 것이 가장 좋은 방법이었다. 마치 쉼표나 마침표 없이 글을 쓰는 것과 같았다. 처음부터 끝까지 모든 것을 미리 디자인하고 파악했다.

자칫, ‘연기란 무엇인가’라는 질문을 던지는 영화로 흘러갈 수도 있었다.

배우들이 배우의 연기 과정을 그린 영화로 볼까 봐 걱정된 게 사실이다. 솔직히 그런 주제에는 전혀 관심이 없다. 배우는 자아 표현을 위해 선택되는 가장 일반적인 사람이지만 모두에게 자아가 있다. 특히 정치인, 기업 회장, 독재자들. 세상은 자아의 희생양이 되어가고 있다. 누구라도 심지어 아이들조차도 자아의 희생양이 될 수 있다고 생각한다. 인간의 자아는 우리를 돋보이게도 하지만 눈깜짝할 사이에 죽일 수도 있는 위험한 것임을 알았으면 좋겠다.

지금의 이 시대상을 냉소적으로 바라보는 것인가.

<버드맨>은 매혹적인 동시에 당혹스럽고 모순적일 수도 있는 내 경험에 대해 파헤치는 수단이었다. 그래서 더욱 캐릭터의 목소리에 진실성을 부여하는데 집중했다. 마치 깔보거나 지적하거나 가르치려 들지 않았다. 이 남자가 겪는 고통스럽고 인간적이고 연약한 여정을 진실하게 보여주려고 했다. 그리하여 얼마나 성공을 거뒀고 부와 유명세를 갖췄는지는 일시적인 환상에 불과하다는 것, 잘못된 목표를 좇거나 자신의 존재를 남이 규정하게 만들면 원하는 것을 얻어도 그 기쁨은 덧없을 것이라는 이야기를 하고 싶었다.

알레한드로 곤살레스 이냐리투(스페인어: Alejandro González Iñárritu, 스페인어 발음: aleˈxandɾo ɡonˈsales iˈɲaritu, 1963년 8월 15일 ~ )는 멕시코의 영화 감독이자 각본가, 제작자

알레한드로 곤살레스 이냐리투는 1963년 멕시코 시에서 태어났다. 그는 1984년부터 라디오 방송국 WFM에서 DJ로 일하기 시작했고, 88년부턴 영화 음악 작곡을 시작하여 총 6편의 영화에 참여했다. 이후 미국 메인 주와 캘리포니아 주, 로스앤젤레스에서 영화 연출을 공부했고, 1990년부터 멕시코 TV 방송국 텔레비자 (Televisa)에서 연출자로 일했다. 한편 1991년에는 광고 영상, 단편 영화, TV 프로그램을 제작하는 회사 제타 필름(Zeta Films)을 창립하기도 하였다.

그의 첫 작품은 1995년에 만든 텔레비자의 TV용 중편 영화 《뒷돈》(Detrás del Dinero; Behind the Money)이었으며, 비평적으로 좋은 성과를 거두었다. 극장용 장편 영화 데뷔는 2000년 《아모레스 페로스》(Amores Perros)를 통해서 하였다. 이 영화는 칸 영화제 비평가 주간 대상과 영국 아카데미 상(BAFTA) 외국어 영화상을 수상했다.

첫 장편 영화를 통해 세계적으로 크게 주목을 받은 곤살레스 이냐리투는 곧바로 미국 할리우드로 진출하였다. 2001년, BMW가 기획한 단편 영화 시리즈 《하이어》(The Hire)의 다섯 번째 단편 "파우더 케그"(Powder Keg)를 만들었고, 2002년에는 미국 9/11 테러 사건을 되돌아보자는 의의로 기획된 앤쏠로지 영화 《2001년 9월 11일》(11'09"01 September 11) 내의 단편 "멕시코 (Mexico)"를 만들었다.

이후 그는 장편 영화도 헐리웃에서 계속 만들어 나갔다. 2003년과 2006년에 각각 두 번째와 세 번째 장편 영화인 《21 그램》(21 Grams)과 《바벨》(Babel)을 만들었으며, 이 두 작품 역시 세계적으로 큰 호평을 이끌어 냈다. 《21 그램》은 이탈리아 베네치아 국제 영화제에 공식 경쟁 부문으로 출품되어 배우들이 많은 상을 받기도 했다. 《바벨》은 프랑스 칸 국제 영화제에 정식 초청되어 감독상을 수상하였고, 미국 골든 글로브 작품상도 수상하였다. 배우들 역시 연기 부문에 대해 《21 그램》만큼이나 많은 상을 받았다.

1년 뒤 그는 34개의 단편이 모아져 완성된 앤솔러지 영화 《그들 각자의 영화관》(프랑스어: Chacun Son Cinéma)에서 단편 "안나"(Anna)를 맡았다.

곤살레스 이냐리투는 알폰소 쿠아론, 기예르모 델 토로와 함께 "멕시코 스리 아미고(스페인어: Trío de Amigos, Cineastas Mexicanos, 세 친구"로 불리며 멕시코 영화의 신기수로 거론되어 오고 있다. 이들 세 명은 오랜 기간 우정을 쌓으며 함께 영화 작업을 해 오고 있으며, 2008년에는 영화사 "차차차 필름"(Cha Cha Chá Producciones)을 공동으로 설립하기도 하였다.

근황

2010년, 그는 미국, 로스앤젤레스에서 두 아이, 그리고 아내인 마리아 엘라디아 하게르만 드 곤살레스(María Eladia Hagerman de González)와 결혼

작품 특징

곤살레스 이냐리투의 작품은 공통적으로 사람들의 처절하고 끔찍한, 고통스러운 정서를 주제로 한다. 특히 극장용 장편 영화 세 작품은 "죽음 3부작"(Death Trilogy), 또는 "비극 3부작"(Tragedy Trilogy)으로 엮어지기도 하는데, 인간의 사랑, 무너진 가족, 그리고 상실 등 복잡한 인간 내면의 심리를 심도 있게 다뤘다는 평을 받았다.[23][24][25]

그의 또 다른 특징은 이야기에 다중 플롯을 구성함과 동시에 그 작은 이야기들이 긴밀하게 연결이 되는 하이퍼링크 시네마 (Hyperlink Cinema)를 추구한다는 점이다.[26][27]

곤살레스 이냐리투는 각본에 기예르모 아리가, 촬영에 로드리고 프리에토, 프로덕션 디자인에 브리짓 브로치, 편집에 스티븐 미리온네, 그리고 음악에 구스타보 산타올라야와 긴 세월 호흡을 맞추며 영화 작업을 해 오고 있다

1963년 멕시코 시티 출생. 23살 때까지 감독, 제작자로서 뿐 아니라, 멕시코 인기 록 음악 라디오 방송국인 WFM의 DJ로 활동했다. 1987년 MAGIA DIGITAL TV 쇼를 진행. 1988년과 90년 사이, 여섯 편의 장편영화의 영화음악 작곡. 1990년 TELEVISA의 연출자로 입성, 1991년 제작사 ZETA FILM을 창립했다. 다른 한편, 폴란드 출신 감독 루드빅 마굴리스로부터 연극연출을 배우고, 로스앤젤레스와 메인에서 주디스 웨스튼으로부터 연기연출을 지도 받는다. 1995년 첫 중편 TV 영화 < DETRAS DEL DINERO>를 연출했다. 그는 제타 프로덕션의 파트너이기도 하며, 뉴욕 국제 TV/영화제와 런던 영화제에서 골든 어워드를 수상했다. 1997년 WFM 캠페인으로 FIAP에서 수여하는 그랑프리 수상했다. 2000년 장편 데뷔작인 <아모레스 페로스>를 제작, 감독해, 아카데미 영화제 외국어영화상에 진출하고 세계영화제에서 60개 넘는 상을 수상했다. 다음으로 제작, 감독을 맡은 작품 <21그램>(2003)은 미국을 배경으로 숀 펜, 베니치오 델 토로, 나오미 왓츠 등 할리우드의 유명배우들을 캐스팅해 완성되었다. 그가 미국 배우들과 함께한 첫번째 작품 <21그램>의 연기로 베니치오 델 토로와 나오미 왓츠가 아카데미에 노미네이트 되고 숀 펜은 베니스 영화제 남우주연상을 수상함으로써, 이냐리투 감독은 국적을 불문하고 배우들로부터 최고의 연기를 이끌어내는 연출력으로 명성을 떨친다. 2006년 5월, 이냐리투 감독은 세번째 장편영화 <바벨>로 59회 칸 영화제에서 최고감독상을 수상한다.

알레한드로 곤잘레스 이냐리투, "영화의 본질은 공동체적 경험"

[Film Festival] 프라다 트랜스포머 영화제 기자회견서 밝혀

김숙현 기자 | 2009.06.26

<21그램>, <바벨>을 만든 멕시코 출신의 영화감독 알레한드로 곤잘레스 이냐리투가 프라다 트랜스포머 영화제로 한국을 찾았다.

'육체, 정신, 영혼(Flesh, Mind and Spirit)'이라는 부제를 달고 내일(27일)부터 7월 9일까지 진행되는 프라다 트랜스포머 영화제는 이탈리아의 패션 브랜드 프라다가 서울 경희궁 앞에서 6개월간 진행하는 설치 프로젝트 '프라다 트랜스포머'의 이벤트 중 하나다. 패션, 영화, 미술, 프라다의 문화 전반을 주제로 한 이벤트 중 두 번째로 열리는 문화행사인 프라다 트랜스포머 영화제에서 이냐리투 감독은 뉴욕타임즈 영화평론가 출신의 엘비스 미첼과 함께 이 영화제의 큐레이팅을 맡아 14편의 상영작을 선정했다.

25일 오전 11시 경희궁 프라다 트랜스포머 행사장에서 열린 기자회견에 참석한 이냐리투 감독은 "내가 좋아하는 영화 14편을 소개하게 돼 기쁘다"며 소회를 밝혔다. 그는 이번 영화제의 의미로 '복원'뿐 아니라 '관객에게 직접 상영되는 것'의 중요성을 강조하며, 최근 전세계의 영화적 경향에 대한 우려를 내비치기도 했다. 한국영화에 대한 열렬한 관심을 표명하는 한편, 기자회견에 함께 참석한 알렉산더 라이하르트, 제르마노 첼란트 등과 기술과 예술, 공간과 영화 등에 대한 심오한 주제로 열정적인 논쟁을 벌이기도 했다. 알렉산더 라이하르트는 이번 프라다 트랜스포머 전시물을 건축한, 렘 쿨하스가 이끄는 OMA(Office of Metropolitan Architecture)의 건축가이며, 제르마노 첼란트는 프라다재단의 예술총감독이다.

이냐리투 감독은 이번 14편 상영작에 대해 세 가지 공통점이 있다고 밝히면서, 첫째로 가족을 주제로 한다는 점을 들었다. 사회의 최소단위인 가족 이야기야말로 모든 드라마의 기초라는 것. 두 번째는 격정적인 감정의 경험을 선사한다는 점이다. 이냐리투 감독은 "인물이 감정을 겪어도 그것을 보는 사람에게 전달해주지 못한다면 예술로서는 실패한 것"이라 견해를 밝히면서, 이번 14편의 상영작이 격정적인 감정의 경험을 선사하는 예술의 가장 기초적인 발언에 성공하고 있는 작품이라 말했다. 세 번째 공통점은 '휴머니티'를 다룬다는 것. 이냐리투 감독은 "최근 인류는 경제적, 정치적 위기뿐 아니라 영적, 심리적 위기에 처해있다. 이는 곧 희망의 위기이기도 하다"며 휴머니티의 중요성을 강조했다. 이냐리투 감독은 아이들은 비디오 게임에만 열중하고 영화사에서는 영웅 이야기를 만드는 데에만 천착하고 있다며, 요즘의 영화들이 인간의 본질적 감정을 직면하는 것에 대해서는 회피하고 있다며 안타까움을 전했다.

이번 상영작 14편 중에는 김지운 감독의 <좋은 놈, 나쁜 놈, 이상한 놈>(이하 '놈놈놈')이 포함돼 있다. <놈놈놈>은 공동 큐레이터인 엘비스 미첼의 추천에 의해 선정된 작품. 이냐리투 감독은 최근의 한국영화들이 과감성을 가지고 새로운 도전을 하고 있다며 높이 사면서도, 세계 시장에서 '새로운 영화'로 각광받는 현상에 대해서 우려를 나타내기도 했다. 그에 의하면 자신을 포함해 일군의 멕시코 감독들의 영화에 대해 세계 시장이 '뉴 멕시칸 웨이브'라며 환호했던 현상과 최근 한국영화에 대한 각광이 비슷하다고 말하면서, 이를 '고통'이라는 단어를 사용해 표현했다. 'new(새로운)'라는 말의 유효가치는 고작 2, 3년에 불과하며, new는 갑작스럽게 old(낡은)가 되기 쉽다는 것. '뉴 코리안 시네마'라는 세계시장의 각광도 또 하나의 타자화에 불과할 수 있다는 우려를 하고 있는 것으로 보인다.

그는 이러한 '뉴 웨이브' 현상에 대해 "원래 탁월한 여러 명의 감독이 갑자기 전세계에 나타나 영화사 전체를 뒤엎는 딥 임팩트를 선사하는 것"이라고 설명했다. 최근 한국영화와 아르헨티나 영화가 이러한 딥 임팩트의 주인공이라는 것이 그의 견해다. 박찬욱, 이창동, 김기덕, 김지운 등의 감독 이름의 그의 입에서 술술 불려나왔다. 그러나 그는 "이런 현상은 대체로 일종의 민족주의의 틀에 갇히기 쉽다"는 우려를 덧붙였다. 이러한 '뉴 웨이브'는 재능 넘치는 개인인 감독들이 자국이 아닌 해외에서 성공을 거둔 것임에도 정부가 문화적 정책의 성공의 결과로 치부하며 일종의 '정치화'를 시도한다는 것이다.

이냐리투 감독은 이번 영화제의 의미로 '함께 영화를 보는 것'의 중요성을 강조했다. 아이들이 핸드폰 단말기를 통해 영화를 보는 세상이지만, 영화의 본질은 '공동체적 경험'에 기초한다는 것이다. 그는 장-뤽 고다르 감독이 "TV에서 내 영화가 방영됐는데 그 영화는 내 영화가 아니었다"고 했던 말을 인용하면서, 영화 관람이란 필연적으로 같은 공간에서 다른 사람과 연결되는 것이라고 강조했다. 그는 극장에 가서 영화를 보는 경험을 '마약 경험'에 비유하면서, "롤링 스톤즈의 공연을 집에서 DVD로 보는 것과 라이브 공연에 가서 보는 것은 다르다"고 말하기도 했다. 또한 자신이 서울에 온 것의 의미를 "단순히 잊혀져가는 영화를 복원하는 것뿐 아니라, 사람들이 실제로 볼 수 있는 곳에 제공한다는 의미에서 중요하다"고 강조했다.

현재 스페인 바르셀로나에 거주하고 있는 그는 최근 자신이 이창동 감독의 <밀양>을 보기 위해 극장을 찾았던 경험을 전하면서 영화의 미래에 대한 염려를 덧붙이기도 했다. 그에 의하면 최근 <밀양>이 바르셀로나의 예술극장에서 개봉하면서 최고의 호평과 찬사를 받았으나, 정작 아내와 함께 극장을 찾았을 때 관객이 자기들밖에 없어 상영이 취소될 뻔했다는 것. 그는 전세계 영화시장을 고작 4, 5개의 대형 배급사가 지배하는 현실에서, 최근의 영화들이 기술적으로 완벽하고 시각적으로 아름답지만 종종 내용이 빠져있다고 비판했다. 관객들 역시 감정을 다루는 영화는 보지 않으려 하고, 영화사들도 영웅 이야기에만 골몰한다는 것. 그는 미래에 대해 무서운 생각이 들었다고 전하면서, 함께 저항운동이라도 펼쳐야 한다는 진지한 농담을 덧붙이기도 했다.

기술의 발전과 공간의 변화에 대해서도 심도있는 이야기가 오고갔다. 이냐리투 감독은 "기술이 이미 많은 것을 바꾸었다"며, "3, 4년 후엔 필름이 완전히 사라질지도 모른다. 이런 상황이 오게 될 거라고 누가 상상이나 했겠느냐"고 말했다. 하지만 그는 새로운 기술에 대해 무조건 반감을 가진 것은 아니다. 그는 "3D야말로 인간이 시각을 통해 경험하는 방식에 가장 근접한 것이다. 크레인 대신 핸드헬드를 사용하는 것도 '너무 새로운 것 아니냐'며 비판하는 사람들이 있지만 이야말로 우리가 사물을 보는 방식에 가장 비슷하지 않는가"라고 말했다. 그는 10년 뒤엔 안경이 없이도 3D를 즐길 수 있는 세상이 될 것이라 전망하기도 했다. 그러나 "절대로 변하지 않는 것들도 있다. 인간의 감정을 실제로 경험하는 것은 기술이 아무리 변해도 결코 변하지 않을 것이다. 과거 그리스의 비극이 지금과 형식은 달랐어도 인간의 감정을 다뤘던 것과 같다"고 강조했다.

이번 프라다 트랜스포머 영화제에서는 먼저 '육체' 부문으로 김지운 감독의 <놈놈놈>과 함께 마르코 벨로키오 감독의 <호주머니 속의 손>, 베르너 헤어조그 감독의 <아귀레, 신의 분노>, 아르타바즈드 펠레시안 감독의 <사계>, 찰스 버넷 감독의 <킬러 오브 쉽>, 그리고 타비아니 형제의 <빠드레 빠드로네>와 세리프 괴렌, 일마즈 귀니 감독의 <욜> 등 7편이 상영된다. <아귀레, 신의 분노>나 <빠드레 빠드로네>는 국내에서도 정식 극장개봉을 한 바 있지만 DVD로 쉽게 찾아보기는 힘든 영화들이다. 무성영화 스타일로 만들어진 아르메니아 영화 <사계> 역시 평론가들의 추천작. <욜>은 국내에서 정식 개봉은 하지 못하고 비디오로 출시됐으나 지금은 정식 경로로는 찾아보기 힘든 작품이다.

'마음' 부문에서는 알랭 레네 감독의 <지난해 마리앵바드에서>와 미하일 칼라토조프 감독의 <소이 쿠바>, 루크레시아 마르텔 감독의 <늪>, 로이 앤더슨 감독의 <유 더 리빙> 등 네 편이 상영된다. '영횬' 부문의 상영작으로는 칼 테오도어 드라이어 감독의 <오데트>, 알렉산더 소쿠로프 감독의 <어머니와 아들>, 카를로스 레이가다스 감독의 <침묵의 빛> 등 세 편이 선정됐다. <지난해 마리앵바드에서>는 누벨바그의 대표작으로 이름이 높고 <오데트>는 고전의 반열에 올라있는 작품이지만 <소이 쿠바>나 <늪>, <유 더 리빙>, <침묵의 빛> 등의 작품은 국내에는 상대적으로 덜 알려진 작품들이라 할 수 있다.

생의 찬미자, 알레한드로 곤잘레스 이냐리투

생이란 성공과 실패라는 단어로 손쉽게 구분된다. 하지만 알레한드로 곤잘레스 이냐리투의 영화들은 괴롭고 비루한 일상을 통해서도 이어지는 생을 그린다. 쉽게 꺾이지 않는 생의 가능성을 응시한다.

멕시코시티에서 태어난 알레한드로 곤잘레스 이냐리투가 보다 넓은 세상으로 나아간 건 17세 무렵이었다. 대서양을 횡단하는 무역선의 물류 창고에서 자고 바닥을 청소하며 여행을 떠났다. 그리고 처음으로 다다른 곳이 바로 바르셀로나였다. 바르셀로나에서의 경험은 그에게 남다른 시각을 제공했다. "바르셀로나는 정말 대단했다. 어떤 모험심을 가진, 매우 어린 시절이었다. 수많은 이웃들을 소개해주는 친구가 생겼고, 끝내주는 경험을 했다. 서로 다른 언어로 대화하는 다양한 인종들로 구성된 모임을 보면서 감탄했다. 탐험을 하는 내게 있어서 정말 쿨한 일이었다." 직접적으로 곤잘레스 이냐리투가 연출한 <비우티풀>(2010)은 이 당시에 목격했던 바르셀로나에서의 경험이 반영된 작품이다. 그러나 그 이전에 다양한 출신 성분의 사람들이 함께 어우러진 광경을 목격하고 체험했던 여정이야말로 그의 영화관에 지대한 영향력을 행사한 것 같다.

곤잘레스 이냐리투의 장편 연출 데뷔작인 <아모레스 페로스>(2000)는 이 세계의 너비를 되새기게 만드는 작품이다.곤잘레스 이냐리투의 고향인 멕시코 시티를 배경으로 둔 이 영화는 각자 다른 영역에서 살아가는 세 인물의 생을 세 개의 시점으로 나열하는 옴니버스 형식을 취하고 있다. 칸국제영화제의 비평가주간에 초청돼 최우수작품상을 수상하기도 했던 이 작품은 찌든 때처럼 거리에 눌러 붙은 폭력성을 묘사하고 퍼즐 같은 서사 구조를 지닌 덕분에 쿠엔틴 타란티노의 작품을 연상시킨다는 평도 적지 않았다. 하지만 곤잘레스 이냐리투에게 폭력은 허구적인 소품이 아닌 현실의 언어였다. "나처럼 매일같이 거리에서 폭력이 발생하고 사람이 죽는 도시에서 산다면, 폭력과 죽음은 더 이상 재미있는 일이 아닐 거다. 폭력에는 그에 응당한 결과가 있다는 걸 보여주고자 노력했다. 만약 당신이 폭력을 구사한다면,그 폭력의 결과는 당신에게 돌아올 거다."

곤잘레스 이냐리투의 초기작인 <아모레스 페로스>와 <21그램>(2003), <바벨>(2006)은 서사적으로 유사한 형식성을 취하고 있다. 세 부류로 나뉜 개별적인 삶과 그 일상이 부득이한 이유로 타인의 삶과 충돌하고 끝내 이 세계를 에워싸는 사건으로 확장된다. 세 작품은 동일하게 서사를 파편처럼 나열하고 퍼즐 구조의 서사로 진전된다. 다중적인 시점을 통해 서사의 확대와 증축을 꾀하며 입체적 감상을 유도한다. 이처럼 유사한 서사적 형태를 지닌 세 작품에서 공통적으로 발견되는 건 우연과 필연을 통해 진전되는 관계의 층위와 현실적인 생의 너비를 체감하게 만드는 관성이다. 어느 개인의 경험이 이 세상에 존재하는 수많은 생에게 행사할 수 있는 영향력의 가능성을 짐작하게 만든다. 그럼으로써 이 세계라는 물리적 너비를 포괄할 수 있는 생의 무게감을 실감하게 만든다.

<비우티풀>은 알레한드로 곤잘레스 이냐리투라는 감독의 새로운 영역을 보여주는 작품이었다. 다중적인 시점으로 구성된 옴니버스식 서사를 지닌 전작들과 달리 <비우티풀>은 곤잘레스 이냐리투의 첫 번째 정극이라고 해도 좋을 작품이다. 수미상관의 구조로 이뤄진 이 작품은 생과 죽음의 양면성을 유려한 슬픔과 환희로 승화시키며 시적인 아름다움을 전달한다. 물론 어떤 이들은 이런 감상에 대해서 고개를 갸우뚱할 것이다. 왜냐면 사실 <비우티풀>은 굉장히 참담한 이야기이기 때문이다. 전세계 관광객들이 몰려드는 바르셀로나의 빈민가에서 힘겹게 두 자식을 키워나가는 아버지를 주인공으로 둔 이 영화는 그 누구보다도 죽음을 잘 이해하고 있는 남자가 자신에게 드리운 죽음의 그림자를 향해 천천히 걸어나가는 이야기다. 가난과 고통 그리고 배신과 죽음이라는 어둡고 험난한 단어들로 점철된 이 영화가 그럼에도 불구하고 아름다운 여운을 남긴다 말할 수 있는 건 죽음으로도 부서지지 않는 생의 가치를 시적인 정서로 담아내는 영화이기 때문이다. 곤잘레스 이냐리투의 말처럼, "<비우티풀>은 죽음이 아니라 삶에 관한 영화다. 삶을 향한 찬가다." 그 비극적인 생의 마감을 지켜보면서도 그토록 평화로운 감상을 얻을 수 있는 건 결국 그 생이 어떤 종착만은 아닐 것이란 믿음을 안겨주기 때문이다. 마치 영적인 기적을 목격하는 듯한 초현실적인 아름다움이 그 영화에 담겨있다.

사실 곤잘레스 이냐리투의 영화는 하나 같이 어둡고 고통스러운 이 세계의 단면들을 수집해 오면서도 생의 가치를 부정하지 않았다. 오히려 그럼에도 불구하고 이 생이 살아갈 만한 가치가 있음을 역설한다. 마치 "몇 번이라도 좋다! 이 끔찍한 삶이여, 다시!"라고 외쳤던 니체의 격언처럼 그렇다. 다만 이 거대한 비극의 도가니 속으로 내몰리는 인간들의 군상이 어떤 구조 속에 놓여있는가를 통해서 이 삶을 비극으로 내모는 인과와 심리를 제시한다. 곤잘레스 이냐리투의 영화로부터 괴로운 심정을 얻는다는 건 그만큼 이상한 일이 아니다. 하지만 그 괴로운 서사의 끝에서 되레 감상적 치유를 길어 올릴 수 있는 건 결국 그의 영화가 서로의 통증을 분담하고 공감할 수 있다는 이 세계에 대한 영적인 믿음을 품고 있기 때문이다. <버드맨>(2014)은 이런 주장을 뒷받침할 만한 확실한 증언과도 같다.

대략 5년 전, 자신이 구상했던 어떤 이야기의 조연 캐릭터를 모티프로 개발된 <버드맨>은 한때 '버드맨'이란 슈퍼히어로로서 전성기를 누렸던 어떤 배우의 재기를 그린 작품이다. 하지만 <버드맨>은 단순히 어떤 배우의 연기적 재기에 관한 드라마가 아니다. 곤잘레스 이냐리투도 "솔직히 그런 주제엔 전혀 관심이 없다"고 말한다. "인간의 자아가 우리를 끌어올려줄 수 있지만 순식간에 우리를 해칠 수도 있는, 위험한 것임을 알았으면 좋겠다. 그것에 힘을 내주고 휘둘리면 끔찍한 일이 벌어질 수도 있다." <버드맨>은 한 퇴물 배우가 자신을 파괴하는 망상과 세간의 비웃음으로부터 삶을 회복해나가려는 과정을 그린다. 그 과정은 때때로 우스꽝스럽다 못해 신랄한 블랙코미디 형태로 묘사되는데 이는 기존에 곤잘레스 이냐리투 영화와 이질적인 감상적 온도를 전달한다. 동시에 명배우들이 시종일관 장대비처럼 쏟아내는 대사량과 그 대사에 세찬 리듬감을 가미하는 드럼 솔로, 그리고 중력으로부터 해방된 듯한 카메라 워크 등 전작들에 비해 보다 화려해진 테크닉들로 영화의 기교적인 밀도가 한층 높아진 인상이다.

무엇보다도 <버드맨>은 보기 드물게 유머러스하고 신랄한 곤잘레스 이냐리투의 첫 번째 블랙코미디이지만 그의 전작들에 비하면 이례적이라 할만큼 어느 비범한 생에 대한 경의로 비상하는, 그의 다섯 번째 찬가다. 아마도 <버드맨>을 보게 된다면 초현실적인 예감을 부추기는 모호한 결말에 대해 어떤 의문을 품을 수밖에 없을 것이다. 엠마 스톤의 '빅 아이즈'를 통해서 짐작할 수밖에 없는 그 결말은 사실 본래 예정됐던 결말이 아니었다. 영화의 촬영이 중반에 다다랐을 즈음 그 결말이 정말 최악이라고 느낀 알레한드로 곤잘레스 이냐리투는 결국 각색가들과 함께 새로운 결말에 골몰했고, 결국 지금 형태의 결말을 완성했다. 그는 지금 형태의 결말에 대해서 굉장히 만족했고, 타당한 결론이라고 생각했다. "내 영화들은 내 자신의 연장선이다. 일종의 내 생명과 직결된 경험의 증거들, 매우 드문 선행과 매우 많은 한계들과 함께." 비참한 삶의 형태 속에서도 결코 죽일 수 없는 생의 가능성. 알레한드로 곤잘레스 이냐리투가 응시하는 건 결국 이 세계의 너머가 아닌 자기 자신과 우리 생의 한가운데에 놓여 있는 그것이다.

어떠한 예측도 뛰어넘는 <버드맨>의 결말은 타인들에 의해 손쉽게 실패라고 손가락질 받는 누군가의 삶이 결코 무의미한 것만은 아니라는, 곤잘레스 이냐리투가 응시하는 생의 철학으로 비상한다. 하지만 곤잘레스 이냐리투는 본래의 결말을 언급하는 것에 대해서도 극도로 말을 아낀다. "원래의 결말에 대해선 결코 말하지 않을 거다. 매우 황당한 것이니까. 정말 나쁜 것이었다." 물론 지금의 결말 또한 황당하다고 느낄 관객은 존재할 거다. 이쯤 되면 어떤 결말인지 정말 궁금하지 않나? 보면 안다. 민용준 영화 칼럼니스트

(beyond에 게재됐던 기사를 재편집한 글입니다.)